14. Proces „sekularyzacji” w sztuceXVIIwiek.

Zawirowania XVII wieku zadały straszliwy cios państwowości, gospodarce i kulturze kraju. Niemniej jednak Rosja nie tylko szybko odzyskała siły, ale równie szybko zaczęła rosnąć w siłę. Wtedy to stało się terytorialnie największą potęgą na świecie

Najwyraźniej to architekci, artyści i pisarze faktycznie „uświatowili” architekturę, malarstwo i literaturę, chociaż czynili to najczęściej za pieniądze kupieckie, nieuchronnie zmuszane w swojej twórczości do tego, aby w większym czy innym stopniu odzwierciedlać gusta i wymagania mieszczanie, ich pomysły na środowisko, spokój i piękno. Jednym z najbardziej charakterystycznych zewnętrznych oznak nowego etapu rozwoju kultury rosyjskiej była budowa, oprócz świątyń, kamiennych budynków do celów świeckich, które obecnie budowała nie tylko szlachta feudalna, ale także przedstawiciele bogatych kupców. Piwnica służyła do przechowywania towarów, a południowa nawa Nikity Wojownika stała się rodzinnym grobowcem tej słynnej rodziny kupieckiej wywodzącej się z Jarosławia. Dekorację wnętrz ukończono do połowy lat pięćdziesiątych XVII wieku, po śmierci G. L. Nikitnikowa, prace dokończyli także jego wnukowie i prawnuk ze strony córki, Iwan Grigoriewicz Bułhakow. Obrazy zamówiono u najsłynniejszych malarzy ikon tamtych czasów, m.in. Józefa Władimirowa („Zstąpienie Ducha Świętego”) i ikonografa Komnaty Zbrojowni Szymona Uszakowa („Wielki biskup”, „Zbawiciel nie stworzony rękami " i inni). Przez wiele lat w świątyni znajdowała się także słynna ikona „Drzewo Państwa Moskiewskiego” („Pochwała Matki Bożej Włodzimierskiej”), której twórcą był także „suwerenny zograf Pimin zwany Szymonem Uszakowem”. Malując ściany, mistrzowie jako pierwsi w Rosji wykorzystali jako próbki (a raczej schematy ikonograficzne) ryciny z wydanej niedawno w Holandii Biblii Piscatora, a na jednym z fresków przedstawili zbiorowy portret rodziny Nikitnikowów. W połowie XVII wieku na ulicy Wagankowo w Moskwie pojawił się kamienny dom z wysokimi „holenderskimi szczytami”, który również wyraźnie wyróżniał się na tle okolicznych budynków. Należał do wybitnego gościa Almaza (Erofeja) Iwanowicza Iwanowa (? – 1669) z rodu Czistych, wywodzącego się z mieszczan Wołogdy. Handlując z krajami wschodnimi i znając kilka języków obcych, kupiec ten ostatecznie został szlachcicem Dumy i szefem ambasadora Prikazu. W ramach ambasad rosyjskich Almaz Iwanow podróżował do Rzeczypospolitej Obojga Narodów i Szwecji. Być może jego zagraniczne wrażenia w pewnym stopniu wpłynęły na architekturę domu. Obok swoich dwupiętrowych kamiennych komnat przy Bramie Pokrowskiej członek Żywej Stu Michaił Semenowicz Swierczkow wzniósł w latach 1696-1698 na Pokrowce cerkiew Wniebowzięcia NMP w stylu barokowym „Naryszkina”. Nieco wcześniej, na Berseniewce (obecnie nabrzeże rzeki Moskwy) na rozkaz suwerennego urzędnika Awerkiego Stepanowicza Kirilłowa (1622–1682), pochodzącego ze środowiska kupieckiego, nowy dom i świątynia św. Mikołaja Cudotwórcy zbudowano z dużych cegieł. Księga budowy z 1657 r. tak o tym mówi: „W tym ogrodzie, obok podwórza jego Awerkijewa, ponownie zbudowano plac jego Awerkijewa”. Członek ambasady holenderskiej Nicolaas Witsen, który odwiedził Moskwę w 1665 roku, napisał: „Odwiedziłem pierwszego gościa Awierkiego Stiepanowicza Kiriłłowa, uważanego za jednego z najbogatszych kupców. Mieszka w najpiękniejszym budynku; to jest duża i piękna kamienna komnata, zwieńczenie jest drewniane.Na swoim dziedzińcu ma własny kościół i dzwonnicę, bogato zdobione, piękny dziedziniec i ogród.Wyposażenie wewnątrz domu nie jest gorsze, w oknach są niemieckie szyby malowane (witraże) Krótko mówiąc, ma wszystko, co potrzebne do bogato umeblowanego domu: piękne krzesła i stoły, obrazy, dywany, szafki, sztućce itp. Częstował nas różnymi napojami, a także ogórkami, melonami, dyniami, orzechy i przezroczyste jabłka, a wszystko to podane na pięknym rzeźbionym srebrze, bardzo czystym. Rzeźbionych kielichów i szklanek nie brakowało. Wszyscy jego słudzy ubrani byli w jednakowy strój, co nie było w zwyczaju nawet u samego cara. Traktował nam bardzo uprzejmie, rozmawialiśmy o niedawno pojawiającej się komecie, Rosjanie mówią o tym błędnie. Pokazał nam księgę przepowiedni na przyszłość, przetłumaczoną na język rosyjski, jakby zawierała prawdziwe przepowiednie, i zapytał mnie o zdanie na jej temat.” Jak widzimy, widoczne są elementy „światowości” i przenikania obcych wpływów. W kamieniu budownictwo mieszkaniowe, wybitni kupcy nie pozostawali w tyle za kupcami stołecznymi, ludźmi z ośrodków prowincjonalnych. W analizowanym okresie Psków ozdobiono kilkoma znaczącymi rezydencjami kupieckimi. Być może najsłynniejszy z nich należał do Siergieja Iwanowicza Pogankina. „Szaty Pogankina” nadal tam stoją. W pobliżu znajdują się domy kupieckie Mienszykowa, Rusinowa, Trubińskich, Jamskich. Z reguły są dwupiętrowe, kamienne, z trzecią drewnianą podłogą i pomieszczeniami magazynowymi w postaci klatek i piwnic. kupcy Puszkinowie w Niżnym Nowogrodzie składali się z dwóch dużych izb. W Kałudze zachował się elegancko zdobiony dwupiętrowy dom kupca K. I. Korobowa. Kamienne komnaty kupieckie z XVII w. znane są zarówno w małym miasteczku Gorochowiec pod Włodzimierzem, jak i w Czeboksary. Na szczególną uwagę zasługuje kwestia roli moskiewskiego „handlu obcokrajowcami” (Vinius, Kelderman, Marcelis i in.) we wprowadzaniu Rosjan w kulturę zachodnioeuropejską. Wszystko to niewątpliwie znacząco przyczyniło się do „sekularyzacji” kultury rosyjskiej, czyli do penetracji i rozwoju w niej elementów czysto świeckich.

Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

Wstęp

Starożytna sztuka rosyjska starożytnych rosyjskich formacji państwowych z X-XIII wieku, po wchłonięciu tradycji kultury wschodniosłowiańskiej i zaawansowanego doświadczenia sztuki Bizancjum i krajów bałkańskich, stworzyła wybitne zabytki malarstwa kościelnego i świeckiego, wspaniałe mozaiki , freski, ikony, miniatury, płaskorzeźby, przedmioty dekoracyjne, liczne pieśni kościelne różnych gatunków.

W szerokim znaczeniu sztuka staroruska jest średniowieczną sztuką rosyjską. W okresie kształtowania się feudalizmu na Rusi (X-XIII w.) sztuka rozwijała się w oparciu o osiągnięcia kultury artystycznej plemion wschodniosłowiańskich oraz zamieszkujących te ziemie wcześniej Scytów i Sarmatów. Naturalnie kultura każdego plemienia i regionu miała swoje własne charakterystyczne cechy i była pod wpływem sąsiednich ziem i państw. Wraz z chrześcijaństwem Ruś przejęła tradycje kultury starożytnej, głównie greckiej.

Należy zauważyć, że rosyjska sztuka średniowiecza powstała w walce dwóch struktur - patriarchalnej i feudalnej oraz dwóch religii - pogaństwa i chrześcijaństwa. I tak jak ślady patriarchalnego sposobu życia można od dawna doszukiwać się w sztuce feudalnej Rusi, tak pogaństwo przypominało siebie niemal we wszystkich swoich postaciach. Proces eliminowania pogaństwa był spontaniczny, niemniej jednak podejmowano próby szybkiego umocnienia nowej religii, uczynienia jej bliską i dostępną dla ludzi. To nie przypadek, że kościoły budowano na miejscach świątyń pogańskich; Przeniknęły do ​​niego elementy popularnego deifikacji natury, a niektórym świętym zaczęto przypisywać rolę dawnych bogów.

Oczywiście, jak każda sztuka średniowiecza, sztuka starożytnej Rusi X-XIII w. kieruje się pewnymi kanonami, które można prześledzić zarówno w formach architektonicznych, jak i malarstwie. Powstały nawet próbki - „proresi”, „oryginały”, twarzowe i wyjaśniające (w pierwszym pokazano, jak pisać, w drugim „interpretowano”), ale zarówno zgodnie z kanonami, jak i wbrew nim, bogata twórczość osobowość artysty potrafiła wyrazić siebie.

Opierając się na wielowiekowych tradycjach sztuki wschodnioeuropejskiej, rosyjscy mistrzowie potrafili stworzyć własną sztukę narodową, wzbogacić kulturę europejską o nowe, charakterystyczne dla Rusi formy świątyń, niepowtarzalne malowidła ścienne i ikonografię, której mimo wszystko nie można mylić z bizantyjską. wspólność ikonografii i pozorne podobieństwo języka wizualnego.

1. Sztuka staroruska. Sztuka Rusi Kijowskiej

Powstał w IX wieku. Starożytne państwo rosyjskie – Ruś Kijowska, wraz z przyjęciem chrześcijaństwa z Bizancjum w 988 r., włączyło się w potężny przepływ kulturowy świata bizantyjsko-słowiańskiego, w sferze kultury wschodniochrześcijańskiej. W procesie jej asymilacji i wielowiekowego twórczego przetwarzania narodziła się ta oryginalna i oryginalna sztuka, którą w rzeczywistości nazywamy staroruską i która jest przedmiotem uzasadnionej dumy narodów rosyjskiego, ukraińskiego i białoruskiego.

