14. Le processus de « sécularisation » dans l’artXVIIIesiècle.

Les troubles du XVIIe siècle ont porté un coup terrible à l'État, à l'économie et à la culture du pays. Néanmoins, non seulement la Russie s’est rapidement redressée, mais elle a également commencé à se renforcer tout aussi rapidement. C’est alors qu’elle devient territorialement la plus grande puissance du monde.

Apparemment, ce sont les architectes, les artistes et les écrivains qui ont véritablement « mondialisé » l’architecture, la peinture et la littérature, même s’ils l’ont fait le plus souvent avec l’argent des marchands, inévitablement contraints dans leurs créations de refléter, à un degré ou à un autre, les goûts et les exigences des gens. les citadins, leurs idées sur l'environnement, la paix et la beauté. L'un des signes extérieurs les plus caractéristiques de la nouvelle étape du développement de la culture russe fut la construction, en plus des temples, de bâtiments en pierre à des fins laïques, qui étaient désormais construits non seulement par la noblesse féodale, mais aussi par les représentants de les riches marchands. Le sous-sol était utilisé pour stocker les marchandises et l'allée sud de Nikita le Guerrier est devenue le tombeau familial de cette célèbre famille de marchands originaire de Yaroslavl. La décoration intérieure a été achevée au milieu des années 1650, après la mort de G. L. Nikitnikov, ses petits-enfants et son arrière-petit-fils du côté de sa fille, Ivan Grigorievich Boulgakov, ont également achevé certains travaux. Les images ont été commandées aux peintres d'icônes les plus célèbres de l'époque, dont Joseph Vladimirov ("La Descente du Saint-Esprit") et l'iconographe de l'Armurerie Simon Ouchakov ("Le Grand Évêque", "Le Sauveur n'est pas fait de mains". " et d'autres). Pendant de nombreuses années, dans le temple, il y avait aussi la célèbre icône « L'Arbre de l'État de Moscou » (« Louange à la Mère de Dieu de Vladimir »), qui a également été créée par le « zographe souverain Pimine appelé Simon Ouchakov ». Lors de la peinture des murs, les maîtres ont été les premiers en Russie à utiliser comme échantillons des gravures de la Bible Piscator, récemment publiée en Hollande, (plutôt des diagrammes iconographiques), et sur l'une des fresques, ils ont représenté un portrait de groupe de la famille Nikitnikov. Au milieu du XVIIe siècle, une maison en pierre avec de hauts «pignons hollandais» est apparue dans la rue Vagankovo ​​​​​​à Moscou, qui se détachait également sensiblement sur le fond des bâtiments environnants. Il appartenait à l'invité éminent Almaz (Erofey) Ivanovitch Ivanov (? – 1669) de la famille Chistye, originaire des habitants de Vologda. Commerçant avec les pays de l'Est et connaissant plusieurs langues étrangères, ce marchand devint finalement noble de la Douma et chef de l'ambassadeur Prikaz. Dans le cadre des ambassades russes, Almaz Ivanov s'est rendu dans le Commonwealth polono-lituanien et en Suède. Peut-être que ses impressions étrangères ont affecté dans une certaine mesure l'architecture de la maison. À côté de ses chambres en pierre à deux étages près de la porte Pokrovsky, un membre des Cent Vivants, Mikhaïl Semenovitch Sverchkov, a érigé en 1696-1698 l'église de l'Assomption sur Pokrovka dans le style baroque « Narychkine ». Un peu plus tôt, sur Bersenevka (aujourd'hui quai Bersenevskaya de la rivière Moscou), sur ordre du commis souverain Averky Stepanovich Kirillov (1622-1682), issu d'un milieu marchand, une nouvelle maison et le temple de Saint-Nicolas le Wonderworker ont été construits en grosses briques. Le livre de construction de 1657 en parle ainsi : « Dans ce jardin, à côté de la cour de son Averkiev, le hangar de son Averkiev a été reconstruit. » Un membre de l'ambassade des Pays-Bas, Nicolas Witsen, qui s'est rendu à Moscou en 1665, a écrit : " J'ai rendu visite à Averky Stepanovich Kirillov, le premier invité, qui est considéré comme l'un des marchands les plus riches. Il vit dans un très bel immeuble ; c'est une grande et belle chambre en pierre, le dessus est en bois. Dans sa cour, il a sa propre église et son clocher, richement décorés, une belle cour et un jardin. L'ameublement à l'intérieur de la maison n'est pas pire, les fenêtres ont des verres peints en allemand (vitrail). Bref, il a tout ce qu'il faut pour une maison richement meublée : de belles chaises et tables, des tableaux, des tapis, des armoires, de l'argenterie, etc. Il nous a offert diverses boissons, ainsi que des concombres, des melons, des citrouilles, des noix et des pommes transparentes, et tout cela était servi sur un bel argent sculpté, très propre. Les gobelets et les verres sculptés ne manquaient pas. Tous ses serviteurs étaient vêtus du même costume, ce qui n'était pas d'usage même chez le tsar lui-même. nous avons très gentiment parlé de la comète récemment apparue, les Russes en parlent de manière incorrecte. Il nous a montré un livre de prédictions sur l'avenir, traduit en russe, comme s'il contenait de véritables prédictions, et m'a demandé mon avis à ce sujet. " Comme nous le voyons, des éléments de « mondanité » et de pénétration d'influences étrangères sont évidents. Dans la pierre Dans le domaine de la construction résidentielle, les marchands éminents n'étaient pas en reste derrière les marchands de la capitale des centres provinciaux. Au cours de la période sous revue, Pskov était ornée de plusieurs demeures de marchands remarquables. La plus célèbre d'entre elles appartenait peut-être à Sergueï Ivanovitch Pogankine. A proximité se trouvent les maisons de marchands des Menchikov, des Rusinov, des Trubinsky et des Yamsky. Elles sont généralement à deux étages, en pierre, avec un troisième plancher en bois et des salles de stockage en forme de cages et de caves. Les marchands Pouchnikov à Nijni Novgorod se composaient de deux grandes chambres. À Kalouga, la maison à deux étages élégamment décorée du marchand K. I. Korobov a été conservée. Les chambres marchandes en pierre du XVIIe siècle sont connues à la fois dans la petite ville de Gorokhovets près de Vladimir et dans Tcheboksary. La question du rôle des « étrangers commerçants » moscovites (Vinius, Kelderman, Marcelis et autres) dans l’initiation des Russes à la culture de l’Europe occidentale mérite une attention particulière. Tout ce qui précède a sans aucun doute contribué de manière significative à la « sécularisation » de la culture russe, c’est-à-dire à la pénétration et à la croissance d’éléments purement laïques.

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Introduction

L'art russe ancien des anciennes formations étatiques russes des X-XIII siècles, ayant absorbé les traditions de la culture slave orientale et l'expérience avancée de l'art de Byzance et des pays balkaniques, a créé des monuments exceptionnels de peinture religieuse et profane, de magnifiques mosaïques , fresques, icônes, miniatures, reliefs, objets décoratifs, de nombreux chants religieux de genres variés.

Au sens large, l'art russe ancien est l'art russe médiéval. Pendant la période de formation de la féodalité en Russie (X-XIII siècles), l'art s'est développé sur la base des réalisations de la culture artistique des tribus slaves orientales et des Scythes et Sarmates qui vivaient avant eux sur ces terres. Naturellement, la culture de chaque tribu et région avait ses propres caractéristiques et était influencée par les terres et les États voisins. Avec le christianisme, la Russie a adopté les traditions de la culture ancienne, principalement grecque.

Il est important de noter que l'art russe du Moyen Âge s'est formé dans la lutte de deux structures - patriarcale et féodale, et de deux religions - le paganisme et le christianisme. Et tout comme les traces du mode de vie patriarcal peuvent être retrouvées depuis longtemps dans l'art de la Russie féodale, de même le paganisme se rappelait lui-même sous presque toutes ses formes. Le processus d'élimination du paganisme a été spontané, mais des tentatives ont néanmoins été faites pour renforcer rapidement la nouvelle religion, la rendre proche et accessible aux gens. Ce n'est pas un hasard si des églises ont été construites sur les emplacements de temples païens ; des éléments de déification populaire de la nature y pénétrèrent et certains saints commencèrent à se voir attribuer le rôle d'anciens dieux.

Bien entendu, comme tout art du Moyen Âge, l'art de la Rus antique des Xe-XIIIe siècles suit certains canons, qui peuvent être retracés à la fois dans les formes architecturales et dans la peinture. Même des échantillons ont été créés - "proresi", "originaux", faciaux et explicatifs (dans le premier, il a été montré comment écrire, dans le second, il a été "interprété"), mais à la fois en suivant les canons et contrairement à eux, le riche créateur La personnalité de l'artiste a pu s'exprimer.

S'appuyant sur les traditions séculaires de l'art d'Europe de l'Est, les maîtres russes ont pu créer leur propre art national, enrichir la culture européenne avec de nouvelles formes de temples uniques à la Russie, des peintures murales et une iconographie uniques, qui ne peuvent être confondues avec celles byzantines, malgré la communauté de l'iconographie et la similitude apparente du langage visuel.

1. Art russe ancien. Art de la Russie kiévienne

Formé au 9ème siècle. L'ancien État russe - la Russie kiévienne, avec l'adoption du christianisme de Byzance en 988, s'est impliqué dans le puissant flux culturel du monde byzantin-slave, dans le domaine de la culture chrétienne orientale. Au cours de son assimilation et de son processus créatif séculaire, est né cet art original et original, que nous appelons en fait le vieux russe et qui fait l'objet de la fierté légitime des peuples russe, ukrainien et biélorusse.

Cet art n’est pas seulement éloigné de nous depuis des siècles. Généré par une vision du monde différente et des conditions sociales spécifiques, il présente un certain nombre de caractéristiques particulières, sans lesquelles sa pleine perception esthétique est impossible. Tout d'abord, cet art servait les besoins religieux de la société, les besoins de la vision chrétienne du monde et du culte. Il est étroitement lié à la religion dans son thème, son contenu et sa forme et est conçu pour concentrer les pensées et les sentiments humains sur le « surnaturel », « l'immatériel ». Cela ne signifie bien sûr pas que l’art russe ancien n’a aucun lien avec la vie et ne reflète pas les pensées, les intérêts et les humeurs qui inquiétaient la société médiévale. En créant l'image du Tout-Puissant ou de Saint-Nicolas, en peignant le Jugement dernier ou les souffrances du Christ sur la croix, l'ancien maître russe a répondu aux questions idéologiques les plus importantes pour lui-même et ses contemporains, a tenté de pénétrer les secrets du passé et l'avenir de l'univers, comprendre le bien et le mal et trouver un idéal de vie actif. En étudiant ces œuvres, nous étudions la vie spirituelle de la Russie, la lutte de divers mouvements idéologiques, la montée de la pensée philosophique, éthique et esthétique. Bien entendu, identifier l’essence vitale des œuvres des peintres russes anciens et comprendre comment la vie réelle se reflétait dans une œuvre particulière est loin d’être facile. C’est encore plus difficile à faire en architecture, avec son langage « abstrait » de volumes et de lignes.

Une autre caractéristique essentielle du vieux russe, comme de tout autre art médiéval, est l'adhésion au canon. Elle a trouvé son expression dans tous les types d'arts plastiques, mais on parle le plus souvent de canonicité par rapport à la peinture russe ancienne, c'est-à-dire l'utilisation par les artistes d'un ensemble stable de sujets, de types d'images et de schémas de composition (iconographie), consacrés par tradition vieille de plusieurs siècles et approuvée par l'église. Dans la pratique artistique, on utilisait ce qu'on appelle des échantillons - dessins, icônes miniatures - "tablettes", et plus tard - "prorisi" (papier calque de contour), sans lesquels presque aucun maître médiéval ne pourrait se passer. Cependant, il serait faux de supposer que le canon n'a fait qu'entraver la pensée du peintre médiéval et restreindre ses possibilités créatives. Le canon est un phénomène complexe et ne peut être évalué sans ambiguïté. C'était une partie structurelle intégrale de la culture médiévale, disciplinant l'artiste, dirigeant sa recherche, éduquant le spectateur, l'aidant à naviguer rapidement dans le concept idéologique des œuvres d'art.

Une autre caractéristique importante de l’art russe ancien est son impersonnalité prédominante. Contrairement à l'art des temps modernes et à l'art occidental de la Renaissance et des périodes ultérieures, nous ne sommes pas si souvent en mesure de citer le nom du constructeur de telle ou telle ancienne cathédrale russe ou de l'auteur d'une icône, du créateur d'une croix d'or ou un cadre gospel luxueux. Jusqu'à la fin du XVe siècle. De telles informations sont rares.