Sztuka ta nie tylko jest nam odległa od wieków. Wygenerowany przez odmienny światopogląd i specyficzne warunki społeczne, posiada szereg cech szczególnych, bez których nie jest możliwa jego pełna estetyczna percepcja. Przede wszystkim sztuka ta służyła potrzebom religijnym społeczeństwa, potrzebom chrześcijańskiego światopoglądu i kultu. Jest ściśle związana z religią pod względem tematyki, treści i formy i ma na celu skupienie ludzkich myśli i uczuć na tym, co „nieziemskie”, „niematerialne”. Nie oznacza to oczywiście, że starożytna sztuka rosyjska nie jest w żaden sposób związana z życiem i nie odzwierciedla myśli, zainteresowań i nastrojów, które niepokoiły średniowieczne społeczeństwo. Tworząc wizerunek Wszechmogącego czy św. Mikołaja, malując Sąd Ostateczny czy cierpienie Chrystusa na krzyżu, starożytny rosyjski mistrz odpowiadał na najważniejsze pytania ideologiczne dla siebie i swoich współczesnych, próbował zgłębić tajemnice przeszłości i przyszłość wszechświata, zrozumieć dobro i zło i znaleźć aktywny ideał życia. Studiując te dzieła, poznajemy życie duchowe Rusi, walkę różnych ruchów ideologicznych, rozwój myśli filozoficznej, etycznej i estetycznej. Oczywiście zidentyfikowanie istotnej esencji w dziełach starożytnych rosyjskich malarzy i zrozumienie, w jaki sposób prawdziwe życie znalazło odzwierciedlenie w konkretnym dziele, nie jest łatwe. Jeszcze trudniej jest to zrobić w architekturze, z jej „abstrakcyjnym” językiem brył i linii.

Kolejną istotną cechą sztuki staroruskiej, jak każdej innej sztuki średniowiecznej, jest trzymanie się kanonu. Znalazło to swój wyraz we wszystkich rodzajach sztuk plastycznych, jednak najczęściej mówi się o kanoniczności w odniesieniu do starożytnego malarstwa rosyjskiego, czyli posługiwania się przez artystów stałym zestawem tematów, typów obrazów i schematów kompozycyjnych (ikonografii), uświęconych przez wielowiekowej tradycji i zatwierdzony przez Kościół. W praktyce artystycznej używano tak zwanych próbek - rysunków, miniaturowych ikon - „tabletek”, a później „prorisi” (kalka konturowa), bez których prawie żaden średniowieczny mistrz nie mógłby się obejść. Błędem byłoby jednak zakładać, że kanon jedynie krępował myśli średniowiecznego malarza i zawężał jego możliwości twórcze. Kanon jest zjawiskiem złożonym i nie można go jednoznacznie ocenić. Stanowiła integralną część strukturalną kultury średniowiecznej, dyscyplinowała artystę, ukierunkowała jego poszukiwania, kształciła widza, pomagała mu szybko poruszać się po ideologicznej koncepcji dzieła sztuki.

Inną ważną cechą charakterystyczną starożytnej sztuki rosyjskiej jest jej dominująca bezosobowość. W odróżnieniu od sztuki nowożytnej i zachodniej sztuki renesansu i późniejszych okresów, nierzadko potrafimy wskazać nazwisko budowniczego tej czy innej starożytnej katedry rosyjskiej, autora ikony, twórcy złotego krzyża czy luksusowa rama gospel. Do końca XV wieku. Takie informacje są rzadkie.

„Bezimienny” jest wytworem średniowiecznego światopoglądu i kultowego celu sztuki. Kościół przypisał sobie rolę twórcy, uznając artystę jedynie za wykonawcę. Co więcej, średniowieczny mistrz zwykle nie znajdował się na wyższych szczeblach feudalnej drabiny społecznej. Dlatego znacznie częściej znamy odbiorcę arcydzieła artystycznego niż jego twórcę.

A jednak nie należy przeceniać bezosobowości sztuki średniowiecznej. Znamy więcej niż jedno lub dwa nazwiska rosyjskich architektów, malarzy ikon, jubilerów, autorów książek z okresu starożytnego, zapisane na ścianach kościołów i pól ikonowych, ramach i stronach książek. Paterikon kijowsko-peczerski zachował imię słynnego rosyjskiego malarza ikon z XI - początku XII wieku. Pieczerski mnich Alimpij. Tak więc już u zarania rosyjskiej sztuki średniowiecznej ujawniają się nam nazwiska jej pierwszych twórców.

Aby wyobrazić sobie warunki, w jakich rozwijała się sztuka starożytnej Rusi, należy wziąć pod uwagę jeszcze jedną ważną okoliczność: sztuka nie tylko służyła potrzebom religijnym społeczeństwa, ale bezpośrednio służyła Kościołowi jako głównej instytucji ideologicznej społeczeństwa feudalnego i był pod jego kontrolą. Przydzielając artyście jedynie rolę wykonawcy, hierarchowie kościelni zapewniali kanoniczność jego twórczości, zachęcając niekiedy do rękodzieła.

Miało to szczególnie negatywny wpływ na malarstwo XVI-XVII wieku. Pod ideologiczną dominacją Kościoła malarstwo świeckie nie miało możliwości swobodnego rozwoju; Gatunek portretowy pojawił się późno; Ukochana przez lud drewniana rzeźba pozostała w swoich pasierbach.

Zainteresowanie tradycjonalizmem w architekturze zainspirowało patriarchę Nikona w połowie XVII wieku. nałożyć zakaz budowy kościołów namiotowych - duma rosyjskiej architektury narodowej.

W takich warunkach rozwinęła się starożytna sztuka rosyjska, pozostawiając nam bezcenne dziedzictwo artystyczne.

Po zniszczeniu „bożków” Peruna i innych pogańskich bogów oraz wzniesieniu monumentalnej świątyni św. Matka Boża, książę kijowski Włodzimierz Światosławicz, niejako nakreślił granicę w najstarszym okresie historii Rosji. Przyjęcie chrześcijaństwa w jego wersji bizantyjskiej zapewniło młodemu państwu rosyjskiemu szerokie kontakty kulturalne z najbardziej rozwiniętym krajem ówczesnej Europy i wykorzystanie jego bogatego doświadczenia artystycznego. Bardzo ważne było także wprowadzenie Rusi do sztuki i kultury królestwa bułgarskiego, jakie przeżywało w X wieku. szczyt. Wiele z najstarszych zachowanych rosyjskich rękopisów to kopie bułgarskich oryginałów.

Polityczne i kulturalne centrum ziemi rosyjskiej X-XI wieku. był Kijów – „matka rosyjskich miast”, miasto, które w tym czasie rozwijało się tak szybko, że zagraniczni obserwatorzy mieli podstawy nazywać go rywalem Konstantynopola i „wspaniałą ozdobą Grecji” (świata prawosławnego). Thietmar z Merseburga twierdził, że w Kijowie na początku XI wieku. było 400 kościołów. W liczbie tej prawdopodobnie uwzględniono nie tylko kościoły, ale także budynki wieżowe o charakterze świeckim.

2. Architektura Rusi Kijowskiej

Architektura sakralna miała szczególne znaczenie w kulturze feudalnego chrześcijaństwa. Świątynia była obrazem wszechświata, „statekiem zbawienia”, centrum życia publicznego i ogniskiem wszelkiego rodzaju sztuki. Ucieleśniał filozofię, etykę i estetykę społeczeństwa feudalnego. Wypowiadano w nim genialne oratorskie „słowa” i „nauki” oraz śpiewano majestatyczne pieśni. Jego architektura, malowidła ścienne i ikony ucieleśniały idee dotyczące struktury świata, jego historii i przyszłości. Już sam wygląd „ozdobionych” budynków kościelnych, z którym nawet pałace książęce nie mogły konkurować, wywierał na zwykłych ludziach szczególne wrażenie.

Pierwsze cerkwie rosyjskie były przeważnie drewniane i nie zachowały się do dziś, podobnie jak nie zachował się okazały kamienny kościół Najświętszej Bogurodzicy, zbudowany przez księcia Włodzimierza Światosławicza w latach 989-996. i wezwał dziesięcinę (książę przeznaczył na jej utrzymanie jedną dziesiątą swoich dochodów). Co prawda wykopaliska prowadzone przez archeologów i niektóre źródła pisane pozwalają ocenić wygląd kościoła dziesięciny, który miał trzy nawy z absydami od wschodu, emporę obejściową i prawdopodobnie wiele kopuł. Wewnątrz ozdobiono go freskami.

Najstarszym „świadkiem” tamtych czasów i największym zabytkiem artystycznym Rusi Kijowskiej jest sobór św. Zofii, zbudowany przez syna Włodzimierza Jarosława Mądrego (1037 – koniec XI w.). Zofia Kijowska to majestatyczna pięcionawowa budowla o układzie krzyżowo-kopułowym, ograniczona od wschodu pięcioma absydami i zwieńczona trzynastoma kopułami (zewnętrzna część została przebudowana w XVII wieku w stylu ukraińskiego baroku). Ogromny bęben z dwunastoma oknami zalał światłem centralną przestrzeń świątyni. Cztery kapituły oświetlały ołtarz, osiem oświetlały rozległe chóry („piętra wniebowstąpienia”, na których podczas nabożeństwa przebywał książę wraz ze świtą), zajmujące całą zachodnią część budowli. Tak rozwiniętych chórów nie spotykamy w kościołach bizantyjskich. Katedrę otaczała parterowa otwarta galeria. Później dobudowano pierwotną emporę i połączono ją z korpusem głównym kościoła, a wokół niej wybudowano nową, parterową emporę z wieżami schodowymi. W ten sposób ukształtował się wygląd architektoniczny kijowskiej katedry św. Zofii, wyróżniającej się przejrzystością i konsekwencją projektu artystycznego. Katedra przypomina majestatyczną piramidę, której mierzone stopnie konsekwentnie i równomiernie wznoszą się do centralnego punktu – głównej kopuły lśniącej złotem. Wygląd katedry był odświętny i elegancki. Jak wszystkie kamienne budowle tego okresu, wzniesiono ją z płaskiej cegły – cokołów wykorzystujących „wgłębione” rzędy w murze, pokrytych różowawym cementem. Tak powstał elegancki dwukolorowy design charakterystyczny dla budynków cokołowych.

Architektoniczny wygląd Sofii w kształcie piramidy schodkowej oraz liczne kopuły odróżniają tę świątynię od podobnych kościołów bizantyjskich i wprowadzają ją, jak można przypuszczać, w nurt tradycji lokalnej architektury drewnianej, która miała wpływ także na Kościół Dziesięciny. Cerkiew z trzynastoma kopułami była pierwszą drewnianą cerkwią Zofii w Nowogrodzie. We wnętrzu Zofii Kijowskiej w pełni zrealizowała się idea średniowiecznej syntezy sztuk. Na oczach wchodzącego przeplatały się różne malownicze perspektywy, które przyciągały go do środka – w przestrzeń pod kopułą. Całe wnętrze katedry błyszczało przepychem dekoracji. Podłogi pokrywano smaltem mozaikowym, inkrustowano płytami czerwonego łupka lub układano na zaprawie wiążącej. Ołtarz (wówczas całkowicie otwarty dla oczu zgromadzonych, gdyż przed nim znajdowała się jedynie niska marmurowa barierka, a nie pojawiający się później wysoki ikonostas), centralna kopuła, filary wschodnie, żagle i popręgi ozdobiono cennymi mozaikami, a pozostałe części ścian wielobarwnym freskiem. Ze wszystkich tych elementów powstał ogólny wygląd artystyczny kijowskiej Zofii - świątyni, której stworzenie jego współczesny metropolita Hilarion uznał za najważniejszą zasługę Jarosława Mądrego: „Jak kościół jest cudowny i chwalebny dla wszystkich otaczających krajów jak innego nie można znaleźć o północy na ziemi, ze wschodu na zachód.”

Zofia Kijowska pozostała nie tylko niezrównanym arcydziełem architektury, ale wywarła także znaczący wpływ na inne wybitne dzieła starożytnej rosyjskiej architektury kamiennej: sobory św. Zofii w Połocku i Nowogrodzie.

Za Jarosława wielki sukces odniosła nie tylko architektura sakralna, ale także cywilna (która powstała w okresie przedchrześcijańskim; kamienna wieża książęca wzmiankowana jest w kronice w 945 r.), co wynikało przede wszystkim z dalszego szybkiego rozwoju Kijowa, który dawno temu zrobiło się ciasno w starych granicach. Dlatego Jarosław „założył” nowe „wielkie miasto, jego miasta to Złota Brama”. Złota Brama Kijowa, nazwana tak na wzór bram Konstantynopola, jest jedynym częściowo zachowanym zabytkiem świeckiej architektury kijowskiej z czasów Jarosława (ok. 1037). Były to ogromny łuk wsparty na potężnych słupach, zwieńczony bramą Kościoła Zwiastowania. Jednocześnie Złota Brama wraz z innymi wieżami muru twierdzy Jarosława Kijowa pełniła funkcję ważnej jednostki obronnej.

W drugiej połowie XI w. za Jarosławicza zarysowały się i rozwinęły nowe elementy architektury kijowskiej. Chrześcijaństwo zyskuje coraz silniejszą pozycję. Wzrasta wpływ ascezy chrześcijańskiej, prawie nieznanej za Włodzimierza i Jarosława. Wyrazicielem tych nowych trendów w architekturze jest Katedra Wniebowzięcia klasztoru w Kijowie Peczerskim (w czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej została zniszczona przez hitlerowców i znajduje się w ruinie). Został zbudowany przez księcia Światosława Jarosławicza w latach 1073-1078. i była to rozległa i wysoka świątynia trójnawowa, zwieńczona pojedynczą kopułą. Potężne i surowe pylony dzieliły przestrzeń wewnętrzną. Światło z bębna i okien ściennych równomiernie oświetlało centralny sześcian budynku. Całość wnętrza stała się znacznie bardziej surowa w porównaniu z wnętrzami wczesnych kościołów kijowskich. Wygląd architektoniczny katedry był typowy dla architektury klasztornej drugiej połowy XI wieku. Bazuje na tym samym typie sześciofilarowego, jednokopułowego, trójnawowego kościoła, wcześniejszego kościoła klasztoru św. Michała (Dmitriewskiego) (połowa XI w.), katedry klasztoru Wydubickiego (1070-1088) i zbudowano wiele późniejszych katedr w innych księstwach.

Wśród miast sąsiadujących z Kijowem największym ośrodkiem kulturalnym był Czernigow, który należał do pierwszej tercji XI wieku. wojowniczemu bratu Jarosława Mądrego - Mścisławowi z Tmutarakanu. Zbudował tu dwór z pałacem książęcym i ufundował katedrę Przemienienia Pańskiego, w której został pochowany (1036). Główna świątynia Czernigowa, ukończona przez Jarosława Mądrego, w swoim planie była zbliżona do kijowskiej cerkwi Dziesięciny. Potężna trójnawowa budowla z trzema absydami od wschodu wyróżniała się spokojną i efektowną konstrukcją z kamiennych brył.

XI wiek był okresem rozkwitu sztuki na odległych brzegach Wołchowa – w Nowogrodzie Wielkim. Drugie najważniejsze miasto państwa kijowskiego, w XI wieku stały rywal polityczny stolicy, Nowogrodu. była rezydencją spadkobierców tronu kijowskiego, którzy często okazywali „nieposłuszeństwo” wobec książąt kijowskich.

Najstarszym zabytkiem architektury nowogrodzkiej, symbolem całej nowogrodzkiej kultury i państwowości, jest katedra św. Zofii, zbudowana przez księcia Włodzimierza Jarosławicza w latach 1045-1050. w centrum Nowogrodu Detinet. W pobliżu tej świątyni zebrano veche, prowadzono sprawy państwowe i kościelne. „Gdzie św. Zofia, tam jest Nowogród!” – tak ukuta formuła odzwierciedlała ogromne znaczenie kościoła św. Zofii dla życia publicznego miasta.

W planie Sofia jest ogromną pięcionawową budowlą z potężną centralną i małymi bocznymi absydami oraz pasem galerii. Wygląd architektoniczny świątyni wyróżnia nowogrodzka lakoniczna ekspresja. Ściany zbudowano głównie z grubo ciosanych kamieni o nieregularnych kształtach, jedynie sklepienia i łuki wykonano z cokołu. Katedrę zwieńczono uroczystą budowlą o pięciu kopułach z wyraźnie zaznaczonym centralnym bębnem. Wokół głównego korpusu świątyni rozmieszczone były dwukondygnacyjne krużganki z bocznymi kaplicami. Do południowo-zachodniego narożnika dobudowano wieżę schodową, również zwieńczoną kopułą. Taki był pierwotny wygląd Nowogrodu w Sofii. Liczne późniejsze przebudowy i otynkowane ściany nie mogły zniekształcić jego epickiego obrazu, który znacząco różnił się od wizerunku kijowskiej Zofii.

W architekturze nowogrodzkiej z początku XII wieku. Wyróżniają się przede wszystkim tak monumentalne budowle, jak kościół św. Mikołaja na Dziedzińcu Jarosławia (1113) oraz kościoły katedralne klasztorów Antoniew (1117) i Juriew (1119). W kronice budowy katedry św. Jerzego w klasztorze Juriew wymienione jest nazwisko architekta („A mistrz pracował Piotr”).

Główną zaletą architektury kościoła św. Jerzego jest niezwykła integralność obrazu artystycznego. Nie mniej jasno niż w Sofii, ale z nieco innymi obliczami, błyszczy w nim nowogrodzki ideał estetyczny. Architekt Piotr wykonał tu rozkaz ostatnich (przed powstaniem republiki feudalnej) nowogrodzkich książąt Mścisława i Wsiewołoda, którzy zmuszeni do oddania Detinets biskupowi, starali się wznieść obiekty architektoniczne mogące konkurować z uznaną świątynią św. Nowogród. Ale mistrzowi udało się wznieść ponad książęcą próżność, tworząc pomnik o ogólnorosyjskim znaczeniu. Katedra św. Jerzego wznosi się niczym surowy i majestatyczny kolos wśród spokojnej rosyjskiej równiny. Z jego monolitycznych fasad emanuje epicka moc. Płaskie ostrza zakończone miękkimi półkolami, wąskie szczeliny okienne i dwupółkowe wnęki tworzą prosty i wyrazisty wzór, jakby zwiększający wysokość kompozycji architektonicznej. Niezwykłe jak na tamte czasy asymetryczne wykończenie szczytu, zauważane przez współczesnych („a mistrz Piotr wykonał kościół z trzema szczytami”), nie tylko wprowadziło do projektu element dynamiczny, ale także stworzyło wieloaspektowy obraz artystyczny. Od zachodniej fasady otwierała się na widza w uroczystej i eleganckiej ciszy. Decydującą rolę odegrała integralność ściany zachodniej, która wchłonęła konstrukcję wieżową, oraz przedłużenie niemal do samej krawędzi fasady dwóch smukłych, zwieńczonych wysokimi. Znaczna odległość kopuły centralnej maskowała jej asymetryczne położenie w stosunku do kopuły bocznej. Przeciwnie, na północy i południu asymetria była przede wszystkim uderzająca, uderzając widza właśnie możliwością „ruchu” tych pozornie niewzruszonych mas cyklopowych.

Pierwsze monumentalne budowle Rusi Kijowskiej powstawały pod kierunkiem greckich architektów, którzy przywieźli ze sobą wysokie umiejętności zawodowe i gotowe formy architektoniczne. Jednak w nowym środowisku kulturowym wznosili budynki o coraz wyraźniejszych cechach rosyjskiej sztuki narodowej. Te ostatnie mnożyły się i utrwalały w niezależnych eksperymentach pierwszych pokoleń rosyjskich architektów. W ten sposób w czasach kijowskich położono podwaliny rosyjskiej szkoły architektonicznej, która stała się podstawą przyszłych szkół starożytnych księstw rosyjskich.

3. Malarstwo Rusi Kijowskiej

Droga, jaką przemierzała architektura, była charakterystyczna także dla sztuk pięknych prezentowanych w XI wieku. przede wszystkim doskonałe przykłady malarstwa monumentalnego. Najbardziej efektowną i atrakcyjną, najbardziej pracochłonną i złożoną odmianą była mozaika. Artels greckich artystów, którzy przybyli do Kijowa, zorganizowali tu warsztaty produkcji smalty i przy pomocy swoich rosyjskich uczniów ozdobili mozaikami szereg kijowskich kościołów, przede wszystkim sobór św. Zofii.

Mozaiki pokrywały najważniejszą w sensie symbolicznym i najbardziej oświetloną, a zatem najskuteczniejszą dla tego rodzaju malarstwa część świątyni – ołtarz, centralną kopułę i przestrzeń pod kopułą. Kopuła Kijowskiej Sofii przedstawia sięgającego do piersi Chrystusa Pantokratora w okrągłej „chwale”, charakterystycznej dla bizantyjskiego systemu malowideł, otoczonego czterema archaniołami. W przestrzeniach między oknami znajdują się apostołowie, w żaglach ewangeliści. Na wschodnich filarach centralnego kopułowego placu znajduje się Zwiastowanie, w muszli (tj. na wewnętrznej zakrzywionej powierzchni absydy ołtarza) Matka Boża Oranta, poniżej Eucharystia, a poniżej postacie świętych. są głównymi tematami mozaik sofijskich, których kompleks kompozycyjny ma na celu ukazanie widzowi w najprostszej i najbardziej zwięzłej formie głównych założeń doktryny chrześcijańskiej - doktryny Boga jako stwórcy i sędziego świata, Chrystusa jako zbawiciela ludzkości, drogi zbawienia ludzi, jedności Kościoła niebieskiego i ziemskiego. Jak widzimy, malarstwu przypisano najważniejsze funkcje ideowe. Nie bez powodu hierarchowie kościelni porównywali je do książka dla tych, którzy nie umieli czytać. Przejrzystość i znaczenie estetyczne obrazów powinny były skutecznie wpłynąć na szerokie rzesze ludności. Jednym z najważniejszych obrazów artystycznych mozaik sofijskich jest monumentalna postać (5,45 m) Matki Bożej z Oranty, zwanej „Ścianą Niezniszczalną”. Ciemnoniebieska tunika Matki Bożej w połączeniu z fioletowym welonem, jaskrawoczerwonymi butami i złotym tłem tworzą zaskakująco dźwięczne połączenie. Symetryczna Eucharystia („Komunia winem” i „Komunia chlebem”) przyciąga niespotykanym bogactwem palety barw. Twarze świętych wyróżniają się ostrością ich indywidualnych cech (na przykład Jan Chryzostom). Interpretacja formy przez artystów mozaiki z Sofii jest płaska i nieco archaiczna. Postacie są ciężkie i skrócone, gesty konwencjonalne i monotonne. Nie umniejsza to jednak ogromnego znaczenia artystycznego całego cyklu, który stał się rdzeniem, wokół którego uformował się bogaty zespół freskowy.