« L’absence de nom » est un produit de la vision médiévale du monde et du but culte de l’art. L'Église s'est assignée le rôle de créateur, ne reconnaissant l'artiste que comme interprète. De plus, le maître médiéval n’était généralement pas aux échelons supérieurs de l’échelle sociale féodale. C’est pourquoi nous connaissons bien plus souvent le client d’un chef-d’œuvre artistique que son créateur.

Il ne faut pourtant pas exagérer l’impersonnalité de l’art médiéval. Nous connaissons plus d'un ou deux noms d'architectes russes, de peintres d'icônes, de bijoutiers, d'écrivains de livres de la période ancienne, inscrits sur les murs des églises et les champs d'icônes, les cadres et les pages de livres. Le Patericon de Kiev-Petchersk a conservé le nom du célèbre peintre d'icônes russe du XIe au début du XIIe siècle. Le moine de Pechersk Alimpiy. Ainsi, déjà à l'aube de l'art médiéval russe, les noms de ses premiers créateurs nous sont révélés.

Afin d'imaginer les conditions dans lesquelles l'art de la Russie antique s'est développé, il convient de prendre en compte une autre circonstance importante : l'art servait non seulement les besoins religieux de la société, mais servait directement l'Église en tant que principale institution idéologique de la société féodale et était sous son contrôle. Attribuant à l'artiste uniquement le rôle d'interprète, les hiérarques de l'Église assuraient la canonicité de son œuvre, encourageant parfois l'artisanat.

Cela a eu un impact particulièrement négatif sur la peinture des XVIe et XVIIe siècles. Sous la domination idéologique de l’Église, la peinture profane n’a pas eu la possibilité de se développer librement ; Le genre du portrait est apparu tardivement ; La sculpture en bois appréciée du peuple est restée dans ses beaux-fils.

L'attrait pour le traditionalisme en architecture a incité le patriarche Nikon au milieu du XVIIe siècle. imposer une interdiction de la construction d'églises sous tente, fierté de l'architecture nationale russe.

Telles sont les conditions dans lesquelles l’art russe ancien s’est développé, nous léguant un héritage artistique inestimable.

Après avoir détruit les « idoles » de Perun et d’autres dieux païens et érigé un temple monumental à Saint-Pierre. La Mère de Dieu, le prince de Kiev Vladimir Sviatoslavich, a pour ainsi dire tiré un trait sur la période la plus ancienne de l'histoire russe. L'adoption du christianisme dans sa version byzantine a permis au jeune État russe de larges contacts culturels avec le pays le plus développé de ce qui était alors l'Europe et de mettre à profit sa riche expérience artistique. L'introduction de la Rus' à l'art et à la culture du royaume bulgare au Xe siècle a également été très importante. l'apogée. La plupart des livres manuscrits russes les plus anciens qui subsistent sont des copies d'originaux bulgares.

Le centre politique et culturel de la terre russe des Xe-XIe siècles. il y avait Kiev - « la mère des villes russes », une ville qui à cette époque se développait si rapidement que les observateurs étrangers avaient toutes les raisons de la qualifier de rivale de Constantinople et de « parure brillante de la Grèce » (le monde orthodoxe). Thietmar de Mersebourg a soutenu cela à Kiev au début du XIe siècle. il y avait 400 églises. Ce nombre comprenait probablement non seulement des églises, mais aussi des bâtiments en forme de tours à caractère laïque.

2. Architecture de la Russie kiévienne

L'architecture religieuse avait une signification particulière dans la culture chrétienne féodale. Le temple était une image de l’univers, un « navire du salut », le centre de la vie publique et le centre de tous les types d’art. Il incarnait la philosophie, l'éthique et l'esthétique de la société féodale. Des « paroles » et des « enseignements » oratoires brillants y étaient prononcés et des chants majestueux étaient chantés. Son architecture, ses peintures murales et ses icônes incarnaient des idées sur la structure du monde, son histoire et son avenir. L'apparence même des églises « décorées », avec lesquelles même les palais princiers ne pouvaient rivaliser, produisit une impression particulière sur le peuple.

Les premières églises russes étaient pour la plupart en bois et n'ont pas survécu jusqu'à nos jours, tout comme la grandiose église en pierre de la Sainte Mère de Dieu, construite par le prince Vladimir Sviatoslavich en 989-996, n'a pas survécu. et appelé Dîme (le prince consacrait un dixième de ses revenus à son entretien). Certes, les fouilles effectuées par les archéologues et certaines sources écrites permettent de juger de l'apparence de l'église de la Dîme, qui possédait trois nefs avec des absides à l'est, une galerie de contournement et, probablement, de nombreuses coupoles. L'intérieur était décoré de fresques.

Le plus ancien «témoin» de cette époque et le plus grand monument artistique de la Russie kiévienne est la cathédrale Sainte-Sophie, construite par le fils de Vladimir, Iaroslav le Sage (1037 - fin du XIe siècle). La Sophie de Kiev est une majestueuse structure à cinq nefs constituée d'un système de coupoles croisées, délimitée à l'est par cinq absides et couronnée de treize coupoles (l'extérieur a été reconstruit au XVIIe siècle dans le style baroque ukrainien). Un immense tambour à douze fenêtres inondait de lumière l’espace central du temple. Quatre chapitres éclairaient l'autel, huit éclairaient les vastes chœurs (« étages d'ascension », sur lesquels le prince et son entourage étaient présents lors de l'office), occupant toute la partie ouest de l'édifice. On ne trouve pas de chœurs aussi développés dans les églises byzantines. La cathédrale était entourée d'une galerie ouverte d'un étage. Plus tard, la galerie d'origine a été construite et fusionnée avec le corps principal de l'église, et une nouvelle galerie d'un étage avec des tours d'escalier a été construite autour d'elle. C'est ainsi que s'est formé l'aspect architectural de la cathédrale Sainte-Sophie de Kiev, qui se distingue par la clarté et la cohérence de sa conception artistique. La cathédrale ressemble à une pyramide majestueuse dont les marches mesurées s'élèvent de manière cohérente et constante jusqu'au point central - le dôme principal brillant d'or. L'apparence de la cathédrale était festive et élégante. Comme tous les édifices en pierre de cette époque, il fut construit en brique plate - plinthes utilisant des rangées « en retrait » dans la maçonnerie, recouvertes de ciment rosé. C’est ainsi qu’est né l’élégant design bicolore caractéristique des bâtiments plinthes.

L'aspect architectural pyramidal à gradins de Sophie et ses nombreux dômes distinguent ce temple des églises byzantines similaires et l'introduisent, comme on peut le supposer, dans le courant dominant de la tradition de l'architecture locale en bois, qui a également influencé l'église de la Dîme. L'église aux treize coupoles fut la première Sophie en bois de Novgorod. À l'intérieur de Sophie de Kiev, l'idée d'une synthèse médiévale des arts s'est pleinement réalisée. Sous les yeux de la personne entrant, diverses perspectives pittoresques alternaient, ce qui l'attirait vers le centre - dans l'espace sous le dôme. Tout l’intérieur de la cathédrale brillait par la splendeur de sa décoration. Les sols étaient recouverts de smalt mosaïque, incrustés dans des dalles d'ardoise rouge ou posés dans un mortier liant. L'autel (entièrement ouvert à l'époque aux yeux de ceux qui étaient rassemblés, car devant lui il n'y avait qu'une basse barrière de marbre, et non la haute iconostase apparue plus tard), la coupole centrale, les piliers orientaux, les voiles et les arceaux de circonférence étaient décorés de mosaïques précieuses et les parties restantes des murs étaient décorées de fresques multicolores. Tous ces éléments constituaient l'aspect artistique général de la Sophie de Kiev - le temple, dont son contemporain le métropolite Hilarion considérait la création comme le mérite le plus important de Iaroslav le Sage : « Comme l'église est merveilleuse et glorieuse pour tous les pays environnants, comme une autre on ne le trouvera pas du tout à minuit sur terre, de l’est à l’ouest.

La Sophie de Kiev est non seulement restée un chef-d'œuvre architectural inégalé, mais a également eu une influence significative sur d'autres œuvres remarquables de l'architecture russe ancienne en pierre : les cathédrales Sainte-Sophie de Polotsk et de Novgorod.

Sous Iaroslav, non seulement l'architecture religieuse mais aussi l'architecture civile ont connu un grand succès (qui est apparu à l'époque préchrétienne ; la tour princière en pierre est mentionnée dans la chronique de 945), principalement due à la croissance rapide et continue de Kiev, qui avait depuis longtemps à l’étroit dans les anciennes frontières. Par conséquent, Yaroslav a « fondé » une nouvelle « grande ville, ses villes sont le Golden Gate ». La Porte Dorée de Kiev, nommée ainsi à l'imitation de celles de Constantinople, est le seul monument partiellement survivant de l'architecture laïque de Kiev de l'époque de Iaroslav (vers 1037). Il s'agissait d'une immense arche reposant sur de puissants pylônes, surmontée de la porte de l'église de l'Annonciation. Dans le même temps, la Porte Dorée, ainsi que d’autres tours du mur de la forteresse de Yaroslav Kiev, constituaient une unité défensive importante.

Dans la seconde moitié du XIe siècle, sous les Iaroslavitch, de nouveaux éléments furent esquissés et développés dans l'architecture de Kiev. Le christianisme gagne des positions de plus en plus fortes. L'influence de l'ascèse chrétienne, presque inconnue sous Vladimir et Iaroslav, s'accroît. L'exposant de ces nouvelles tendances architecturales est la cathédrale de l'Assomption du monastère de Petchersk de Kiev (pendant la Grande Guerre patriotique, elle a été détruite par les nazis et est en ruines). Il a été construit par le prince Sviatoslav Yaroslavich en 1073-1078. et c'était un temple vaste et haut à trois nefs, surmonté d'un seul dôme. Des pylônes puissants et stricts divisaient l'espace intérieur. La lumière du tambour et des fenêtres murales éclairait uniformément le cube central du bâtiment. L'intérieur dans son ensemble est devenu beaucoup plus austère par rapport aux intérieurs des premières églises de Kiev. L'aspect architectural de la cathédrale était typique de l'architecture monastique de la seconde moitié du XIe siècle. Basée sur le même type d'église à six piliers, à dôme unique et à trois nefs, l'église antérieure du monastère Saint-Michel (Dmitrievsky) (milieu du XIe siècle), la cathédrale du monastère Vydubitsky (1070-1088) et un certain nombre de cathédrales ultérieures ont été construites dans d'autres principautés.

Parmi les villes voisines de Kiev, le plus grand centre culturel était Tchernigov, qui appartenait au premier tiers du XIe siècle. au frère guerrier de Yaroslav le Sage - Mstislav de Tmutarakan. Il y construisit un detinets avec un palais princier et fonda la cathédrale de la Transfiguration, dans laquelle il fut enterré (1036). Le temple principal de Tchernigov, achevé par Iaroslav le Sage, était proche dans son plan de l'église des Dîmes de Kiev. L'immense bâtiment à trois nefs et trois absides à l'est se distinguait par une structure calme et impressionnante de masses de pierre.

Le XIe siècle fut l'apogée de l'art sur les rives lointaines du Volkhov - à Veliky Novgorod. Deuxième ville la plus importante de l'État de Kiev, rivale politique constante de la capitale Novgorod au XIe siècle. était la résidence des héritiers du trône de Kiev, qui faisaient souvent preuve de « désobéissance » envers les princes de Kiev.

Le monument le plus ancien de l'architecture de Novgorod, symbole de toute la culture et de l'État de Novgorod, est la cathédrale Sainte-Sophie, construite par le prince Vladimir Yaroslavich en 1045-1050. au centre des Détinets de Novgorod. Un veche se rassemblait près de ce temple, les affaires de l'État et de l'Église étaient menées. « Là où est Sainte-Sophie, là est Novgorod ! » - cette formule inventée reflétait l'énorme importance de l'église Sainte-Sophie pour la vie publique de la ville.

En plan, Sofia est un immense bâtiment à cinq nefs avec une puissante abside centrale et de petites absides latérales et une ceinture de galeries. L'aspect architectural du temple se distingue par l'expressivité laconique novgorodienne. Les murs sont constitués principalement de pierres grossièrement taillées et de forme irrégulière, et seules les voûtes et les arcs sont en plinthe. La cathédrale était couronnée d'une structure solennelle à cinq dômes avec un tambour central bien défini. Autour du corps principal du temple se trouvaient des galeries à deux étages avec des chapelles latérales. Une tour d'escalier, également surmontée d'un dôme, a été ajoutée à l'angle sud-ouest. C'était l'apparition originale de Novgorod Sofia. De nombreuses modifications ultérieures et des murs plâtrés n'ont pas pu déformer son image épique, qui était très différente de l'image de la Sophie de Kiev.