Malowidło freskowe jest pełne różnorodnych postaci i tematów (sceny z życia Chrystusa, Matki Bożej, Archanioła Michała). W centralnej części świątyni, obok scen ewangelicznych, przedstawiono zbiorowe portrety rodu Jarosława Mądrego. Na szczególną uwagę zasługuje malowidło północnej i południowej wieży schodowej, poświęcone tematyce świeckiej, rzadkiej w malarstwie średniowiecznym. Można tu zobaczyć zawody na hipodromie, występy muzyków i błaznów, walki mumików, sceny myśliwskie – zakątek prawdziwego życia w średniowieczu, odsłonięty przez utalentowanego artystę.

Ogólnie rzecz biorąc, dekoracyjny zespół malarski Kijowskiej Sofii wyróżnia się niesamowitą integralnością i skalą projektu. „Mozaiki i freski kościoła św. Zofii, w swojej surowej powadze i majestacie, w swej monumentalności, nie mają sobie równych w całej historii starożytnego malarstwa rosyjskiego”. Jeśli fresk w starożytnej sztuce rosyjskiej miał długą drogę do rozwoju, mozaika przeżyła jedynie krótkotrwały rozkwit. Ostatnim zabytkiem sztuki mozaikowej był cykl klasztoru św. Michała o Złotych Kopułach w Kijowie (ok. 1112), zachowany w postaci licznych fragmentów usuniętych ze ścian („Eucharystia”, „Dmitrij z Salonik” itp.) . Umocniła się w nich linearna, graficzna zasada, pojawiła się większa swoboda i malowniczość konstrukcji kompozycyjnej, wydłużyły się proporcje, wzmocniła się indywidualność cech bohaterów. Podobnie jak ich koledzy z Sofii, mistrzowie Michajłowscy najwyraźniej wywodzili się z Bizancjum i tworzyli w stylu szkoły konstantynopolitańskiej, charakteryzującej się charakterystyczną elegancją proporcji i subtelnym wyczuciem przejść kolorystycznych.

W Nowogrodzie Wielkim w pierwszej połowie XII wieku. Podobno pracowali goście z Kijowa i nie tylko, a także zagraniczni mistrzowie-monumentaliści, a jednocześnie kładziono podwaliny pod miejscową szkołę artystyczną. Podobno nowogrodzcy artyści, wśród których znamy Stefana, Mikułę i Radko, brali udział w malowaniu soboru św. Zofii, podjętym w 1108 r. Malarstwo Stefana i jego towarzyszy koncentruje się na mozaikach i freskach kijowskiej Zofii. Postacie są majestatyczne i całkowicie nieruchome. Gesty są konwencjonalne i zamrożone. Proporcje są trochę ciężkie. Pismo jest sztywne, z tendencją do płaskiej interpretacji formy. Nie pozbawia to jednak obrazów wyrazistości i duchowego piękna.

W obrazie Katedry Narodzenia Pańskiego klasztoru Antoniego (1125) dominuje zupełnie inny styl, zewnętrznie bliski sztuce romańskiej i, w pewnym stopniu, bałkańskiej i wschodniochrześcijańskiej sztuce. Freski Antoniego malowane są w sposób szeroki i swobodny, w którym bujna malowniczość łączy się z ostrością liniowych cech, ujawniających niekiedy skłonność artystów do ornamentalizacji formy. Struktura obrazu jest wielowarstwowa, kolorystyka opiera się na kontrastach, jednak jasność lokalnych barw jest dobrze wyrównana i spajona transparentnymi barwami wierzchniej warstwy malarskiej. Możemy śmiało wierzyć, że w XI - pierwszej tercji XII wieku. Powstało wiele ikon najwyższej klasy.

4. Miniatura Kijowska

Całość obrazu dopełnia miniatura książkowa. Jednocześnie można stwierdzić, że to rosyjska świadomość twórcza zadecydowała o artystycznym wyglądzie miniatur najstarszego znanego kodeksu kijowskiego – Ewangelii Ostromirskiej, napisanej w latach 1056–1057. Diakon Grzegorz dla burmistrza Nowogrodu Ostromira. Szczególnie wyraźnie widać to w wizerunkach ewangelistów Marka i Łukasza, interpretowanych w płaski, dekoracyjny sposób za pomocą graficznego wzoru ubiorów, złotego wzoru wyznaczającego lokalną kolorystykę. Dzięki temu miniatury wyglądają jak cenne przedmioty wykonane z emalii cloisonné, ulubionej sztuki ówczesnych „złotników” kijowskich. Równie oryginalne w duchu są miniatury innego luksusowego rękopisu kijowskiego z XI wieku. - Izbornik Światosław (1073).

Wybitne dzieła nowogrodzkiej sztuki książkowej z początku XII wieku. są Ewangelie Mścisławowa i Jurijewskiego. Pierwsza z nich, spisana na polecenie syna Monomacha Mścisława przed 1117 r. i ukończona ostatecznie w 1125 r., ma za wzór Ewangelię Ostromirską. Porównanie miniatur ukazuje ich duże podobieństwo ikonograficzne, a jednocześnie różnicę w manierach stylistycznych. Twórca Ewangelii Mścisława skłania się ku wielkim formom i pisarstwu nowogrodzkich ikon i fresków, znanych nam z późniejszego okresu. Oprócz tego wykazuje duże zamiłowanie do jasności i różnorodności, pokrywając wszelkie dostępne powierzchnie najróżniejszymi ozdobami - scenami architektonicznymi, meblami, a nawet aureolami. Zupełnie inny wygląd artystyczny ma Ewangelia Juryjewa (1119–1128), napisana dla opata klasztoru Juryjew Kiriaka. Świadczy to o wysokiej kulturze graficznej mistrza, który potrafi stworzyć całą i kompletną kompozycję zdobniczą za pomocą jednobarwnego rysunku cynobrowego.

5. Rzeźba i sztuka użytkowa

W dekoracji kijowskich pałaców i świątyń poczesne miejsce zajmowała niegdyś rzeźba, a dokładniej płaskorzeźba w kamieniu. Niestety z dawnego bogactwa rzeźb kijowskich do naszych czasów zachowało się jedynie kilka płyt łupkowych z misternymi wzorami roślinnymi i kompozycjami fabularnymi oraz marmurowy sarkofag Jarosława Mądrego. Najbardziej interesujące są płaskorzeźby na płytach z czerwonego łupka, z czego dwie nawiązują do dekoracji kościoła Wniebowzięcia klasztoru Kijowsko-Peczerskiego lub jakiegoś budynku pałacowego, a dwie pozostałe najwyraźniej pochodzą z katedry klasztoru Demetriusza, zbudowanej autorstwa księcia Izyasława Jarosławicza w 1062 r. Pierwsza przedstawia sceny biblijne lub sceny z mitologii starożytnej (w szczególności Samsona lub Herkulesa walczącego z lwem), druga przedstawia świętych wojowników na koniach, m.in. patronów Izyasława i jego ojca Dmitrija z Salonik oraz Jerzego . Dzieła te prawdopodobnie wykonali miejscowi rzemieślnicy kijowscy, o czym świadczy unikalna technika (wysoki, ale płaski relief, przypominający snycerkę) i szczególna interpretacja obrazu artystycznego.

Bez względu na to, jak mało wiemy o wczesnej rzeźbie kijowskiej, należy zauważyć, że odegrała ona rolę w kształtowaniu narodowych tradycji rzeźbienia w kamieniu, które znakomicie rozwinęły się w sztuce ziem włodzimiersko-suzdalskich i galicyjskich.

Rozkwit młodej kultury i sztuki rosyjskiej w epoce państwa kijowskiego był zaskakująco burzliwy i jednocześnie organiczny. Wspaniałości kościołów w Kijowie, Czernihowie i Nowogrodzie, królewskiemu przepychowi mozaik i uroczystemu przepychowi ikon towarzyszyły równie znaczące osiągnięcia jubilerów, odlewników, mistrzów sztuk plastycznych i bukmacherstwa. Życie szlachty feudalnej udekorowały wybitne dzieła rzemiosła artystycznego: księgi pisane kaligrafią i iluminowane nakryciami głowy i inicjałami w stylu roślinno-geometrycznym, czasem w luksusowych, szlachetnych ramach, wizerunki rzeźbione w kamieniu, różnorodne wyroby złotnicze (wisiorki, tiary, bransoletki, inkrustowane paski, broń ceremonialna). Książęce pałace i świątynie wypełniały złote i srebrne naczynia, pokryte rytami, gonitwami lub niello oraz dziełami ażurowego odlewu. Sztuka emalii cloisonne osiągnęła wyżyny na Rusi Kijowskiej, której najbardziej złożona technika została utracona, gdy miasta południowej Rosji padły pod naporem Mongołów.

6. Rozwój sztuki na Rusi w X-XIII wieku.

Era X-XIII wieku to kolosalna era przejścia od początków nowej wiary do początków podboju tatarsko-mongolskiego, która miała niesamowity potencjał, kładąc podwaliny i stymulując wszechstronny rozwój oryginalnej, niezrównanej sztuki w Ruś. Jest to czas powstania i rozkwitu malarstwa, epickiego malarstwa ikonowego i do tego okresu należy przejście do budownictwa kamiennego w architekturze. Korzenie tego zjawiska tkwią w sztuce Bizancjum, która pod koniec X wieku wniosła na czystą Ruś gotową do przemian cały szereg tradycji i praktycznych doświadczeń.

W sztuce bizantyjskiej, uważanej w pierwszym tysiącleciu naszej ery za najdoskonalszą na świecie, malarstwo, muzyka i sztuka rzeźbiarska powstawały głównie według kanonów kościelnych, gdzie odcinano wszystko, co sprzeciwiało się najwyższym zasadom chrześcijańskim. Asceza i surowość w malarstwie (malowanie ikon, mozaika, fresk), wzniosłość, „boskość” modlitw i śpiewów greckiego kościoła, sama świątynia, stając się miejscem modlitewnej komunikacji między ludźmi - wszystko to było charakterystyczne dla sztuki bizantyjskiej. Jeżeli ten czy inny temat religijny i teologiczny został raz na zawsze ściśle ustalony w chrześcijaństwie, to jego wyraz w sztuce, zdaniem Bizantyjczyków, powinien był wyrazić tę ideę tylko raz na zawsze w ustalony sposób; artysta stał się jedynie posłusznym wykonawcą kanonów narzuconych przez Kościół.

I tak sztuka Bizancjum, kanoniczna w treści i genialna w wykonaniu, przeniesiona na ziemię rosyjską, zderzyła się z pogańskim światopoglądem Słowian Wschodnich, z ich radosnym kultem natury - słońca, wiosny, światła, z ich całkowicie ziemskimi ideami o dobru i złu, grzechach i cnotach. Od pierwszych lat bizantyjska sztuka sakralna na Rusi doświadczała pełnej mocy rosyjskiej kultury ludowej i ludowych idei estetycznych (jednokopułowa świątynia bizantyjska na Rusi została w XI wieku przekształcona w wielokopułową piramidę, będącą podstawą czyli rosyjska architektura drewniana). Podobnie było z malarstwem. Już w XI wieku. Ściśle ascetyczny sposób malowania ikon bizantyjskich pod pędzlem rosyjskich artystów przekształcił się w portrety bliskie życiu, chociaż ikony rosyjskie nosiły wszystkie cechy konwencjonalnej twarzy malarskiej.

Wraz z malarstwem ikon rozwijało się malarstwo freskowe i mozaiki. Później ukształtowała się nowogrodzka szkoła malarstwa. Jego charakterystycznymi cechami była przejrzystość pomysłu, realność obrazu, przystępność, a także bogactwo arcydzieł napisanych na ziemi nowogrodzkiej. Wystarczy przypomnieć na przykład słynne freski kościoła Zbawiciela na Neredicy koło Nowogrodu (koniec XII w.).

Szerokie rozpowszechnienie malarstwa ikonowego i malarstwa freskowego było także charakterystyczne dla Czernigowa, Rostowa, Suzdala, a później Włodzimierza nad Klyazmą, gdzie wspaniałe freski przedstawiające „Sąd Ostateczny” zdobiły katedrę św. Demetriusza.

Obraz

Obecnie po przejrzeniu dużej ilości literatury dość trudno jest znaleźć zachowane informacje na temat oryginalnego malarstwa staroruskiego. Niektóre kroniki odnotowują, że malarstwo istniało jeszcze przed chrztem, jednak miało ono formę z grubsza rzeźbionych reliefowych obrazów na ścianach budynków (chat), które następnie malowano improwizowanymi farbami (ochra, biel itp.).

Malarstwo staroruskie to jeden z najwyższych szczytów kultury światowej, największe duchowe dziedzictwo naszego narodu. Malarstwo staroruskie – malarstwo Rusi chrześcijańskiej – odgrywało w życiu społeczeństwa bardzo ważną i zupełnie inną rolę niż malarstwo nowożytne i ta rola determinowała jego charakter. Osiągnięta wysokość jest również nierozerwalnie związana z samym celem starożytnego malarstwa rosyjskiego. Ruś przyjęła chrzest od Bizancjum, a wraz z nim odziedziczyła ideę, że zadaniem malarstwa jest „ucieleśnianie słowa”, ucieleśnianie doktryny chrześcijańskiej w obrazach.

Przede wszystkim jest to Pismo Święte, Biblia („Biblia” po grecku - księgi) - księgi stworzone zgodnie z doktryną chrześcijańską pod natchnieniem Ducha Świętego. Pismo Święte składa się z Nowego Testamentu, który zawiera Ewangelię i kilka innych dzieł napisanych przez apostołów - uczniów Chrystusa, oraz Starego Testamentu, który zawiera księgi stworzone przez natchnionych proroków w epoce przedchrześcijańskiej.

Trzeba było jak najdokładniej ucieleśnić słowo, tę wspaniałą literaturę – wszak to wcielenie miało przybliżyć człowieka do prawdy tego słowa, do głębi wiary, którą wyznawał. Sztuka świata bizantyjskiego, prawosławnego - wszystkich krajów znajdujących się w strefie wpływów kulturowych i religijnych Bizancjum - rozwiązała ten problem, wypracowując głęboko unikalny zestaw technik, tworząc niespotykany i nigdy nie powtarzalny system artystyczny, który umożliwił ucieleśnienie słowo chrześcijańskie w niezwykle pełny i jasny sposób.obraz malowniczy.

„Obraz” po grecku to ikona. I już od czasów starożytnych zaczęto używać słowa „ikona” i nadal jest ono używane jako bezpośrednia nazwa poszczególnych niezależnych obrazów, zwykle zapisanych na tablicy, które stały się powszechne w malarstwie świata bizantyjskiego. Ale w szerokim znaczeniu ikoną, czyli obrazem ucieleśniającym słowo, jest wszystko, co tworzy to malarstwo: obrazy nierozerwalnie związane z samymi budynkami świątynnymi, mozaiki ułożone na ich ścianach z kostek szlachetnego szkła, freski namalowane na tynki pokrywające te ściany i miniatury zdobiące strony rękopiśmiennych ksiąg. Chcąc podkreślić cel i charakter malarstwa w świecie prawosławia bizantyjskiego, często używa się określenia „malarstwo ikonowe” w odniesieniu do całości malarstwa, a nie tylko do samych ikon.

Przez wiele stuleci malarstwo świata bizantyjskiego, prawosławnego, w tym starożytne malarstwo rosyjskie, przynosiło ludziom, niezwykle jasno i całkowicie ucieleśniając je w obrazach, duchowe prawdy chrześcijaństwa. I właśnie w głębokim objawieniu tych prawd malarstwo świata bizantyjskiego, w tym malarstwo starożytnej Rusi, tworzone przez niego freski, mozaiki, miniatury, ikony, nabrały niezwykłego, niespotykanego, niepowtarzalnego piękna.

Wśród sztuk pięknych Rusi Kijowskiej pierwsze miejsce zajmuje „malarstwo” monumentalne. Rosyjscy mistrzowie oczywiście przejęli system malowania kościołów z Bizancjum, a sztuka ludowa wpłynęła na starożytne malarstwo rosyjskie. Malowidła kościelne miały przekazywać podstawowe założenia doktryny chrześcijańskiej i służyć jako swego rodzaju „ewangelia” dla niepiśmiennych”. Mozaiki i freski św. Zofii Kijowskiej pozwalają wyobrazić sobie system malarstwa średniowiecznej świątyni. Mozaiki pokrywały najważniejszą w sensie symbolicznym i najbardziej oświetloną część świątyni – centralną „kopułę”, przestrzeń pod kopułą, „ołtarz” (Chrystus Pantokrator w kopule centralnej i Matka Boża Oranta15 w absydzie ołtarza). . Pozostałą część świątyni zdobią freski (sceny z życia Chrystusa, Matki Bożej, wizerunki kaznodziejów, męczenników itp.). Wyjątkowe są świeckie freski Zofii Kijowskiej: dwa zbiorowe portrety Jarosława Mądrego z rodziną oraz epizody z życia dworskiego (zawody na hipodromie, postacie bufonów, muzyków, sceny myśliwskie itp.).

Aby ściśle przestrzegać kanonu zabraniającego malowania z życia, malarze ikon używali jako próbek ikon starożytnych lub oryginałów ikonograficznych, wyjaśniających, które zawierały słowny opis każdego tematu ikonograficznego („Prorok Daniel Młody ma kręcone włosy, św. Jerzego, w kapeluszu, ubraniach o odcieniu błękitu, cynoberze górnym” itp.) lub maseczkowym, tj. ilustracyjny (kłusy są graficzną reprezentacją fabuły).

Ponieważ w tym okresie omówimy poniżej malarstwo ikonowe na Rusi, należy zauważyć, że zjawisko miniatur książkowych stało się szczególnym zjawiskiem starożytnego malarstwa rosyjskiego. Najstarszy rosyjski rękopis „Ewangelia Ostromirska” (1056-57) ozdobiony jest wizerunkami ewangelistów, których jasne, płaskie, nałożone na siebie postacie są podobne do; Apostołowie Zofii Kijowskiej. Wygaszacze ekranu są wypełnione fantastycznymi motywami kwiatowymi. Na miniaturach Ilustracji Światosława (1073) znajdują się wizerunki portretowe rodziny wielkoksiążęcej. Sztuka użytkowa i zdobnicza odegrała ogromną rolę w życiu Rusi Kijowskiej, w której szczególnie trwałe okazały się obrazy mitologii pogańskiej. Wczesna okrągła rzeźba kijowska nie rozwinęła się ze względu na walkę Kościoła z pogańskim bałwochwalstwem, ale odegrała rolę w kształtowaniu narodowych tradycji rzeźbiarskich w kamieniu.

Wchłonąwszy i twórczo przepracowując różnorodne wpływy artystyczne, Ruś Kijowska stworzyła system ogólnorosyjskich wartości, które zdeterminowały rozwój sztuki w kolejnych stuleciach.

Ikonografia X-XIII wieku.

Malarstwo ikonowe odgrywało ważną rolę w starożytnej Rusi, gdzie stało się jedną z głównych form sztuk pięknych. Najwcześniejsze starożytne ikony rosyjskie miały, jak już wspomniano, tradycje malarstwa ikon bizantyjskiego, ale bardzo szybko w Rosji powstały własne, charakterystyczne ośrodki i szkoły malowania ikon: Moskwa, Psków, Nowogród, Twer, księstwa środkowo-rosyjskie, „litery północne” itp. Pojawili się także ich własni rosyjscy święci i własne rosyjskie święta (Ochrona Najświętszej Maryi Panny itp.), Co wyraźnie znajduje odzwierciedlenie w malarstwie ikon.

Artystyczny język ikony od dawna jest zrozumiały dla każdego Rusi, ikona była księgą dla niepiśmiennych. Samo słowo „ikona” przetłumaczone z języka greckiego oznaczało obraz, obraz. Najczęściej odwoływali się do wizerunków Chrystusa, Matki Bożej i świętych, a także przedstawiali wydarzenia uważane za święte.

A jednak nawet w tym stanie malowniczy zespół Zofii Kijowskiej zadziwia wielkością i jednością projektu, ucieleśniającym świat idei średniowiecznego człowieka. Wygląd świętych na mozaikach Zofii Kijowskiej zbliżony jest do kanonu wypracowanego w malarstwie bizantyjskim: wydłużona owalna twarz, prosty długi nos, małe usta z wąską górną i pulchną dolną wargą, ogromne, szeroko otwarte oczy, surowy, często surowy wyraz twarzy. Jednak niektórzy święci, a zwłaszcza święci w absydzie, sprawiają wrażenie portretów. W ogóle, pomimo niepełnego zachowania, ranga świętego z echami portretu hellenistycznego na twarzach, z wyraźną konstruktywnością form i wyrafinowaniem kolorystycznym, jest jedną z najmocniejszych części dekoracyjnego zespołu.