Dans l'architecture de Novgorod du début du XIIe siècle. Tout d'abord, des bâtiments monumentaux se distinguent comme l'église Saint-Nicolas sur la cour de Iaroslav (1113) et les églises cathédrales des monastères Antoniev (1117) et Yuryev (1119). Dans la chronique de la construction de la cathédrale Saint-Georges du monastère de Yuriev, le nom de l'architecte est nommé (« Et le maître travailla Pierre »).

Le principal avantage de l'architecture de l'église Saint-Georges est l'extraordinaire intégrité de l'image artistique. Pas moins brillamment qu'à Sofia, mais avec des facettes légèrement différentes, l'idéal esthétique de Novgorod y brille. L'architecte Pierre a exécuté ici l'ordre du dernier (avant la formation de la république féodale) des princes de Novgorod Mstislav et Vsevolod, qui, contraints de céder Detinets à l'évêque, cherchèrent à ériger des structures architecturales qui pourraient rivaliser avec le sanctuaire reconnu de Novgorod. Mais le maître a réussi à s'élever au-dessus de la vanité princière, créant un monument d'importance panrusse. La cathédrale Saint-Georges s'élève comme un colosse austère et majestueux au milieu de la calme plaine russe. Une puissance épique émane de ses façades monolithiques. Des lames plates se terminant par des demi-cercles doux, des fentes étroites de fenêtres et des niches à deux rebords forment un motif simple et expressif, comme pour augmenter la hauteur de la composition architecturale. L'achèvement asymétrique du sommet, inhabituel à l'époque, noté par les contemporains (« et le maître Pierre fit une église à trois sommets »), introduisit non seulement un élément dynamique dans la conception, mais créa également une image artistique aux multiples facettes. Depuis la façade ouest, elle s'ouvre au spectateur dans un calme solennel et élégant. L'intégrité du mur ouest, qui absorbait la structure de la tour, et l'extension presque jusqu'au bord de la façade de deux murs élancés, couronnés de hauts, ont joué un rôle décisif. L'éloignement important du dôme central masquait sa position asymétrique par rapport aux coupoles latérales. Au nord et au sud, l'asymétrie, au contraire, était surtout frappante, frappant précisément le spectateur par la possibilité de « mouvement » de ces masses cyclopéennes apparemment inébranlables.

Les premiers bâtiments monumentaux de la Russie kiévienne ont été réalisés sous la direction d'architectes grecs, qui ont apporté avec eux des compétences professionnelles élevées et des formes architecturales toutes faites. Cependant, dans le nouvel environnement culturel, ils ont érigé des bâtiments présentant des caractéristiques de plus en plus prononcées de l'art national russe. Ces derniers se multiplièrent et se consolidèrent dans les expériences indépendantes des premières générations d'architectes russes. Ainsi, à l’époque de Kiev, les fondations de l’école d’architecture russe ont été posées, qui sont devenues la base des futures écoles des anciennes principautés russes.

3. Peinture de Kievan Rus

Le chemin parcouru par l'architecture était également caractéristique des beaux-arts présentés au XIe siècle. tout d'abord, d'excellents exemples de peinture monumentale. Son type le plus impressionnant et le plus attrayant, le plus exigeant en main-d'œuvre et le plus complexe était la mosaïque. Les artels d'artistes grecs arrivés à Kiev ont organisé ici des ateliers de production de smalt et, avec l'aide de leurs étudiants russes, ont décoré de mosaïques plusieurs églises de Kiev, principalement la cathédrale Sainte-Sophie.

Les mosaïques couvraient la partie du temple la plus importante au sens symbolique et la plus éclairée, et donc la plus efficace pour ce type de peinture, - l'autel, la coupole centrale et l'espace sous la coupole. Le dôme de la Sophie de Kiev représente le Christ Pantocrator jusqu'à la poitrine dans une « gloire » ronde, caractéristique du système de peintures byzantines, entouré de quatre archanges. Dans les espaces entre les fenêtres se trouvent les apôtres, dans les voiles se trouvent les évangélistes. Sur les piliers orientaux de la place centrale en forme de dôme se trouve l'Annonciation, dans la conque (c'est-à-dire sur la surface incurvée intérieure de l'abside de l'autel) se trouve la Mère de Dieu Oranta, en dessous se trouve l'Eucharistie et en dessous se trouvent les figures des saints. sont les sujets principaux des mosaïques de Sofia. Leur complexe de composition est conçu pour révéler au spectateur sous la forme la plus simple et la plus concise les principales dispositions de la doctrine chrétienne - la doctrine de Dieu en tant que créateur et juge du monde, du Christ en tant que sauveur de l'humanité, du chemin du salut des hommes, de l'unité des églises célestes et terrestres.Comme nous le voyons, les fonctions idéologiques les plus importantes ont été assignées à la peinture. Ce n'est pas pour rien que les hiérarques de l'église l'ont comparée à un livre pour ceux qui ne savaient pas lire. La clarté et la signification esthétique des images picturales auraient dû avoir une influence efficace sur les larges masses de la population. L'une des images artistiques les plus significatives des mosaïques de Sofia est la figure monumentale (5,45 m) de Notre-Dame d'Oranta, connue sous le nom de « Le Mur Incassable ». La tunique bleu profond de la Mère de Dieu à côté d'un voile violet, des bottes rouge vif et un fond doré forment une combinaison étonnamment sonore. L'Eucharistie symétrique (« Communion avec le vin » et « Communion avec le pain ») séduit par sa richesse sans précédent de palette colorée. Les visages des saints se distinguent par la netteté de leurs caractéristiques individuelles (par exemple Jean Chrysostome). L'interprétation de la forme par les mosaïstes de Sofia est plate et quelque peu archaïque. Les personnages sont lourds et raccourcis, les gestes sont conventionnels et monotones. Mais cela ne réduit pas l'énorme importance artistique de l'ensemble du cycle, qui est devenu le noyau autour duquel s'est formé un riche ensemble de fresques.

La fresque regorge de personnages et de sujets variés (scènes de la vie du Christ, de la Mère de Dieu, de l'archange Michel). Dans la partie centrale du temple, à côté des scènes évangéliques, sont représentés des portraits de groupe de la famille de Yaroslav le Sage. Il faut surtout souligner la peinture des tours d'escalier nord et sud, dédiées à des sujets profanes rares dans la peinture médiévale. Ici, vous pourrez voir des concours à l'hippodrome, des spectacles de musiciens et de bouffons, des combats de mummers, des scènes de chasse - un coin de la vraie vie au Moyen Âge, révélé par un artiste de talent.

En général, l’ensemble pictural décoratif de Kiev Sofia se distingue par son étonnante intégrité et l’ampleur de sa conception. "Les mosaïques et les fresques de l'église Sainte-Sophie, dans leur austérité et leur majesté, dans leur ampleur monumentale, n'ont pas d'égal dans toute l'histoire de la peinture russe ancienne." Si la fresque dans l'art russe ancien a eu un long chemin à parcourir, la mosaïque n'a connu qu'un apogée de courte durée. Le dernier monument de l'art de la mosaïque était le cycle du monastère Saint-Michel au Dôme d'Or de Kiev (vers 1112), conservé sous la forme de nombreux fragments retirés des murs (« Eucharistie », « Dmitri de Thessalonique », etc.) . Le principe linéaire et graphique s’y renforce, une plus grande liberté et un plus grand pittoresque dans la construction compositionnelle apparaissent, les proportions s’allongent et l’individualité des caractéristiques des personnages s’intensifie. Comme leurs collègues de Sofia, les maîtres Mikhaïlovski venaient apparemment de Byzance et créaient dans le style de l'école de Constantinople avec son élégance caractéristique des proportions et son sens subtil des transitions de couleurs.

A Veliky Novgorod dans la première moitié du XIIe siècle. Apparemment, des visiteurs de Kiev et d'autres endroits, ainsi que des maîtres monumentalistes étrangers, ont travaillé et, en même temps, les bases d'une école d'art locale ont été posées. Apparemment, des artistes de Novgorod, parmi lesquels Stefan, Mikula et Radko, ont participé à la peinture de la cathédrale Sainte-Sophie, entreprise en 1108. La peinture de Stefan et de ses camarades est centrée sur les mosaïques et les fresques de la Sophie de Kiev. Les personnages sont majestueux et absolument immobiles. Les gestes sont conventionnels et figés. Les proportions sont un peu lourdes. L'écriture est rigide, avec une tendance vers une interprétation plate de la forme. Cependant, cela ne prive pas les images d'expressivité et de beauté spirituelle.

Dans la peinture de la cathédrale de la Nativité du monastère d'Antoine (1125), un style complètement différent domine, extérieurement proche de l'art roman et, dans une certaine mesure, de l'art chrétien balkanique et oriental. Les fresques d'Anthony sont peintes d'une manière large et libre, dans laquelle un pittoresque luxuriant se combine avec la netteté des caractéristiques linéaires, qui révèlent parfois le penchant des artistes pour l'ornementation de la forme. La structure de la peinture est multicouche, la coloration est basée sur les contrastes, mais la luminosité des couleurs locales est bien nivelée et unie par les couleurs transparentes de la couche picturale supérieure. Nous pouvons le croire avec confiance au XIe – premier tiers du XIIe siècle. De nombreuses icônes de premier ordre ont été créées.

4. Miniature de Kyiv

L'image globale est complétée par une miniature de livre. Dans le même temps, nous pouvons affirmer que c'est la conscience créatrice russe qui a déterminé l'aspect artistique des miniatures du plus ancien codex de Kiev connu - l'Évangile d'Ostromir, écrit en 1056-1057. Diacre Grégoire du maire de Novgorod Ostromir. Cela se ressent particulièrement clairement dans les images des évangélistes Marc et Luc, interprétées de manière décorative et plate avec un dessin graphique de vêtements, un motif doré qui délimite les couleurs locales. De cette manière, les miniatures ressemblent à des objets précieux fabriqués à partir d'émaux cloisonnés, l'art préféré des « orfèvres » de Kiev de l'époque. Les miniatures d'un autre luxueux manuscrit de Kiev du XIe siècle sont tout aussi originales dans leur esprit. - Izbornik Sviatoslav (1073).

Œuvres exceptionnelles de l'art du livre de Novgorod du début du XIIe siècle. sont les évangiles de Mstislavovo et Yuryevsky. Le premier d'entre eux, écrit sur ordre du fils de Monomakh, Mstislav, avant 1117 et finalement achevé en 1125, a pour modèle l'Évangile d'Ostromir. La comparaison des miniatures montre leur grande similitude iconographique et en même temps la différence de manières stylistiques. L'artiste de l'Évangile de Mstislav gravite vers les grandes formes et l'écriture picturale des icônes et des fresques de Novgorod, que nous connaissons plus tard. Parallèlement à cela, il montre un grand penchant pour la luminosité et la panachure, recouvrant toutes les surfaces disponibles d'ornements divers - scènes architecturales, meubles et même auréoles. L'Évangile de Yuryev (1119-1128), écrit pour l'abbé du monastère de Yuryev Kiriak, a une apparence artistique complètement différente. Il démontre la haute culture graphique du maître, qui sait créer une composition ornementale complète et complète à partir d'un dessin de cinabre unicolore.

5. Sculpture et arts appliqués

Dans la décoration des palais et des temples de Kiev, une place importante appartenait autrefois à la sculpture, ou plus précisément à la sculpture sur pierre en bas-relief. Malheureusement, de l'ancienne richesse de la sculpture sur pierre de Kiev, seules quelques dalles d'ardoise avec des motifs floraux et des compositions d'intrigue complexes, ainsi que le sarcophage en marbre de Iaroslav le Sage, ont survécu jusqu'à nos jours. Les bas-reliefs sur dalles d'ardoise rouge sont les plus intéressants, dont deux se rapportent à la décoration de l'église de l'Assomption du monastère de Kiev-Petchersk ou à un bâtiment du palais, et les deux autres proviennent apparemment de la cathédrale du monastère Démétrius, construite par le prince Izyaslav Yaroslavich en 1062. Le premier représente des scènes bibliques ou des scènes de la mythologie antique (notamment Samson ou Hercule combattant un lion), le second représente de saints guerriers à cheval, dont les patrons d'Izyaslav et de son père Dmitri de Thessalonique et George . Ces œuvres ont probablement été créées par des artisans locaux de Kiev, comme en témoignent leur technique unique (relief élevé mais plat, rappelant la sculpture sur bois) et l'interprétation particulière de l'image artistique.