Wiele dzieł malarstwa sztalugowego powstało w XI wieku. Paterikon kijowsko-peczerski zachował nawet imię słynnego rosyjskiego malarza ikon z XI - początku XII wieku. Peczerski mnich Alimpij, który studiował u greckich mistrzów. Współcześni mówili o mnichu-malarzu, że „był bardzo sprytny w malowaniu ikon”, a malowanie ikon było głównym środkiem jego istnienia. Ale zarobione pieniądze wydał w bardzo wyjątkowy sposób: z jednej części kupił wszystko, co było potrzebne do jego rzemiosła, drugą rozdał biednym, a trzecią przekazał klasztorowi Peczerskiemu. Większość dzieł z tego okresu do nas nie dotarła.

Ikony mistrzów Włodzimierza-Suzdala z XII wieku. stały się znane w ostatnich latach po ich zatwierdzeniu przez Centralne Państwowe Warsztaty Restauracyjne. Niektóre ikony nadal bardzo przypominają stylem zabytki kijowskie z XI wieku. Do takich ikon zalicza się rozciągnięta poziomo ikona z wizerunkiem „Deesis” z moskiewskiej katedry Wniebowzięcia w kształcie ramienia (Chrystusa, Matki Bożej i Jana Chrzciciela). Z kijowskimi tradycjami artystycznymi związana jest także słynna Jarosław Oranta, która przybyła do Jarosławia z Rostowa. Monumentalna, majestatyczna postać oranty w proporcjach przypomina postacie z kijowskich mozaik. Przywieziona z miasta Dmitrowa monumentalna, uroczysta ikona Dmitrija z Tesaloniki (z XII w.) swoją idealną poprawnością, symetrią i „rzeźbiarskim” modelowaniem bardzo jasnej twarzy przypomina orantę jarosławską. Najwyraźniej ikona Jerzego z końca XII do początków XIV wieku również należy do szkoły Włodzimierza-Suzdala. Artysta stworzył tu także wizerunek wojownika, tyle że młodszego, o pięknej, wyrazistej twarzy. Aby uzyskać pełniejszy opis malarstwa przedmongolskiego Władimira-Suzdala, należy zatrzymać się na jednej ikonie z końca XII wieku, która znacznie różni się od wszystkich poprzednich. Jest to ikona Matki Bożej Białozerskiej, będąca swego rodzaju przeróbką typu Matki Bożej Włodzimierskiej. Ikona, stworzona na północnych obrzeżach ziemi włodzimiersko-suzdalskiej przez artystę ludowego, wyróżnia się monumentalnością i głęboko emocjonalną interpretacją wizerunku pogrążonej w żałobie matki. Szczególnie wyrazisty jest wyraz wielkich oczu wpatrzonych w widza i boleśnie wykrzywionych ust. Na obrazie Chrystusa – młodzieńca, o brzydkiej twarzy, dużym czole, cienkiej szyi i długich nogach, obnażonych do kolan, widać cechy obserwacji życia, ostro uchwycone detale. Cały obraz jako całość wyróżnia się płaskością i kanciastością wzoru. Ikona wykonana jest na srebrnym tle w powściągliwej i ponurej palecie. Na jego niebieskich polach znajdują się medaliony z sięgającymi do piersi wizerunkami świętych o rosyjskich twarzach, zapisanymi w szerszym obrazowym stylu na różowym i niebieskim tle.

W związku z rozbiciem księstwa Włodzimierza-Suzdala na szereg małych księstw, w głównych miastach tych księstw zaczęły powstawać lokalne szkoły, częściowo kontynuując tradycje malarstwa Włodzimierza-Suzdala (Jarosław, Kostroma, Moskwa, Rostów, Suzdal itp.).

Mówiąc o procesie tworzenia ikony, należy zwrócić uwagę na dużą złożoność i subtelność dzieła. Na początek umiejętnie dobrano deskę (najczęściej lipową), na której powierzchnię nałożono gorący klej rybny (przygotowany z bąbelków i chrząstek jesiotra) i szczelnie przyklejono nowe płótno-poduszkę. Na zasłonę nakładano w kilku etapach gesso (podstawę do malowania), przygotowane z rozdrobnionej kredy, wody i kleju rybnego. Gesso wysuszono i wypolerowano. Starorosyjscy malarze ikon używali naturalnych barwników - lokalnych miękkich glin i twardych kamieni szlachetnych sprowadzonych z Uralu, Indii, Bizancjum i innych miejsc. Do przygotowania farb kamienie kruszy się na proszek, dodaje się spoiwo, najczęściej żółtko, a także gumę (rozpuszczalna w wodzie żywica akacjowa, śliwkowa, wiśniowa, śliwkowa wiśniowa). Malarze ikon gotowali schnący olej z oleju lnianego lub makowego, którym pokrywali malowanie ikon.

Niestety, starożytne ikony dotarły do ​​nas w znacznym stopniu zmienione. Oryginalne, piękne malowidło przykryte zostało warstwą wysychającego oleju, przyciemnioną przez czas, którą w średniowieczu pokrywano gotową ikonę, a także kilkoma warstwami późniejszych renowacji ikony.

Wśród najwcześniejszych ikon nowogrodzkich, które do nas dotarły, znajdują się arcydzieła o światowym znaczeniu. Takim na przykład jest „Złotowłosy anioł”, napisany prawdopodobnie pod koniec XII wieku. Najprawdopodobniej jest to fragment zamówienia Deesis. Głęboka duchowość smutnej twarzy o wielkich oczach sprawia, że ​​wizerunek ikony jest urzekająco piękny. Cóż za wysokie, czyste piękno w tym niezapomnianym obrazie! Pieczęć Bizancjum jest nadal wyraźna, a w pięknej owalnej twarzy z delikatnym rumieńcem pod falowanymi włosami, obszytymi złotymi nitkami, błyszczy coś iście helleńskiego. Ale smutek w oczach, tak promienny i głęboki, cała ta słodka świeżość, całe to ekscytujące piękno, czyż nie jest już odbiciem rosyjskiej duszy, gotowej urzeczywistnić swój szczególny los poprzez swoje tragiczne próby?

Cechy tradycji artystycznej Kijowa zachowały się do dziś w wielu ikonach z XII i początków XIII wieku, pochodzących głównie z Nowogrodu. To „Zbawiciel nie stworzony rękami” (twarz Chrystusa przedstawiona na tablicy) z katedry Wniebowzięcia na Kremlu moskiewskim (XII wiek). Ikona ta cieszyła się w Nowogrodzie szczególną czcią i była obrazem uwielbionym. Świadczy o tym jeden z rękopisów nowogrodzkich z XIII wieku (prolog Zacharyjewskiego). Surowa twarz Chrystusa z wielkimi oczami jest pomalowana w oliwkowożółte odcienie. Jej powściągliwość ożywiają rumieńce na policzkach, a także czole i konturze nosa, jej różnie wygięte brwi nadają twarz Chrystusa

Szczególna wyrazistość, podobnie jak asymetria i krzywizna linii, nadają nowogrodzkim kościołom szczególną plastyczną wyrazistość.

Głównym, centralnym obrazem całej starożytnej sztuki rosyjskiej jest wizerunek Jezusa Chrystusa Zbawiciela, jak go nazywano na Rusi. Zbawiciel (Zbawiciel) - to słowo absolutnie trafnie wyraża ideę religii chrześcijańskiej na jego temat. Uczy, że Jezus Chrystus jest Człowiekiem, a zarazem Bogiem i Synem Bożym, który przyniósł rodzajowi ludzkiemu zbawienie.

Tradycyjnie na dowolnym jego wizerunku umieszczano po obu stronach głowy IC XC – słowne określenie jego osobowości, skrót jego imienia – Jezus Chrystus („Chrystus” po grecku – Namaszczony, Wysłannik Boży). Również tradycyjnie głowy Zbawiciela otoczone są aureolą – kołem, najczęściej złotym – symbolicznym obrazem emanującego z niego światła, światła wiecznego, dlatego przybiera ono okrągły, niemający początku kształt. Ta aureola, na pamiątkę ofiary, jaką złożył za ludzi na krzyżu, jest zawsze wyłożona krzyżem.

Bardzo ważnym i rozpowszechnionym typem przedstawienia Zbawiciela w starożytnej sztuce rosyjskiej był typ zwany „Zbawicielem Wszechmogącym”. Pojęcie „Wszechmogącego” wyraża podstawową ideę chrześcijańskiej doktryny o Jezusie Chrystusie. „Zbawiciel Wszechmogący” to półpostaciowy wizerunek Jezusa Chrystusa w lewej ręce z Ewangelią – znakiem nauczania, które niósł na świat – a prawą ręką, prawą ręką, uniesioną w geście błogosławieństwa skierowanym do ten świat. Ale nie tylko te ważne atrybuty semantyczne łączą obrazy Wszechmogącego Zbawiciela. Artyści, którzy je stworzyli, starali się szczególnie kompleksowo nadać obrazowi Jezusa Chrystusa boską moc i wielkość.

Mozaikowy obraz Zbawiciela Pantokratora dotarł do nas w kopule jednego z najstarszych kościołów – katedry Hagia Sophia w Kijowie (1043-1046).

Z tymi samymi atrybutami Pana świata, co Zbawiciel Wszechmogący, z Ewangelią w lewej ręce i prawą ręką wzniesioną w błogosławieństwie, Jezus Chrystus był także przedstawiany w popularnych kompozycjach „Zbawiciel na tronie”. O jego władzy królewskiej świadczyło tu samo zasiadanie na tronie (tronie). Na tych obrazach było szczególnie jasne, że Pan świata jest także jego sędzią, gdyż „zasiadając na tronie”, Zbawiciel dokona swego ostatecznego sądu nad ludźmi i światem.

Malarstwo freskowe i mozaikowe

Wraz z malarstwem ikon rozwijało się malarstwo freskowe i mozaiki. W tłumaczeniu z języka włoskiego słowo „fresco” oznacza „świeży”, „surowy”. Jest to malowanie na wilgotnej otynkowanej ścianie farbami rozcieńczonymi wodą. Po wyschnięciu wapno ściśle przylega do warstwy farby. Można pisać także na suszonym tynku wapiennym. Następnie ponownie zwilża się, a farby miesza się wcześniej z wapnem.

Artyści malowali ściany katedr, świątyń i kościołów. Malowanie świątyni rozpoczęło się zaledwie rok po jej budowie. Dokonano tego, aby ściany dobrze wyschły. Malowanie rozpoczynano zwykle wiosną i starano się je ukończyć w ciągu jednego sezonu.

Malowidła starożytnych rosyjskich katedr i kościołów wyróżniają się wyjątkową oryginalnością. W słynnej katedrze św. Zofii w Kijowie wizerunki świętych i sceny z ich życia są monumentalne i majestatyczne. Freski katedry św. Zofii ukazują styl pisania lokalnych mistrzów greckich i rosyjskich, ich przywiązanie do ludzkiego ciepła, integralności i prostoty. Na ścianach katedry można zobaczyć wizerunki świętych, rodziny Jarosława Mądrego oraz wizerunki rosyjskich bufonów i zwierząt.

Równie wyjątkowy styl, przejawiający się w surowym pięknie i powściągliwości nowogrodzkich fresków, rozwija się w Nowogrodzie.

Freski katedry św. Zofii w Kijowie ukazują styl pisania lokalnych mistrzów greckich i rosyjskich, ich przywiązanie do ludzkiego ciepła, integralności i prostoty. Na ścianach katedry widzimy wizerunki świętych, rodziny Jarosława Mądrego oraz wizerunki rosyjskich bufonów i zwierząt. Piękne obrazy ikon, freski i mozaiki wypełniały inne kościoły w Kijowie. Mozaiki klasztoru św. Michała o Złotych Kopułach z przedstawieniami apostołów i świętych, którzy utracili bizantyjską surowość, znane są z dużej siły artystycznej: ich twarze stały się bardziej miękkie i zaokrąglone.

Mozaiki z katedry św. Michała Monasteru o Złotych Kopułach w Kijowie pochodzą z 1112 roku (obecnie znajdują się w górnych pomieszczeniach katedry św. Zofii). Ogólny system dekoracji wnętrz katedry był oczywiście zbliżony do Sofii, ale charakter obrazów był nieco inny. Tym samym w scenie „Eucharystii” figury nie mają ciężkości charakterystycznej dla mozaik sofijskich. Apostołowie są wyżsi, szczuplejsi, ich ruchy są swobodniejsze, ich pozy są rozluźnione, ich twarze są bardziej wydłużone, ich oczy są mniej duże, ich spojrzenie jest spokojniejsze, pozbawione jest tego niemal magicznego napięcia, które emanuje z ogromnej, szerokiej -otwarte oczy sofijskich mozaik.

Św. Demetriusz z Tesaloniki na mozaice klasztoru św. Michała o Złotych Kopułach jest przedstawiony w całej okazałości w postaci młodego wojownika z mieczem (obraz znajdował się po wewnętrznej stronie łuku ołtarza). Przepych ubioru w połączeniu z władczą pozą nadaje Dmitrijowi podobieństwo do dumnego i energicznego kijowskiego księcia-wojownika. Został zabity za panowania cesarza Dioklecjana za przywiązanie do chrześcijaństwa i był czczony jako patron wojska i patron Słowian. Dmitry siedzi na tronie z na wpół obnażonym mieczem. Na tym tronie znajduje się znak Wsiewołoda Wielkiego Gniazda. Całym swoim wyglądem Dmitrij z Salonik niejako uosabia księcia-rycerza, wezwanego do stworzenia sprawiedliwej sprawiedliwości i ochrony swojego ludu. Ma bardzo wyrafinowaną kolorystykę, składającą się z kombinacji delikatnych różowych i zielonych kolorów odzieży z obfitą złotą zbroją.

Podobne dokumenty

Studium historycznej drogi chrystianizacji Rusi, ustalenie przyczyn, okoliczności i konsekwencji tego faktu historycznego. Cechy charakterystyczne pogaństwa i chrześcijaństwa, cechy współistnienia dwóch religii, ich wpływ na światopogląd.

test, dodano 07.05.2012


Rola miast Rusi Kijowskiej jako ośrodków powstawania i rozwoju kultury rosyjskiej. Interakcja chrześcijaństwa i pogaństwa na etapie kształtowania się nowej starożytnej kultury rosyjskiej. Rozwój pisarstwa, literatury, sztuki i architektury na Rusi Kijowskiej.

test, dodano 03.02.2017


Powstanie cywilizacji rosyjskiej i przesłanki powstania państwa staroruskiego. Przyjęcie chrześcijaństwa jako najważniejszy czynnik wzmocnienia państwa kijowskiego. Kryzys starożytnej państwowości rosyjskiej, przyczyny osłabienia i upadku Rusi Kijowskiej.

streszczenie, dodano 04.06.2012


Przesłanki i przyczyny powstania państwa staroruskiego, etapy jego powstawania. Przyjęcie chrześcijaństwa przez Rosję. Wpływ tego wydarzenia na historyczne losy państwa. Powstanie i rozwój starożytnego prawa rosyjskiego, jego znaczenie historyczne.

streszczenie, dodano 24.01.2008


Rozkwit sztuki jubilerskiej na starożytnej Rusi w epoce Jarosława Mądrego i Włodzimierza Monomacha. Najsłynniejsze zabytki starożytnej rosyjskiej sztuki jubilerskiej. Słynna „hrywna czernihowska”, kolta ze skarbu Michajłowskiego, hełm Jarosława Wsiewołodowicza.

prezentacja, dodano 04.02.2014


Bogactwo form artystycznych krajów Azji Południowo-Wschodniej, wpływ buddyzmu, hinduizmu i islamu na ich rozwój. Oryginalne obrazy artystyczne Indii, Chin i Japonii, początki kultury i sztuki, style architektoniczne i gatunki malarskie.

streszczenie, dodano 01.07.2009


Przywrócenie Babilonu. Główne cechy sztuki, architektury, religii, nauki i literatury narodu asyryjskiego. Budowa instytucji rządowych, tsiguratu, masywnych budynków tarasowych, pałacu Aszurnasirpala (Nimrud) w królestwie asyryjskim.

prezentacja, dodano 03.04.2015


Totemizm, mitologia jako jedna z form religii pierwotnej. Pochówki neolityczne w północnym Kazachstanie. Paleolit: pojawienie się malarstwa, rzeźby, ryciny, zdobnictwa. Kunszt, wyrazistość, emocjonalne zabarwienie sztuki paleolitu.

test, dodano 26.04.2009


Formacja militarna Rusi Kijowskiej, wkład Normanów w rozwój spraw wojskowych. Organizacja armii rosyjskiej, jej uzbrojenie, szkolenie wojskowe i edukacja. Strategia i taktyka prowadzenia wojny i walki. Pisemne pomniki o sztuce wojennej.

praca na kursie, dodano 06.04.2011


Studium pogaństwa starożytnych Słowian. Ocena cech chrystianizacji narodów słowiańskich Europy. Studium przesłanek chrztu i chrystianizacji Rusi Kijowskiej. Analiza reakcji pogaństwa na chrystianizację Rusi: opór czynny i bierny.

Kościół Bolesnych Andreevka (Szmitowo). Zdjęcie: Siergiej Sinenko

STAROŻYTNA SZTUKA ROSYJSKA, sztuka starożytnej Rusi, a także sztuka zgodna z tradycjami starożytnej Rosji. Wchłonąwszy tradycje kultury wschodniosłowiańskiej i zaawansowane doświadczenia sztuki Bizancjum i krajów bałkańskich, sztuka starożytnej Rosji stworzyła wybitne zabytki architektury kościelnej i świeckiej, wspaniałe mozaiki, freski, ikony, miniatury, płaskorzeźby, przedmioty dekoracyjne i liczne kościoły pieśni różnych gatunków.

We wsi kościół Wniebowstąpienia Pańskiego wybudowany w 1906 roku. Wozniesienka

W regionie reprezentują ją przede wszystkim zabytki architektury sakralnej, a także próbki malarstwa ikonowego przechowywane w kościołach i ikonostasach domowych, a także w muzeum im. M.V. Niestierowa oraz w zbiorach prywatnych. Sztuka staroruska obejmuje także tradycje muzyki kościelnej, zachowane w praktyce kultu prawosławnego.

We wsi kościół św. Mikołaja. Kagi zbudowany w latach 90. XIX wieku. Świątynia na wysokim wzniesieniu nad wsią jest widoczna zewsząd, dzięki korzystnemu położeniu i imponującym rozmiarom dominuje nad otaczającą przestrzenią. Ważne jest odtworzenie pierwotnego wyglądu świątyni, przywrócenie dzwonnicy

Więcej informacji znajdziesz w artykule: Sztuka staroruska – „Sztuka. Nowoczesna ilustrowana encyklopedia.” wyd. prof. Gorkina A.P.; M.: Rosman; 2007.)

Sztuka staroruska to średniowieczny okres w historii sztuki rosyjskiej, który trwał od powstania państwa Rusi Kijowskiej do reform Piotra Wielkiego (IX-XVII w.). Powstał w wyniku połączenia tradycji wschodniosłowiańskiej sztuki pogańskiej i bizantyjskiej kultury chrześcijańskiej, której dziedzictwo aktywnie rozwijało się po chrzcie Rusi (988).

Historię starożytnej sztuki rosyjskiej dzieli się zwykle na dwa etapy: sztukę Rusi Kijowskiej (IX – połowa XIII w.) i sztukę kształtowania się państwa moskiewskiego (XIV – XVII w.). Z kolei w kulturze artystycznej Rusi Kijowskiej wyróżnia się okresy: przedchrześcijański, związany z powstaniem potęgi Ruryków (IX – koniec X w.); wejście w sferę bizantyjskiej kultury chrześcijańskiej – od chrztu Rusi (988) do końca panowania księcia Włodzimierza Monomacha (1125); rozwój sztuki w księstwach okresu rozdrobnienia feudalnego, przerwanego najazdem Batu w 1237 r. (XII - początek XIII w.).

Z okresu przedchrześcijańskiego zachowały się głównie dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej, świadczące o wysokim poziomie rozwoju rzemiosła artystycznego (rogi turowe ze srebrnymi intarsjami w stylu zwierzęcym z Czarnego Grobu w Czernihowie, X w.). Będąc poganami, starożytni Słowianie czcili elementy przyrody. Obrazy mitologiczne - wcielenia żywiołów (obrazy słońca, konia, ptaka, kwiatu itp.) Zachowały się do dziś w sztuce ludowej. Słowianie budowali świątynie (sanktuaria), w których wznosili bożki (rzeźby kamienne lub drewniane) czczonych bogów: Peruna, Chorsy, Striboga, Simargla, Mokoszy itp. Świątynie mogły mieć kształt owalny (Kijów ok. 980 r.) lub wielokrotny -płatkowe, związane z symboliką słońca (Peryn k. Nowogrodu).