Peu importe à quel point nous savons peu de choses sur la sculpture ancienne de Kiev, il convient de noter qu'elle a joué un rôle dans la formation des traditions nationales de sculpture sur pierre, qui ont connu un brillant développement dans l'art des terres de Vladimir-Souzdal et de Galice.

L'épanouissement de la jeune culture et de l'art russes à l'époque de l'État de Kiev a été étonnamment orageux et en même temps organique. À la grandeur des églises de Kiev, de Tchernigov et de Novgorod, à la splendeur royale des mosaïques et à la splendeur solennelle des icônes correspondaient les réalisations tout aussi significatives des bijoutiers, des fondeurs, des maîtres des beaux-arts plastiques et de la librairie. La vie de la noblesse féodale était agrémentée d'œuvres d'art remarquables : des livres écrits en calligraphie et enluminés de coiffes et d'initiales dans un style géométrique végétal, parfois dans des cadres précieux luxueux, des images en pierre sculptée, une variété de produits d'orfèvrerie (pendentifs, diadèmes, bracelets, ceintures marquetées, armes de cérémonie). Les palais et temples princiers étaient remplis de plats d'or et d'argent, recouverts de gravures, de ciselure ou de nielle, et d'ouvrages de fonte ajourée. L'art de l'émail cloisonné a atteint de grands sommets dans la Russie kiévienne, dont la technique la plus complexe a été perdue lorsque les villes du sud de la Russie sont tombées sous les assauts des Mongols.

6. Développement de l'art en Russie aux X-XIII siècles.

L'ère des Xe-XIIIe siècles est une ère colossale de transition entre le début d'une nouvelle foi et le début de la conquête tatare-mongole, qui avait un potentiel étonnant, jetant les bases et stimulant le développement global d'un art original et incomparable dans Rus'. C'est l'époque de l'émergence et de l'épanouissement de la peinture, de la peinture d'icônes épiques et la transition vers la construction en pierre dans l'architecture appartient à cette période. Les racines de ce phénomène se trouvent dans l'art byzantin qui, à la fin du Xe siècle, a apporté à la Russie pure, prête à se transformer, toute une série de traditions et d'expériences pratiques.

Dans l'art byzantin, considéré comme le plus parfait du monde au premier millénaire après JC, la peinture, la musique et l'art de la sculpture étaient créés principalement selon les canons de l'église, où tout ce qui contredisait les principes chrétiens les plus élevés était supprimé. L'ascèse et la sévérité de la peinture (peinture d'icônes, mosaïque, fresque), la sublimité, la « divinité » des prières et des chants de l'église grecque, le temple lui-même, devenant un lieu de communication priante entre les gens - tout cela était caractéristique de l'art byzantin. Si tel ou tel thème religieux et théologique était strictement établi une fois pour toutes dans le christianisme, alors son expression dans l'art, selon les Byzantins, n'aurait dû exprimer cette idée qu'une fois pour toutes d'une manière établie ; l'artiste n'est devenu qu'un exécuteur obéissant des canons dictés par l'église.

Ainsi, l'art de Byzance, canonique dans son contenu et brillant dans son exécution, transféré sur le sol russe, s'est heurté à la vision païenne du monde des Slaves orientaux, avec leur culte joyeux de la nature - le soleil, le printemps, la lumière, avec leurs idées complètement terrestres. sur le bien et le mal, les péchés et les vertus. Dès les premières années, l'art religieux byzantin en Russie a connu toute la puissance de la culture populaire russe et des idées esthétiques populaires (un temple byzantin à dôme unique en Russie au XIe siècle a été transformé en une pyramide à plusieurs dômes, base de qui était l'architecture russe en bois). La même chose s’est produite avec la peinture. Déjà au 11ème siècle. La manière strictement ascétique de la peinture d'icônes byzantine a été transformée sous le pinceau des artistes russes en portraits proches de la réalité, bien que les icônes russes portaient tous les traits d'un visage de peinture d'icônes conventionnel.

Parallèlement à la peinture d'icônes, la peinture à fresque et les mosaïques se sont développées. Plus tard, l'école de peinture de Novgorod prend forme. Ses traits caractéristiques étaient la clarté de l'idée, la réalité de l'image, l'accessibilité, ainsi que l'abondance de chefs-d'œuvre écrits sur le territoire de Novgorod. Qu'il suffise de rappeler, par exemple, les célèbres fresques de l'église du Sauveur de Nereditsa près de Novgorod (fin du XIIe siècle).

La large diffusion de la peinture d'icônes et de la fresque était également caractéristique de Tchernigov, Rostov, Souzdal et plus tard de Vladimir-sur-Kliazma, où de magnifiques fresques représentant le « Jugement dernier » ornaient la cathédrale Saint-Démétrius.

Peinture

De nos jours, il est assez difficile, après avoir parcouru beaucoup de littérature, de trouver des informations préservées sur la peinture russe ancienne originale. Certaines chroniques rapportent que la peinture existait encore avant le baptême, mais elle se présentait sous la forme de tableaux en relief grossièrement sculptés sur les murs des bâtiments (cabanes), qui étaient ensuite peints avec des peintures improvisées (ocre, blanc, etc.).

La peinture russe ancienne est l'un des plus hauts sommets de la culture mondiale, le plus grand héritage spirituel de notre peuple. La peinture russe ancienne - la peinture de Christian Rus' - a joué dans la vie de la société un rôle très important et complètement différent de celui de la peinture moderne, et son caractère était déterminé par ce rôle. La hauteur atteinte est également indissociable de la finalité même de la peinture russe ancienne. La Rus' a été baptisée par Byzance et a hérité avec elle de l'idée que la tâche de la peinture est « d'incarner la parole », d'incarner les enseignements chrétiens en images.

Tout d'abord, il s'agit de l'Écriture Sainte, de la Bible (« Bible » en grec - livres) - des livres créés, selon la doctrine chrétienne, par l'inspiration du Saint-Esprit. Les Saintes Écritures comprennent le Nouveau Testament, qui comprend l'Évangile et plusieurs autres ouvrages écrits par les apôtres - disciples du Christ, et l'Ancien Testament, qui contient des livres créés par des prophètes inspirés à l'époque préchrétienne.

Il fallait incarner le plus clairement possible la parole, cette littérature grandiose - après tout, cette incarnation était censée rapprocher une personne de la vérité de cette parole, de la profondeur du credo qu'elle professait. L'art du monde byzantin et orthodoxe - tous les pays inclus dans la sphère d'influence culturelle et religieuse de Byzance - a résolu ce problème en développant un ensemble de techniques profondément uniques, créant un système artistique sans précédent et jamais répété, qui a permis d'incarner la parole chrétienne d'une manière inhabituellement complète et claire.image pittoresque.

« Image » en grec signifie icône. Et déjà depuis l'Antiquité, le mot « icône » a commencé à être utilisé et est toujours utilisé comme nom direct pour des images individuelles indépendantes, généralement écrites sur un tableau, qui se sont répandues dans la peinture du monde byzantin. Mais au sens large, une icône, c'est-à-dire une image qui incarne la parole, est tout ce qui est créé par ce tableau : des images indissociables des bâtiments du temple eux-mêmes, des mosaïques disposées sur leurs murs à partir de cubes de verre précieux, des fresques peintes sur le du plâtre recouvrant ces murs et des miniatures décorant les pages de livres manuscrits. Dans le but de souligner le but et la nature de la peinture dans le monde orthodoxe byzantin, le terme « peinture d’icônes » est souvent appliqué à celle-ci dans son intégralité, et pas seulement aux icônes elles-mêmes.

Pendant de nombreux siècles, la peinture du monde byzantin et orthodoxe, y compris la peinture russe ancienne, a apporté aux gens, en les incarnant de manière inhabituellement brillante et pleinement dans des images, les vérités spirituelles du christianisme. Et c'est dans la profonde révélation de ces vérités que la peinture du monde byzantin, y compris la peinture de la Russie antique, les fresques, les mosaïques, les miniatures, les icônes qu'elle a créées, ont acquis une beauté extraordinaire, sans précédent, unique.

Parmi les beaux-arts de la Russie kiévienne, la première place appartient à la « peinture » monumentale. Les maîtres russes, bien sûr, ont adopté le système de peinture des églises des Byzantins, et l'art populaire a influencé la peinture russe ancienne. Les peintures de l'église étaient censées transmettre les principes fondamentaux de la doctrine chrétienne et servir d'« évangile » pour les analphabètes. Les mosaïques et les fresques de Sainte-Sophie de Kiev permettent d'imaginer le système pictural d'un temple médiéval. Les mosaïques recouvraient la partie la plus importante au sens symbolique et la plus éclairée du temple - le « dôme » central, l'espace sous le dôme, « l'autel » (le Christ Pantocrator dans le dôme central et Notre-Dame Oranta15 dans l'abside de l'autel). . Le reste du temple est décoré de fresques (scènes de la vie du Christ, de la Mère de Dieu, images de prédicateurs, de martyrs, etc.). Les fresques profanes de Sophie de Kiev sont uniques : deux portraits de groupe de Iaroslav le Sage avec sa famille et des épisodes de la vie de cour (compétitions à l'hippodrome, figures de bouffons, de musiciens, scènes de chasse, etc.).

Afin de suivre strictement le canon interdisant de peindre d'après nature, les peintres d'icônes utilisaient comme échantillons soit des icônes anciennes, soit des originaux iconographiques, explicatifs, qui contenaient une description verbale de chaque sujet iconographique (« Le Prophète Daniel le Jeune est aux cheveux bouclés, St. George, avec un chapeau, des vêtements aux nuances azurées, un haut cinabre", etc.), ou un soin du visage, c'est-à-dire illustratif (les trots sont une représentation graphique de l'intrigue).

Puisque nous discuterons ci-dessous de la peinture d'icônes en Russie au cours de cette période, il convient de noter que le phénomène des miniatures de livres est devenu un phénomène particulier de la peinture russe ancienne. Le plus ancien manuscrit russe « L'Évangile d'Ostromir » (1056-57) est décoré d'images d'évangélistes, dont les figures planes superposées lumineuses sont semblables à celles de ; Apôtres de Sophie de Kyiv. Les écrans de veille sont remplis de motifs floraux fantastiques. Les miniatures de « Izbornik Sviatoslav » (1073) contiennent des portraits de la famille grand-ducale. Les arts appliqués et décoratifs ont joué un rôle important dans la vie de la Russie kiévienne, dans laquelle les images de la mythologie païenne se sont révélées particulièrement tenaces. La sculpture ronde de Kiev au début ne s'est pas développée en raison du fait que l'église luttait contre l'idolâtrie païenne, mais elle a joué un rôle dans la formation des traditions nationales de sculpture sur pierre.

Après avoir absorbé et traité de manière créative diverses influences artistiques, Kievan Rus a créé un système de valeurs panrusse qui a prédéterminé le développement de l'art au cours des siècles suivants.

Iconographie des X-XIII siècles.

La peinture d'icônes a joué un rôle important dans la Russie antique, où elle est devenue l'une des principales formes d'art. Les premières icônes russes anciennes avaient les traditions, comme déjà mentionné, de la peinture d'icônes byzantine, mais très vite en Russie, leurs propres centres et écoles de peinture d'icônes sont apparus : Moscou, Pskov, Novgorod, Tver, les principautés de la Russie centrale, les « lettres du nord ». ", etc. Leurs propres saints russes sont également apparus, ainsi que leurs propres fêtes russes (Protection de la Vierge Marie, etc.), qui se reflètent clairement dans la peinture d'icônes.

Le langage artistique de l'icône a longtemps été compréhensible pour toute personne en Russie ; l'icône était un livre pour les analphabètes. Le mot « icône » lui-même traduit du grec signifiait image, image. Le plus souvent, ils se tournaient vers les images du Christ, de la Mère de Dieu et des saints, et représentaient également des événements considérés comme sacrés.

Et pourtant, même dans cet état, l'ensemble pittoresque de Sophie de Kiev surprend par la grandeur et l'unité de sa conception, incarnant le monde des idées de l'homme médiéval. L'apparition des saints dans les mosaïques de Sophie de Kiev est proche du canon développé dans la peinture byzantine : un visage ovale allongé, un nez long et droit, une petite bouche avec une lèvre supérieure fine et une lèvre inférieure charnue, des yeux énormes et grands ouverts, une expression sévère, souvent sévère. Cependant, certains saints, et notamment ceux de l'abside, donnent l'impression de portraits. En général, malgré la conservation incomplète, le rang du saint avec des échos de portraits hellénistiques dans les visages, avec une nette constructivité des formes et un raffinement des couleurs est l'une des parties les plus fortes de l'ensemble décoratif.

De nombreuses œuvres de peinture sur chevalet ont été créées au XIe siècle. Le Patericon de Kiev-Petchersk a même conservé le nom du célèbre peintre d'icônes russe du XIe au début du XIIe siècle. Le moine de Pechersk Alimpiy, qui a étudié auprès de maîtres grecs. Les contemporains disaient du moine-peintre qu'il « était très rusé pour peindre des icônes » ; la peinture d'icônes était le principal moyen de son existence. Mais il a dépensé ce qu'il a gagné d'une manière tout à fait unique : avec une partie, il a acheté tout ce qui était nécessaire à son métier, il a donné l'autre aux pauvres et la troisième a été donnée au monastère Petchersky. La plupart des œuvres de cette période ne nous sont pas parvenues.

Icônes des maîtres de Vladimir-Souzdal du XIIe siècle. sont devenus connus ces dernières années après avoir été nettoyés par les Ateliers centraux de restauration de l'État. Certaines icônes sont encore très proches dans leur style des monuments de Kiev du XIe siècle. Ces icônes comprennent une icône étendue horizontalement avec une image en forme d'épaule de la « Déèse » de la cathédrale de l'Assomption de Moscou (le Christ, la Mère de Dieu et Jean-Baptiste). Le célèbre Yaroslavl Oranta, arrivé à Yaroslavl depuis Rostov, est également lié aux traditions artistiques de Kiev. La figure monumentale et majestueuse de l’orante est proche en proportion des figures des mosaïques de Kiev. L'icône monumentale et solennelle de Dmitri de Thessalonique (XIIe siècle), apportée de la ville de Dmitrov, avec sa justesse idéale, sa symétrie et son modelé « sculptural » d'un visage très clair, ressemble à l'oranta de Iaroslavl. Apparemment, l'icône de Georges de la fin du XIIe siècle au début du XIVe siècle appartient également à l'école Vladimir-Suzdal. L'artiste a également créé ici l'image d'un guerrier, mais plus jeune, avec un visage beau et expressif. Pour une description plus complète de la peinture pré-mongole de Vladimir-Souzdal, il faut s'attarder sur une icône de la fin du XIIe siècle, très différente de toutes les précédentes. Il s'agit d'une icône de Notre-Dame de Belozersk, qui est une sorte de reprise du type de Notre-Dame de Vladimir. L'icône, créée à la périphérie nord du pays de Vladimir-Suzdal par un artiste populaire, se distingue par sa monumentalité et son interprétation profondément émotionnelle de l'image d'une mère triste. Le regard des yeux immenses fixés sur le spectateur et de la bouche douloureusement tordue est particulièrement expressif. À l'image du Christ - un jeune, avec un visage laid, un front large, un cou fin et de longues jambes nues jusqu'aux genoux, il y a des caractéristiques d'observation de la vie, des détails nettement capturés. L'image entière dans son ensemble se distingue par la planéité et l'angularité du motif. L'icône est réalisée sur un fond argenté dans une palette sobre et sombre. Sur ses champs bleus se trouvent des médaillons avec des images à hauteur de poitrine de saints avec des visages de type russe, écrits de manière picturale plus large sur des fonds roses et bleus.

Dans le cadre de la fragmentation de la principauté de Vladimir-Souzdal en plusieurs petites principautés, des écoles locales ont commencé à émerger dans les principales villes de ces principautés, poursuivant en partie les traditions de la peinture de Vladimir-Souzdal (Yaroslavl, Kostroma, Moscou, Rostov, Souzdal , etc.).

Parlant du processus de création d'une icône, il convient de noter la grande complexité et la subtilité du travail. Pour commencer, une planche (le plus souvent en tilleul) a été savamment sélectionnée, sur la surface de laquelle de la colle de poisson chaude (préparée à partir de bulles et de cartilage d'esturgeon) a été appliquée, et un nouvel oreiller en toile a été étroitement collé. Du gesso (la base de la peinture), préparé à partir de craie broyée, d'eau et de colle de poisson, a été appliqué sur le rideau en plusieurs étapes. Le gesso a été séché et poli. Les anciens peintres d'icônes russes utilisaient des colorants naturels - des argiles molles locales et des pierres précieuses dures apportées de l'Oural, de l'Inde, de Byzance et d'autres endroits. Pour préparer les peintures, des pierres étaient broyées en poudre, un liant était ajouté, le plus souvent du jaune, ainsi que de la gomme (résine hydrosoluble d'acacia, prune, cerise, mirabelle). Les peintres d'icônes préparaient de l'huile siccative à base d'huile de lin ou de pavot, qu'ils utilisaient pour recouvrir la peinture des icônes.

Malheureusement, les icônes anciennes nous sont parvenues très modifiées. La belle peinture originale était cachée par un film d'huile siccative, assombrie par le temps, qui était utilisée pour recouvrir l'icône finie au Moyen Âge, ainsi que par plusieurs couches de rénovations ultérieures de l'icône.

Parmi les premières icônes de Novgorod qui nous sont parvenues figurent des chefs-d'œuvre d'importance mondiale. Tel est par exemple « L’Ange aux cheveux d’or », probablement écrit à la fin du XIIe siècle. Selon toute vraisemblance, il s’agit d’un fragment de l’ordre Deesis. La profonde spiritualité du visage triste aux yeux immenses rend l’image de l’icône d’une beauté enchanteresse. Quelle haute et pure beauté dans cette image inoubliable ! L'empreinte de Byzance est encore claire et quelque chose de véritablement hellénique brille dans le beau visage ovale au rougissement délicat sous les cheveux ondulés, garnis de fils d'or. Mais la tristesse dans les yeux, si radieuse et profonde, toute cette douce fraîcheur, toute cette beauté enthousiasmante, n’est-elle pas déjà le reflet de l’âme russe, prête à réaliser son destin particulier avec ses épreuves tragiques.

Les caractéristiques de la tradition artistique de Kiev sont encore préservées dans un certain nombre d'icônes du XIIe et du début du XIIIe siècle, provenant principalement de Novgorod. Il s'agit du « Sauveur non fabriqué à la main » (le visage du Christ représenté sur le tableau) de la cathédrale de l'Assomption du Kremlin de Moscou (XIIe siècle). Cette icône avait une vénération particulière à Novgorod et était une image glorifiée. Ceci est démontré par l'un des manuscrits de Novgorod du XIIIe siècle (prologue Zakharyevsky). Le visage sévère du Christ aux yeux immenses est peint dans des tons jaune olive. Sa retenue est égayée par le rougeur de ses joues, ainsi que par son front et le contour de son nez, ses sourcils différemment arqués donnent le visage du Christ.

Une expressivité particulière, tout comme l'asymétrie et la courbure des lignes confèrent aux églises de Novgorod une expressivité plastique particulière.

L'image principale et centrale de tout l'art russe ancien est l'image de Jésus-Christ, le Sauveur, comme on l'appelait en Russie. Sauveur (Sauveur) - ce mot exprime avec une précision absolue l'idée de la religion chrétienne à son sujet. Il enseigne que Jésus-Christ est Homme et en même temps Dieu, et Fils de Dieu, qui a apporté le salut au genre humain.

Traditionnellement situé sur toute image de lui des deux côtés de la tête IC XC - un mot désignant sa personnalité, une abréviation de son nom - Jésus-Christ ("Christ" en grec - l'oint, le messager de Dieu). Traditionnellement également, les têtes du Sauveur sont entourées d'un halo - un cercle, le plus souvent doré - image symbolique de la lumière qui en émane, la lumière éternelle, c'est pourquoi elle prend une forme ronde et sans commencement. Cette auréole, en souvenir du sacrifice qu'il a consenti sur la croix pour les hommes, est toujours bordée d'une croix.

Un type de représentation du Sauveur très important et répandu dans l’art russe ancien était celui appelé « Sauveur Tout-Puissant ». Le concept de « Tout-Puissant » exprime l'idée fondamentale de la doctrine chrétienne sur Jésus-Christ. « Sauveur Tout-Puissant » est une image à mi-corps de Jésus-Christ dans sa main gauche avec l'Évangile - signe de l'enseignement qu'il a apporté au monde - et avec sa main droite, sa main droite levée dans un geste de bénédiction adressé à ce monde. Mais ce ne sont pas seulement ces attributs sémantiques importants qui unissent les images du Sauveur Tout-Puissant. Les artistes qui les ont créés ont cherché avec une complétude particulière à doter l'image de Jésus-Christ de la puissance et de la grandeur divines.

Une image en mosaïque du Sauveur Pantocrator nous est parvenue dans le dôme de l'une des plus anciennes églises - la cathédrale Sainte-Sophie de Kiev (1043-1046).

Avec les mêmes attributs du Seigneur du monde en tant que Sauveur Tout-Puissant, avec l'Évangile dans sa main gauche et sa main droite levée en bénédiction, Jésus-Christ a également été représenté dans les compositions populaires « Le Sauveur sur le trône ». Son pouvoir royal était indiqué ici par le fait même d'être assis sur le trône (trône). Dans ces images, il était particulièrement clair que le Seigneur du monde est aussi son juge, puisque « étant assis sur le trône », le Sauveur exécutera son jugement final sur les hommes et le monde.

Peinture à fresque et mosaïque

Parallèlement à la peinture d'icônes, la peinture à fresque et les mosaïques se sont développées. Traduit de l'italien, le mot « fresco » signifie « frais », « cru ». Il s'agit de peindre sur un mur enduit humide avec des peintures diluées avec de l'eau. En séchant, la chaux adhère étroitement à la couche de peinture. Vous pouvez également écrire sur un enduit à la chaux séchée. Ensuite, il est à nouveau humidifié et les peintures sont préalablement mélangées à de la chaux.

Les artistes peignaient les murs des cathédrales, des temples et des églises. La peinture du temple a commencé seulement un an après sa construction. Cela a été fait pour garantir que les murs sèchent bien. La peinture commençait généralement au printemps et ils essayaient de la terminer en une seule saison.

Les peintures des anciennes cathédrales et églises russes se distinguent par leur originalité unique. Dans la célèbre cathédrale Sainte-Sophie de Kiev, les images des saints et les scènes de leur vie sont monumentales et majestueuses. Les fresques de la cathédrale Sainte-Sophie montrent le style d'écriture des maîtres grecs et russes locaux, leur attachement à la chaleur humaine, à l'intégrité et à la simplicité. Sur les murs de la cathédrale, vous pouvez voir des images de saints, de la famille de Yaroslav le Sage, ainsi que des images de bouffons et d'animaux russes.

Un style tout aussi unique, manifesté par la beauté dure et la retenue des fresques de Novgorod, se développe à Novgorod.

Les fresques de la cathédrale Sainte-Sophie de Kiev montrent le style d'écriture des maîtres grecs et russes locaux, leur attachement à la chaleur humaine, à l'intégrité et à la simplicité. Sur les murs de la cathédrale, nous voyons des images de saints, de la famille de Iaroslav le Sage, ainsi que des images de bouffons et d'animaux russes. De magnifiques peintures d'icônes, fresques et mosaïques remplissaient d'autres églises de Kiev. Les mosaïques du monastère au dôme doré de Saint-Michel, avec leurs représentations d'apôtres et de saints qui ont perdu leur sévérité byzantine, sont connues pour leur grande puissance artistique : leurs visages sont devenus plus doux et plus arrondis.

Les mosaïques de la cathédrale du monastère au dôme doré de Saint-Michel à Kiev datent de 1112 (actuellement conservées dans les chambres supérieures de la cathédrale Sainte-Sophie). Le système général de décoration de l'intérieur de la cathédrale était évidemment proche de celui de Sofia, mais la nature des images était quelque peu différente. Ainsi, dans la scène de « l'Eucharistie », les personnages n'ont pas la lourdeur caractéristique des mosaïques de Sofia. Les apôtres sont plus grands, plus minces, leurs mouvements sont plus libres, leurs poses sont détendues, leurs visages sont plus allongés, leurs yeux ne sont pas si grands, leur regard est plus calme, il est dépourvu de cette tension presque magique qui rayonne de l'immense, large -les yeux ouverts des mosaïques de Sofia.

Saint Démétrius de Thessalonique sur la mosaïque du monastère au dôme doré de Saint-Michel est représenté en pied sous la forme d'un jeune guerrier avec une épée (l'image se trouvait à l'intérieur de l'arc de l'autel). La splendeur des vêtements, combinée à une pose impérieuse, donne à Dmitry une ressemblance avec un prince guerrier de Kiev fier et énergique. Il fut tué sous l'empereur Dioclétien pour son adhésion au christianisme et était vénéré comme le patron de l'armée et le patron des Slaves. Dmitry est assis sur un trône avec une épée à moitié dégainée. Sur ce trône se trouve le signe de Vsevolod le Grand Nid. De toute son apparence, Dmitri de Thessalonique incarne pour ainsi dire le prince-chevalier, appelé à créer une justice juste et à protéger son peuple. Il a une palette de couleurs très sophistiquée, composée de combinaisons de couleurs rose tendre et vertes de vêtements avec une armure dorée abondante.

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L'épanouissement de l'art de la joaillerie dans la Russie antique à l'époque de Iaroslav le Sage et de Vladimir Monomakh. Les monuments les plus célèbres de l'art de la joaillerie russe antique. La célèbre "hryvnia de Tchernigov", le kolta du trésor de Mikhaïlovski, le casque de Yaroslav Vsevolodovich.

présentation, ajouté le 02/04/2014


La richesse des formes d'art des pays d'Asie du Sud-Est, l'influence du bouddhisme, de l'hindouisme et de l'islam sur leur développement. Formes artistiques originales de l'Inde, de la Chine et du Japon, origines de la culture et de l'art, styles architecturaux et genres de peinture.

résumé, ajouté le 01/07/2009


Restauration de Babylone. Les principales caractéristiques de l'art, de l'architecture, de la religion, de la science et de la littérature du peuple assyrien. Construction d'institutions gouvernementales, tsigurat, bâtiments massifs en forme de terrasse, palais d'Assurnasirpal (Nimrud) dans le royaume assyrien.

présentation, ajouté le 04/03/2015


Totémisme, mythologie comme l'une des formes de religion primitive. Sépultures néolithiques au nord du Kazakhstan. Paléolithique : émergence de la peinture, de la sculpture, de la gravure, de l'ornement. Artisanat, expressivité, coloration émotionnelle de l'art paléolithique.

test, ajouté le 26/04/2009


La formation militaire de la Russie kiévienne, la contribution des Normands au développement des affaires militaires. Organisation de l'armée russe, de ses armes, de sa formation et de son éducation militaires. Stratégie et tactiques de guerre et de combat. Monuments écrits sur l'art de la guerre.

travail de cours, ajouté le 04/06/2011


Etude du paganisme des anciens Slaves. Évaluation des caractéristiques de la christianisation des peuples slaves d'Europe. Etude des conditions préalables au baptême et à la christianisation de la Russie kiévienne. Analyse de la réaction du paganisme à la christianisation de la Russie : résistance active et passive.

Église des Douleurs Andreevka (Shmitovo). Photo de Sergueï Sinenko

ART RUSSE ANCIEN, l'art de la Rus antique, ainsi que l'art conforme aux anciennes traditions russes. Ayant absorbé les traditions de la culture slave orientale et l'expérience avancée de l'art de Byzance et des pays balkaniques, l'art russe ancien a créé des monuments exceptionnels de l'architecture religieuse et laïque, de magnifiques mosaïques, fresques, icônes, miniatures, reliefs, objets décoratifs et de nombreuses églises. chants de divers genres.

Église Sainte-Ascension construite en 1906 dans le village. Voznessenka

Dans la région, il est représenté principalement par des monuments d'architecture religieuse, ainsi que par des échantillons de peinture d'icônes conservés dans les églises et les iconostases des maisons, ainsi que dans le musée du nom. M.V. Nesterov et dans des collections privées. L'art russe ancien comprend également des traditions de musique religieuse, préservées dans la pratique du culte orthodoxe.

Église Saint-Nicolas dans le village. Kagi construit dans les années 1890. Le temple situé sur une haute colline au-dessus du village est visible de partout ; grâce à son emplacement favorable et à sa taille impressionnante, il domine l'espace environnant. Il est important de recréer l'aspect original du temple, de restaurer le clocher

Pour plus d'informations, consultez l'article : Art russe ancien – « Art. Une encyclopédie illustrée moderne." Éd. prof. Gorkina A.P. ; M. : Rosman ; 2007.)

L'art russe ancien est une période médiévale de l'histoire de l'art russe, qui s'étend de la formation de l'État de la Russie kiévienne aux réformes de Pierre le Grand (IXe-XVIIe siècles). Il est né de la fusion des traditions de l'art païen slave oriental et de la culture chrétienne byzantine, dont l'héritage s'est activement développé après le baptême de la Russie (988).

L'histoire de l'art russe ancien est généralement divisée en deux étapes : l'art de la Russie kiévienne (IXe-milieu du XIIIe siècle) et l'art de la formation de l'État de Moscou (XIVe-XVIIe siècles). Dans la culture artistique de la Russie kiévienne, on distingue à son tour des périodes : préchrétienne, associée à la formation du pouvoir Rurik (IXe - fin Xe siècle) ; entrée dans la sphère de la culture chrétienne byzantine - du baptême de la Russie (988) à la fin du règne du prince Vladimir Monomakh (1125) ; le développement de l'art dans les principautés de la période de fragmentation féodale, interrompue par l'invasion de Batu en 1237 (XIIe - début XIIIe siècles).

De la période préchrétienne, ce sont principalement des œuvres d'art décoratif et appliqué qui ont été conservées, témoignant du haut niveau de développement de l'artisanat artistique (cornes de tury avec incrustations d'argent de style animalier de la Tombe noire de Tchernigov, Xe siècle). Étant païens, les anciens Slaves adoraient les éléments naturels. Images mythologiques - les incarnations des éléments (images du soleil, du cheval, de l'oiseau, de la fleur, etc.) sont conservées à ce jour dans l'art populaire. Les Slaves construisaient des temples (sanctuaires), où ils érigeaient des idoles (sculptures en pierre ou en bois) des dieux vénérés : Perun, Khorsa, Stribog, Simargl, Mokosha, etc. Les temples pouvaient avoir une forme ovale (Kiev, vers 980) ou multi -pétale, associé au symbolisme du soleil (Peryn, près de Novgorod).

Le baptême de la Rus' renforça les liens de la Rus' avec les pays du monde chrétien, et surtout avec Byzance ; enrichi l'art russe avec de nouvelles images et techniques techniques. L'arrivée de nombreux maîtres byzantins en Russie a contribué au développement rapide de l'architecture (en particulier de l'architecture des temples), de la peinture d'icônes et des livres miniatures. Des églises chrétiennes en bois ont été construites dès 989 ; La première grande église en pierre de Kiev fut l'église de la dîme de la cour (990-996), érigée par des architectes byzantins (non conservée). Un monument architectural exceptionnel de cette période est la cathédrale Sainte-Sophie (la Sagesse de Dieu) à Kiev (fondée en 1037 par le prince Yaroslav le Sage) - une immense église à cinq nefs à coupole croisée avec deux tours d'escalier, entourée de trois côtés par des galeries à deux étages et couronné de 13 dômes. La consécration de la cathédrale Sainte-Sophie a souligné la continuité avec le centre du monde orthodoxe - l'église Sainte-Sophie de Constantinople. Comme dans les bâtiments byzantins, le socle était utilisé comme matériau de construction - des briques cuites larges et plates de forme presque carrée. Le temple de Kiev était décoré de mosaïques et de fresques (années 1040) réalisées par des maîtres byzantins et leurs étudiants russes. L'image solennelle et majestueuse en mosaïque de Notre-Dame Oranta (en prière) dans l'abside centrale a reçu le nom de « Mur incassable » en Russie. Au début. 12e siècle La stricte solennité de la décoration pittoresque de Sophie de Kiev est remplacée par des images plus raffinées et contemplatives (mosaïques et fresques du monastère Saint-Michel au Dôme d'or de Kiev, vers 1113). Sous le règne de Vladimir Monomakh, l'icône de la Mère de Dieu de Vladimir a été amenée en Russie - un monument exceptionnel de la peinture d'icônes byzantine, qui est devenue un modèle pour les maîtres russes. Durant la période de familiarisation avec la culture chrétienne, les villes se sont développées. Temples du tournant des XIe-XIIe siècles. à Kiev, Tchernigov, Pereyaslavl et dans d'autres villes, ils deviennent plus petits, leurs formes architecturales sont plus douces et l'espace intérieur est plus cohérent et visible. Le plus grand centre de vie artistique était Novgorod, au XIIe siècle. Un gouvernement démocratique prit forme (le pouvoir réel n'appartenait pas au prince, mais au maire, aux boyards et aux marchands, ainsi qu'au conseil populaire). La culture artistique de Novgorod, reflétant les goûts de larges couches de citoyens, se distinguait par une plus grande simplicité et un laconisme strict des formes architecturales (cathédrale Sainte-Sophie, 1045-1050 ; cathédrale Saint-Nicolas de la cour de Iaroslav, 1113 ; cathédrale Saint-Georges de le monastère Saint-Georges, 1119), des images pleines de sang, des échelles de contraste de couleurs dans la peinture monumentale et la peinture d'icônes. L'alphabétisation s'est répandue partout, l'art de décorer les livres manuscrits (l'Évangile d'Ostromir, créé pour le maire de Novgorod Ostromir, 1056-1057) et l'artisanat artistique ont prospéré.

Au début. 12e siècle Dans le cadre de la tradition unifiée de Kiev, les conditions préalables au développement des écoles d’art locales ont été créées. Le rôle du centre culturel est passé de Kiev affaiblie à la Russie de Vladimir-Souzdal. Les architectes de Vladimir ont érigé des églises en pierre blanche. Sous le prince Andrei Bogolyubsky, la cathédrale de l'Assomption à Vladimir (1189), l'église de l'Intercession de la Vierge sur la Nerl (1165) et de magnifiques demeures princières en pierre à Bogolyubovo (1158-1165) ont été construites. Les intérieurs étaient décorés de fresques et d'icônes dans des cadres dorés, de couture (tissus brodés) et d'ustensiles précieux. Un trait distinctif de l'architecture de Vladimir-Souzdal était le décor sculptural sculpté. Les murs de la cathédrale Dmitrievsky de Vladimir (1194-97) et de la cathédrale Saint-Georges de Yuryev-Polsky (1230-34) étaient entièrement recouverts de reliefs sculptés, créant l'impression d'un tissu à motifs jeté sur les masses de pierre des bâtiments. A Novgorod en seconde période. 12e siècle le type de petite église cubique à dôme unique avec des absides latérales abaissées et un escalier dans l'épaisseur du mur pour entrer dans le chœur apparaît (Église du Sauveur à Nereditsa, 1198). Peinture de Novgorod du XIIe siècle. se distingue par une émotivité accrue et parfois un drame (fresques de l'église Saint-Georges de Staraya Ladoga, vers 1165 ; église du Sauveur de Nereditsa, 1199, etc.). Presque toutes les icônes survivantes datent de la 12e mi-temps. 13ème siècle (« Le Sauveur non fait de main avec la glorification de la croix », « L'Ange aux cheveux d'or » ; tous deux - fin du XIIe siècle ; « Assomption », début du XIIIe siècle, etc.) viennent de Novgorod (des icônes d'autres principautés ont été perdu).

En 1237-38. Presque toutes les villes russes ont été dévastées par les hordes de Batu, la population a été exterminée, les églises ont été incendiées, les objets de valeur ont été détruits, les artisans ont été emmenés à l'étranger. Seules Novgorod et Pskov ont échappé à ce sort, qui sont devenues des centres où se sont rassemblées les forces créatrices survivantes. En con. 14ème siècle L'un des plus grands maîtres de l'époque, originaire de Byzance, Théophane le Grec, travaillait à Novgorod. Les images qu'il a créées sont empreintes de spiritualité tragique (fresque de l'église du Sauveur de la rue Ilyin, 1378). L'œuvre de Théophane le Grec a influencé les maîtres de Novgorod et de Moscou.

Au 14ème siècle Moscou, où régnaient les descendants d'Alexandre Nevski, devint le centre de rassemblement des terres russes. Le métropolite Pierre (1308-1326) fit beaucoup pour son ascension, en transférant sa résidence à Moscou depuis Vladimir, qui était encore nominalement considérée comme la capitale de la Russie. Fondée par Pierre et achevée par le prince Ivan Kalita, la cathédrale de l'Assomption du Kremlin de Moscou (1475-79) fut l'un des premiers bâtiments en pierre à perpétuer les traditions de l'architecture en pierre blanche de Vladimir-Souzdal (elle n'a pas survécu). La construction active a été réalisée sous le règne du métropolite Alexis (1354-78) sous les princes Dmitri Donskoï et son fils Vasily Dmitrievich (murs en pierre blanche du Kremlin, 1367-68 ; cathédrale du monastère Chudov, 1365). L'église de la Nativité de la Vierge au Kremlin (1393), la cathédrale de l'Assomption « sur Gorodok » à Zvenigorod (vers 1400) sont de petites églises cubiques à dôme unique, marquées par des proportions gracieuses et une noble retenue. La cathédrale du monastère Andronikov de Moscou (premier tiers du XVe siècle) est conçue comme un volume pyramidal, souligné par les rangées de kokochniks se rétrécissant vers le haut. Atteint sa plus grande floraison au XVe siècle. peinture dans les œuvres d'Andrei Rublev. En 1405, le peintre d'icônes moscovite décora la cathédrale de l'Annonciation du Kremlin de Moscou avec Théophane le Grec. Contrairement à l'art frénétiquement passionné et tragique du maître byzantin, l'œuvre d'Andrei Rublev est imprégnée d'une contemplation priante calme et d'une tristesse douce et lumineuse. Dans ses icônes et ses fresques, le monde d'en haut (céleste) et le monde d'en bas (terrestre) apparaissent pour la première fois dans une unité spirituelle indissoluble. Dans l'icône "Trinité" (années 1420), l'idée d'harmonie et d'unité, si importante à l'époque de la bataille de Koulikovo, s'est fait entendre avec toute sa force. Les peintres du cercle de Théophane le Grec ont créé des livres manuscrits liturgiques richement illustrés (l'Évangile de Khitrovo ; certaines miniatures peuvent avoir été réalisées par Andrei Rublev ou par des maîtres proches de lui). L'œuvre d'Andrei Rublev a eu une énorme influence sur la peinture moscovite non seulement du XVe siècle, mais aussi des siècles suivants.

En 1480, sous le règne d'Ivan III, eut lieu la libération définitive du joug tatare-mongol. Moscou devenait la capitale d’un État puissant. L'incarnation visible du nouveau rôle de la Moscovie en tant que grande puissance européenne était le magnifique ensemble de bâtiments sur la place de la Cathédrale, les murs et les tours du Kremlin de Moscou, créés au tournant des XVe et XVIe siècles. Architectes russes et italiens. Dans l'environnement métropolitain s'est formé l'art raffiné et éclairé de Denys, qui a décoré d'icônes la cathédrale de l'Assomption du Kremlin de Moscou et a créé de grandioses ensembles de fresques dans la région du Lac Blanc (peintures murales du monastère de Ferapontov, 1502). Les arts décoratifs et appliqués sont florissants. Les représentants des familles princières et boyards commandèrent aux artisans des linceuls brodés, des ustensiles sculptés et précieux, qui devinrent des contributions précieuses aux monastères et aux églises.

Au 16ème siècle des églises sous tente ont été érigées en Moscovie (église de l'Ascension à Kolomenskoïe, 1532). Un monument remarquable de l'époque était la cathédrale Saint-Basile sur la Place Rouge à Moscou (1555-61). Pour la peinture d'icônes du XVIe siècle. caractérisé par une riche palette de couleurs irisées, une abondance de détails et un récit détaillé (« L'Église militante », années 1550, dédiée à la victoire de l'armée russe près de Kazan). Le goût de la grâce et du luxe se reflète dans de nombreuses œuvres d'art décoratif et appliqué ainsi que dans la décoration des livres. En 1564, Ivan Fedorov publie le premier livre imprimé russe « L’Apôtre ».

Au 17ème siècle L'Armurerie est devenue le centre de la production artistique de l'État de Moscou, où travaillaient les meilleurs maîtres russes et étrangers, parmi lesquels S. F. Ouchakov était le plus célèbre. Dans la culture du XVIIe siècle. Le principe laïc s'intensifie, un intérêt pour la connaissance scientifique du monde apparaît. Ce siècle est devenu une ère de transition vers l’art du New Age. Les Parsuns se distinguent par une fusion unique de traditions anciennes et de nouvelles tendances - les premiers portraits de l'art russe (de membres des familles royales et boyards), créés à l'aide de la technique de la peinture d'icônes. Au XVIIIe siècle, lorsque les tendances laïques prédominaient complètement dans la culture russe, les traditions et les images de l'art russe ancien ont longtemps été préservées dans les vastes provinces russes.

ART RUSSE ANCIEN

L’art russe ancien est généralement appelé la période de l’histoire de l’art russe qui a commencé avec l’émergence de l’État de Kiev et s’est poursuivie jusqu’aux réformes de Pierre (du IXe au XVIIe siècle). Dans l’histoire millénaire de l’art russe, cette période représente plus de sept siècles.

L’art russe ancien caractérise la première étape du développement artistique du peuple russe. Mais il ne peut être considéré comme un simple seuil, une préhistoire de l’art russe. Il a d'abord identifié des caractéristiques qui sont devenues plus tard des caractéristiques essentielles de la créativité artistique russe. Ces traits apparaissent suffisamment clairement pour permettre de parler de son originalité dès ce stade précoce.

L'art russe ancien s'est développé pendant la période de formation et d'épanouissement de la féodalité en Russie. L'État féodal s'appuyait invariablement sur l'autorité de l'Église ; il considérait la religion comme l'un des moyens de renforcer l'ordre social existant. En conséquence, l’art, comme toute la culture spirituelle de l’époque, était appelé à servir l’Église. L'éventail des thèmes et des sujets des beaux-arts était majoritairement religieux, le but principal de la peinture était cultuel, ecclésiastique et la nature même de l'expression artistique était marquée par des traits de religiosité médiévale.

Cependant, dans la Russie antique, l'art populaire étranger à l'église s'est également développé. Dans la société féodale, sa manifestation se limitait à un usage décoratif et quotidien. Mais les motifs des festivités vivifiantes, de la joie saine, comme les échos des chants populaires et de la poésie populaire, ont pénétré dans l'art religieux, déplaçant ou affaiblissant l'ambiance dure et ascétique qui le caractérise. L’art allait au-delà des tâches étroites de l’Église et reflétait les divers aspects de la vie du peuple russe. Les images fabuleuses et semi-fantastiques de l’art russe ancien contiennent une profonde signification vitale, philosophique et poétique.

La période initiale du développement de l'art russe ancien est déterminée par l'art des Slaves orientaux. Ils étaient engagés dans l'agriculture, adoraient des divinités qui personnifiaient les forces de la nature et créaient des images de ces dieux - les soi-disant idoles. De nombreux motifs mythologiques, tels que les images de l'ancêtre-patron du clan, les chevaux sacrés et l'oiseau de feu, sont fermement entrés dans la conscience populaire et ont été soigneusement conservés dans les broderies et les sculptures paysannes jusqu'à nos jours. Mais ils ont perdu leur sens originel et se sont transformés en un conte de fées divertissant, un motif complexe.

La broderie slave servait à l'origine de talisman.
Chaque élément de l'ornement a sa propre signification magique

La broderie slave servait à l'origine de talisman.
Chaque élément de l'ornement a sa propre signification magique

La créativité artistique la plus ancienne des Slaves s'exprimait le plus pleinement dans la production de bijoux et d'articles ménagers, notamment de produits métalliques : bagues, colliers, poignets, boucles d'oreilles, souvent recouverts d'un fin motif de nielle et d'émail. Cet artisanat artistique était original et portait le sceau d'un haut savoir-faire.

Avec le renforcement de l'État de Kiev et l'adoption du christianisme, l'art acquiert un caractère monumental et majestueux, enrichi des traditions de la culture byzantine, mais perd en grande partie sa fraîcheur poétique et sa fabuleuse naïveté. Le nouvel art monumental atteint déjà son apogée au XIe siècle. Un monument caractéristique de cette époque est la cathédrale Sainte-Sophie de Kiev. Ses mosaïques et fresques, apparemment réalisées par des maîtres byzantins, étonnent par la grandeur de l'ensemble. Dans l'histoire de l'art, il existe peu d'exemples d'une unité de conception architecturale et de peinture murale d'un impact égal à celui de la cathédrale Sainte-Sophie. De même qu'à l'extérieur douze petits dômes étaient couronnés par le dôme principal, à l'intérieur, au-dessus des nombreuses images de personnages individuels situées sur les piliers, sur les murs et sur les voûtes, régnait l'image sévère du Tout-Puissant. En entrant sous les arcades de la cathédrale, voyant les personnages dans l'éclat doré de la mosaïque, les anciens Kieviens se sont familiarisés avec la compréhension chrétienne de la hiérarchie céleste, qui, par son inviolabilité, était censée renforcer l'autorité de la hiérarchie terrestre.

Église de St. Sofia à Kiev (cathédrale Sainte-Sophie). 1037

Église de St. Sofia à Kiev (cathédrale Sainte-Sophie). 1037

Au 11ème siècle Les maîtres grecs - constructeurs et peintres - travaillaient à Kiev. Selon leurs plans, des temples ont été construits et décorés de dalles de marbre, de mosaïques, de fresques et d'icônes. Au XIIe siècle. La célèbre icône de Notre-Dame de Vladimir, l'un des meilleurs monuments de la peinture d'icônes byzantine, a été importée de Constantinople à Kiev.

Vladimir Icône de la Mère de Dieu
Église Saint-Nicolas de Tolmachi

Vladimir Icône de la Mère de Dieu
Église Saint-Nicolas de Tolmachi

Toutefois, cela ne signifie pas que les monuments les plus anciens de Kiev doivent être considérés comme empruntés. Les artisans en visite trouvèrent à Kiev un environnement social différent de celui qui entourait la cour de l'empereur byzantin. La riche expérience de vie des Slaves, leur attitude saine et joyeuse s'incarnent également dans des images artistiques. L'art a perdu l'empreinte de l'ascétisme sombre caractéristique de l'art byzantin des XIe-XIIe siècles.

Parmi les villes du vaste État de Kiev, Kiev était le principal centre artistique. C'est seulement ici que l'art subtil de la mosaïque s'est développé. De magnifiques exemples d'art du livre (le célèbre «Évangile d'Ostromir», orné de miniatures luxueuses, 1056-1057) et d'art décoratif et appliqué y sont également créés. L’influence de l’école d’art de Kiev se fait sentir dans toutes les villes russes.

Déjà à la fin du XIe siècle. L'État de Kiev commence à se désintégrer en petits apanages princiers. Dans la seconde moitié du XIIe siècle. Kiev perd sa principale importance politique et culturelle et passe à la principauté de Vladimir-Souzdal.

L'art de la Russie de Vladimir-Souzdal s'est développé sur près d'un siècle (milieu du XIIe - début du XIIIe siècle). Pendant cette période, il a apporté une contribution significative à l’histoire non seulement de la culture russe, mais aussi de la culture mondiale. Les traits caractéristiques les plus frappants de l’art de Vladimir-Souzdal s’exprimaient dans l’architecture. Les habitants de Vladimir étaient d’excellents bâtisseurs. En plus des bâtiments en bois, il y avait de nombreuses structures en pierre. Les sculpteurs de Vladimir maîtrisaient les techniques de traitement de la pierre et utilisaient habilement les techniques de sculpture sur bois plat.

L'apogée de l'architecture à Vladimir est tombée sous le règne d'Andrei Bogolyubsky. A cette époque, sont construites la cathédrale de l'Assomption et l'église de l'Intercession sur la Nerl, célèbre pour sa perfection (1165). Selon une source ancienne, le prince aurait construit un temple « dans le pré » pour commémorer sa tristesse suite à la mort de son fils bien-aimé. Ce bâtiment frappe par son harmonie et sa grâce, la richesse exceptionnelle des relations nouvelles et sans précédent entre ses parties. Par la blancheur de la pierre, la régularité et la finesse de la silhouette, le temple Nerlinsky se démarque du paysage environnant. C'est la fière affirmation d'une personne de la beauté de sa créativité. Ce temple n'est pas capable de détourner une personne du monde réel. De toute son apparence, il appelle une personne à regarder le monde qui l'entoure, à se réjouir du fait qu'il n'y a pas de discorde entre le travail de ses mains et la nature.

Église de l'Intercession sur la Nerl. XIIe siècle

Église de l'Intercession sur la Nerl. XIIe siècle

Une particularité des églises de Vladimir-Souzdal est leur décoration sculpturale. Dans la cathédrale Démétrius de Vladimir (1194-1197), toute la partie supérieure des murs extérieurs est entièrement recouverte de décorations sculptées. Ici, vous pouvez voir le roi David et Alexandre le Grand, portés au ciel par des griffons, des chasseurs, des animaux fantastiques, des oiseaux - tout cela est dispersé parmi d'étranges herbes et des fleurs luxuriantes. Chaque image est située sur une pierre séparée, mais ensemble, elles forment un tout harmonieux et forment un semblant de tissu à motifs, comme s'il était jeté sur la masse de pierre du temple. Les reliefs sur les murs de la cathédrale Saint-Georges de Yuryev-Polsky (1230-1234) sont particulièrement magnifiques.

Cathédrale Démétrius à Vladimir. 1194-1197.

Cathédrale Démétrius à Vladimir. 1194-1197.

Des motifs décoratifs mi-païens, mi-fériques étaient utilisés pour décorer uniquement les murs extérieurs des temples ; tout l'espace intérieur était réservé à des fresques et des icônes, qui différaient des reliefs par leur sujet et leur caractère.

Sculpture en pierre blanche sur la façade de la cathédrale Dmitrievsky

Sculpture en pierre blanche sur la façade de la cathédrale Dmitrievsky

Avec les villes de la principauté de Vladimir-Souzdal, le plus grand centre de vie artistique du XIIe siècle. c'était Novgorod. Si l'art de Vladimir-Souzdal reflétait le pouvoir croissant du pouvoir grand-ducal, alors à Novgorod l'art portait une empreinte plus visible de l'influence populaire. Elle a développé son propre style particulier, qui se manifeste dans la simplicité austère et la grandeur sobre des fresques et des icônes de Novgorod.

Les Novgorodiens étaient à la périphérie des terres russes et rencontraient constamment d'autres peuples. Leur amour pour leur ville natale et leur terre s’est développé très tôt. L’art a joué un rôle important dans le renforcement de ce sentiment dans la conscience populaire. Les églises de Novgorod étaient une incarnation claire de leur fière conscience d'elles-mêmes : dans leurs peintures, les maîtres de Novgorod exprimaient les idéaux de courage et de force de caractère, qui, dans ces années difficiles, constituaient la principale mesure de l'évaluation humaine. Ces caractéristiques de l'art de Novgorod ont été plus clairement exprimées dans les images architecturales de la cathédrale Sainte-Sophie et de la cathédrale Saint-Georges du monastère Yuryev à Novgorod, ainsi que dans les peintures de l'église du Sauveur de Nereditsa.

Cathédrale Saint-Georges du monastère Yuryev à Veliky Novgorod.
1119-1130

Cathédrale Saint-Georges du monastère Yuryev à Veliky Novgorod.
1119-1130

Les œuvres de l'art russe de cette période démontrent clairement les caractéristiques d'une culture commune. Bâtiments russes du XIIe siècle. Elles se distinguent des églises byzantines et romanes par la simplicité, la clarté et l'intégrité de leurs compositions et par leurs formes douces et arrondies. La valeur esthétique des œuvres d'art devient de plus en plus importante. Les chroniqueurs de cette époque ont certainement remarqué la beauté des églises, des temples, des icônes, des peintures, devinant avec sensibilité la perfection de l'art véritable. La Russie antique avançait sans relâche, les maîtres russes faisaient preuve d'ingéniosité et de courage dans leurs quêtes. C'est là qu'est apparue cette compréhension de la grandeur des tâches auxquelles l'art est confronté, et qui peut naître au sein d'un peuple promis à un grand avenir.

L’invasion mongole-tatare a porté un coup dur à l’épanouissement brillant de la culture artistique russe. Les villes furent soumises à une dévastation impitoyable, les communications avec les Balkans, Byzance et l'Europe occidentale furent coupées. La créativité artistique en Russie ne s'est pas arrêtée au cours de ces années, mais les grandes entreprises n'ont pas été possibles.

Contrairement à Kiev, Vladimir et Moscou, Novgorod a échappé à l’esclavage. Cela l’a aidée à devenir le centre où se rassemblent avant tout les forces créatrices du peuple russe.

A la fin du 14ème siècle. A Novgorod apparaît un maître qui a laissé une marque notable sur l'art russe - Théophane le Grec. Ayant quitté Byzance, où la culture entrait dans une période de déclin, Théophane trouva en Russie un terrain favorable à la créativité et à une large reconnaissance. La création la plus fiable de Théophane sont les peintures de l'église de la Transfiguration de Novgorod. L'impression la plus puissante est laissée par les images des aînés. L'artiste y exprime la complexité tragique des expériences émotionnelles, l'intensité de la lutte et la discorde interne.

Théophane le Grec. Notre Dame. Icône du rang Deesis

Début du XVe siècle

Théophane le Grec. Notre Dame. Icône du rang Deesis
Cathédrale de l'Annonciation du Kremlin de Moscou.
Début du XVe siècle

Théofane introduit dans la peinture du XIVe siècle. passion, mouvement, modelage pictural libre. Les maîtres de Novgorod et de Moscou ont subi l'influence de son talent, ce qui ne les a pas empêchés de chercher leurs propres voies et solutions dans l'art. Pendant cette période, un groupe de maîtres russes a travaillé, créant les meilleurs exemples de peinture murale de Novgorod. Les plus importantes sur le plan artistique sont les peintures de l'église de l'Assomption sur le champ de Volotovo et de l'église de Fiodor. Stratilate (seconde moitié du XIVe siècle).

Dans la formation de l'art national russe après le renversement du joug mongol-tatare, Moscou a joué un rôle décisif. C’est à partir de là qu’a commencé la lutte persistante et victorieuse pour l’unification nationale du peuple russe. La peinture russe ancienne atteint son apogée au XVe siècle. (voir Iconographie, Iconographie russe ancienne). Peinture moscovite du XVe siècle. développé sous l'influence de la brillante personnalité d'Andrei Rublev. Tout au long du siècle, elle reste fidèle aux meilleures traditions de cet illustre maître.

Andreï Roublev (?). Ange. Miniature de « l’Évangile de Khitrovo ».
années 90 XIVe siècle Bibliothèque d'État de Russie. Moscou.

Andreï Roublev (?). Ange. Miniature de « l’Évangile de Khitrovo ».
années 90 XIVe siècle Bibliothèque d'État de Russie. Moscou.

Pendant la période de consolidation de l'État de Moscou et de formation de la monarchie féodale (fin du XVe siècle), l'art commença à servir principalement l'autorité du pouvoir royal. Au cours de ces années critiques, travaillait à Moscou le merveilleux maître Denys (vers 1440 - vers 1506), qui perpétuait de manière créative les traditions d'Andrei Rublev. Cependant, contrairement à lui, Denys n'était pas un moine, mais un laïc, ce qui a marqué son œuvre. Dans l'art de Denys, l'ambiance de fête solennelle et de réjouissance victorieuse prévaut.

Dans sa vieillesse, Denys et ses disciples ont peint le temple du monastère de Ferapontov (1500-1502). C'est le seul monument que nous connaissons de sa peinture monumentale qui appartient aux chefs-d'œuvre de l'art russe ancien. Denys et son école possèdent également tout un groupe d'excellentes icônes, aujourd'hui conservées à la Galerie nationale Tretiakov, dans la cathédrale de l'Assomption du Kremlin de Moscou. Denys était le dernier parmi les grands peintres de la Russie antique. Son œuvre clôt l’âge d’or de la peinture russe ancienne.

Denys. Dimitry Prilutsky avec sa vie.

et musée-réserve d'art

Denys. Dimitry Prilutsky avec sa vie.
Icône du monastère Spaso-Prilutsky. D'ACCORD. 1503
Institut historique et architectural d'État de Vologda
et musée-réserve d'art

Seconde moitié des XVe-XVIe siècles. marquée en Russie par des succès majeurs dans la construction de l'État. À Moscou, de magnifiques églises en pierre sous tente ont été créées et de vastes constructions de villes et de monastères ont commencé. Avec la croissance du pouvoir du souverain de Moscou, l'une des premières tâches de l'architecture fut le renforcement et la décoration de la capitale et de son centre, le Kremlin de Moscou.

La construction des cathédrales du Kremlin a commencé avec la principale, la cathédrale de l'Assomption. Sa construction a tellement attiré l'attention des contemporains que la chronique lui a consacré plusieurs pages éloquentes. Un merveilleux maître italien, Aristote Fioravanti, a été invité à construire la principale cathédrale de Moscou. La cathédrale de l'Annonciation du Kremlin et la petite église de la Déposition de la Robe ont été érigées par des artisans russes, tandis que la Chambre à facettes et le clocher d'Ivan le Grand ont été érigés par des artisans italiens. Toutes ces structures sont combinées en une composition étonnamment solide. Les bâtiments du Kremlin de Moscou ont servi d'exemple pour tout le pays.

Panorama du Kremlin de Moscou

Panorama du Kremlin de Moscou

De grandes réalisations ont été constatées au XVIe siècle. l'art des miniatures de livres. De nombreux manuscrits richement illustrés reflétaient à la fois une compétence graphique accrue et une observation artistique par rapport à la réalité environnante.

Bon Friazin. Clocher "Ivan le Grand".
XVIe siècle Kremlin de Moscou.

Bon Friazin. Clocher "Ivan le Grand".
XVIe siècle Kremlin de Moscou.

Au XVIIe et début du XVIIIe siècle. La production artistique à Moscou prend une grande ampleur. Son centre est la salle des Armures du Kremlin. Les meilleurs artisans s'y rassemblent et les commandes y sont réparties entre les peintres. La masse des peintres d’icônes royales est considérée comme une armée d’artisans exécutifs. Ils sont utilisés pour une variété de besoins : ils peignent des tours, peignent des icônes, ainsi que des motifs et des armoiries.

Les meilleures œuvres sorties de l'Armurerie sont des bijoux, des cadres, des cadres, des émaux, des linceuls brodés, etc. De nos jours, ils sont soigneusement conservés et exposés dans les musées (voir Musées du Kremlin de Moscou, Art de la joaillerie).

Louche pour le tsar Mikhaïl Fedorovitch.
Or, argent, pierres précieuses, perles.
Ateliers du Kremlin de Moscou, vers 1618

Louche pour le tsar Mikhaïl Fedorovitch.
Or, argent, pierres précieuses, perles.
Gaufrage, sculpture, forgeage, nielle
Ateliers du Kremlin de Moscou, vers 1618

Parmi les peintres royaux, la place la plus importante est occupée par Simon Ouchakov (1626-1686). Son art était polyvalent : il peignait des icônes, s'essayait au portrait et réalisait plusieurs gravures. Le travail de cet artiste marque le tournant de la peinture russe vers de nouvelles voies.

Simon Fedorovitch Ouchakov. Notre-Dame de Tendresse.
1668

Simon Fedorovitch Ouchakov. Notre-Dame de Tendresse.
1668

Dans les images répétées à plusieurs reprises du « Sauveur non fait de mains », Ouchakov a essayé d'utiliser un modelage doux pour transmettre la beauté humaine, la physicalité terrestre et même la matérialité au type de « Christ miséricordieux » établi en Russie, ce qui a provoqué la résistance des défenseurs de antiquité.

Simon Fedorovitch Ouchakov. Un sauveur qui n'est pas fait de mains
Écrit pour la Laure de la Trinité-Serge en 1658

Simon Fedorovitch Ouchakov. Un sauveur qui n'est pas fait de mains
Écrit pour la Laure de la Trinité-Serge en 1658

Dans la seconde moitié du XVIIe siècle. Dans la salle des armureries, aux côtés des peintres d'icônes, les peintres travaillent. Ils peignent des portraits ou, comme on les appelait alors, des parsuns. Les maîtres invités - Polonais, Allemands, Néerlandais - ont introduit une nouvelle technique d'écriture sur toile et distribué des gravures à Moscou. Cependant, les Parsuns du 17ème siècle. même dans les cas où ils véhiculent une ressemblance avec un portrait, ils sont généralement très statiques.

Portrait (parsun) du prince M. V. Skopin-Shuisky.
1ère moitié du 17ème siècle Musée historique d'État. Moscou.

Portrait (parsun) du prince M. V. Skopin-Shuisky.
1ère moitié du 17ème siècle Musée historique d'État. Moscou.

Dans la culture russe du XVIIe siècle. Le principe laïc se renforce, les besoins de connaissance scientifique du monde augmentent. S. Ouchakov et les maîtres de son entourage se sont rapprochés de la tâche consistant à afficher les impressions visuelles dans toute leur vitalité et leur exhaustivité. A cette époque, des tentatives ont été faites pour représenter l'intérieur des bâtiments en perspective sur l'icône, pour introduire le clair-obscur et le portrait de visages. Tout cela reflète les signes de la révolution artistique qui a eu lieu dans l'art au début du XVIIIe siècle. Ce n’est qu’avec un changement dans la vie sociale, l’État et la culture que l’art russe, dans sa quête de réalisme, entrera dans une nouvelle voie fructueuse de développement historique.

Pour nous, les beaux-arts russes anciens resteront à jamais précieux car l'image d'une personne, une personnalité idéale, marquée du sceau de la noblesse morale, y occupait une place centrale.