Chrzest Rusi umocnił więzi Rusi z krajami świata chrześcijańskiego, a przede wszystkim z Bizancjum; wzbogacił sztukę rosyjską o nowe obrazy i techniki techniczne. Przybycie na Ruś wielu mistrzów bizantyjskich przyczyniło się do szybkiego rozwoju architektury (zwłaszcza architektury świątynnej), malarstwa ikonowego i miniatur książkowych. Drewniane kościoły chrześcijańskie budowano już w 989 r.; Pierwszą dużą murowaną świątynią w Kijowie był dworski kościół dziesięciny (990–996), wzniesiony według architektów bizantyjskich (niezachowany). Wybitnym zabytkiem architektury tego okresu jest sobór św. Zofii (Mądrości Bożej) w Kijowie (ufundowany w 1037 r. przez księcia Jarosława Mądrego) – ogromny, pięcionawowy kościół kopułowy z dwiema wieżami schodowymi, otoczony z trzech po bokach dwukondygnacyjnymi emporami i zwieńczony 13 kopułami. Poświęcenie katedry św. Zofii podkreśliło ciągłość z centrum świata prawosławnego - kościołem św. Zofii w Konstantynopolu. Podobnie jak w budownictwie bizantyjskim, jako materiał budowlany zastosowano cokół - szerokie i płaskie wypalane cegły o niemal kwadratowym kształcie. Świątynię kijowską zdobiły mozaiki i freski (lata 40. XI w.) wykonane przez mistrzów bizantyjskich i ich rosyjskich uczniów. Uroczysty i majestatyczny mozaikowy obraz Matki Bożej Oranty (Modlącej się) w centralnej absydzie otrzymał na Rusi nazwę „Mur Niezniszczalny”. Na początku. XII wiek Surową powagę malowniczej dekoracji Zofii Kijowskiej zastępują wizerunki bardziej wyrafinowane i kontemplacyjne (mozaiki i freski klasztoru św. Michała o Złotych Kopułach w Kijowie, ok. 1113). Za panowania Włodzimierza Monomacha na Ruś sprowadzono ikonę Matki Bożej Włodzimierskiej – wybitny zabytek bizantyjskiego malarstwa ikonowego, który stał się wzorem dla rosyjskich mistrzów. W okresie zapoznawania się z kulturą chrześcijańską miasta rozrastały się. Świątynie z przełomu XI – XII wieku. w Kijowie, Czernihowie, Perejasławiu i innych miastach stają się mniejsze, ich formy architektoniczne są gładsze, a przestrzeń wewnętrzna jest bardziej spójna i widoczna. Największym ośrodkiem życia artystycznego był Nowogród, gdzie w XII wieku. Ukształtował się rząd demokratyczny (faktyczna władza nie należała do księcia, ale do burmistrza, bojarów i kupców oraz rady ludowej). Nowogrodzka kultura artystyczna, odzwierciedlająca gusta szerokich warstw obywateli, wyróżniała się większą prostotą, ścisłym lakonizmem form w architekturze (Sobór św. Zofii, 1045-50; Katedra św. Mikołaja na Dworze Jarosławia, 1113; Katedra św. Jerzego św. klasztor św. Jerzego, 1119), obrazy pełnokrwiste, skale kontrastów kolorystycznych w malarstwie monumentalnym i ikonicznym. Wszędzie rozpowszechniła się umiejętność czytania i pisania, kwitła sztuka zdobienia rękopiśmiennych ksiąg (Ewangelia Ostromirska, stworzona dla burmistrza Nowogrodu Ostromira, 1056-57) i rzemiosło artystyczne.

Na początku. XII wiek W ramach zjednoczonej tradycji kijowskiej ukształtowały się przesłanki rozwoju lokalnych szkół artystycznych. Rola ośrodka kulturalnego przeszła z osłabionego Kijowa na Ruś Włodzimierzsko-Suzdalską. Architekci Włodzimierza wznieśli kościoły z białego kamienia. Za księcia Andrzeja Bogolubskiego zbudowano katedrę Wniebowzięcia we Włodzimierzu (1189), kościół wstawiennictwa Najświętszej Marii Panny nad Nerlem (1165) i wspaniałe kamienne dwory książęce w Bogolubowie (1158-65). Wnętrza ozdobiono freskami i ikonami w złotych ramach, szwalniami (tkaniny haftowane) i cennymi naczyniami. Charakterystyczną cechą architektury Włodzimierza-Suzdala był rzeźbiony wystrój rzeźbiarski. Ściany katedry Dmitriewskiej we Włodzimierzu (1194-97), katedry św. Jerzego w Juriewie-Polskim (1230-34) zostały całkowicie pokryte rzeźbionymi płaskorzeźbami, tworząc wrażenie wzorzystej tkaniny rzuconej na kamienne masy budynków. W Nowogrodzie w drugiej połowie. XII wiek wyłania się typ małego, jednokopułowego kościoła sześciennego z obniżonymi bocznymi absydami i klatką schodową w grubości muru prowadzącą na chór (Kościół Zbawiciela na Neredicy, 1198). Malarstwo nowogrodzkie z XII wieku. wyróżnia się wzmożoną emocjonalnością, a czasem dramatyzmem (freski kościoła św. Jerzego w Starej Ładodze, ok. 1165; Kościół Zbawiciela na Neredicy, 1199 itd.). Prawie wszystkie zachowane ikony pochodzą z XII poł. 13 wiek („Zbawiciel nie wykonany rękami z uwielbieniem krzyża”, „Anioł o złotych włosach”; oba – koniec XII w.; „Wniebowzięcie”, początek XIII w. itp.) pochodzą z Nowogrodu (ikony innych księstw były zaginiony).

W latach 1237-38. Prawie wszystkie rosyjskie miasta zostały zdewastowane przez hordy Batu, ludność została eksterminowana, kościoły spalono, kosztowności zniszczono, rzemieślników wywieziono do obcych krajów. Losowi temu uniknęły jedynie Nowogród i Psków, które stały się ośrodkami, w których gromadziły się ocalałe siły twórcze. w kon. 14 wiek W Nowogrodzie pracował jeden z największych mistrzów tamtej epoki, pochodzący z Bizancjum, Teofan Grek. Tworzone przez niego obrazy przepojone są tragiczną duchowością (fresk Kościoła Zbawiciela przy ulicy Iljina, 1378). Dzieło Teofanesa Greka wywarło wpływ na mistrzów Nowogrodu i Moskwy.

W XIV wieku Moskwa, gdzie panowali potomkowie Aleksandra Newskiego, stała się ośrodkiem gromadzenia ziem rosyjskich. Dla jego powstania wiele zrobił metropolita Piotr (1308-26), przenosząc swoją rezydencję do Moskwy z Włodzimierza, który nadal był nominalnie uważany za stolicę Rusi. Założona przez Piotra i ukończona przez księcia Iwana Kality Katedra Wniebowzięcia na Kremlu moskiewskim (1475-79) była jedną z pierwszych kamiennych budowli kontynuujących tradycje architektury z białego kamienia Włodzimierza-Suzdala (nie zachowała się). Aktywną budowę prowadzono za panowania metropolity Aleksego (1354–78) pod rządami książąt Dmitrija Donskoja i jego syna Wasilija Dmitriewicza (białe kamienne mury Kremla, 1367–68; katedra klasztoru Chudov, 1365). Cerkiew Narodzenia Najświętszej Marii Panny na Kremlu (1393), Katedra Wniebowzięcia „Na Gorodku” w Zvenigorodzie (ok. 1400) to małe, jednokopułowe kościoły sześcienne, charakteryzujące się wdzięcznymi proporcjami i szlachetną powściągliwością. Katedra klasztoru Andronikowa w Moskwie (pierwsza tercja XV wieku) ma kształt piramidy, co podkreślają zwężające się ku górze rzędy kokoszników. Osiąga swój najwyższy rozkwit w XV wieku. malarstwo w twórczości Andrieja Rublowa. W 1405 roku moskiewski malarz ikon ozdobił Sobór Zwiastowania na Kremlu moskiewskim wraz z Teofanem Grekiem. W przeciwieństwie do szaleńczo namiętnej i tragicznej sztuki bizantyjskiego mistrza, twórczość Andrieja Rublowa przepojona jest cichą, modlitewną kontemplacją i delikatnym, jasnym smutkiem. Na jego ikonach i freskach świat na górze (niebiański) i świat na dole (ziemski) po raz pierwszy ukazały się w nierozerwalnej duchowej jedności. W ikonie „Trójca” (lata dwudzieste XIV w.) z całą mocą usłyszano ideę harmonii i jedności, tak ważną w epoce bitwy pod Kulikowem. Malarze z kręgu Teofanesa Greka tworzyli bogato ilustrowane rękopiśmienne księgi liturgiczne (Ewangelia Chitrowo; niektóre miniatury mogły być autorstwa Andrieja Rublowa lub bliskich mu mistrzów). Twórczość Andrieja Rublowa wywarła ogromny wpływ na malarstwo moskiewskie nie tylko XV wieku, ale także stuleci kolejnych.

W roku 1480, za panowania Iwana III, nastąpiło ostateczne wyzwolenie spod jarzma tatarsko-mongolskiego. Moskwa zamieniała się w stolicę potężnego państwa. Widocznym ucieleśnieniem nowej roli Moskwy jako wielkiej potęgi europejskiej był wspaniały zespół zabudowy Placu Katedralnego, murów i wież Kremla moskiewskiego, powstały na przełomie XV–XVI w. Architekci rosyjscy i włoscy. W środowisku metropolitalnym powstała wyrafinowana i oświecona sztuka Dionizego, który ozdobił ikonami katedrę Wniebowzięcia Kremla Moskiewskiego i stworzył wspaniałe zespoły fresków w rejonie Jeziora Białego (malowidła ścienne klasztoru Ferapontow, 1502). Kwitnie sztuka dekoracyjna i użytkowa. Przedstawiciele rodów książęcych i bojarskich zamawiali u rzemieślników haftowane całuny, rzeźbione i cenne przybory, które stały się cennym darem dla klasztorów i kościołów.

W XVI wieku wzniesiono w Moskwie kościoły namiotowe (kościół Wniebowstąpienia w Kołomieńsku, 1532). Wybitnym zabytkiem epoki była sobór św. Bazylego na Placu Czerwonym w Moskwie (1555-61). Do malowania ikon z XVI wieku. charakteryzuje się bogatą, opalizującą kolorystyką, bogactwem szczegółów i szczegółową narracją („Kościół Wojujący”, lata 50. XVI w., poświęcony zwycięstwu armii rosyjskiej pod Kazaniem). Zamiłowanie do wdzięku i luksusu znajduje odzwierciedlenie w licznych dziełach sztuki dekoracyjnej i użytkowej oraz w dekoracji książek. W 1564 r. Iwan Fiodorow opublikował pierwszą rosyjską drukowaną książkę „Apostoł”.

W XVII wieku Izba Zbrojowni stała się ośrodkiem produkcji artystycznej państwa moskiewskiego, gdzie pracowali najlepsi mistrzowie rosyjscy i zagraniczni, wśród których najsłynniejszy był S. F. Uszakow. W kulturze XVII w. Nasiliła się zasada świecka, pojawiło się zainteresowanie naukową wiedzą o świecie. Wiek ten stał się erą przejściową do sztuki New Age. Parsunowie wyróżniają się unikalnym połączeniem starożytnych tradycji i nowych trendów - pierwszymi wizerunkami portretów w sztuce rosyjskiej (członków rodziny królewskiej i bojarów), stworzonymi techniką malowania ikon. W XVIII wieku, kiedy w kulturze rosyjskiej całkowicie dominowały tendencje świeckie, tradycje i obrazy starożytnej sztuki rosyjskiej przez długi czas zachowały się na rozległych rosyjskich prowincjach.

STAROŻYTNA SZTUKA ROSYJSKA

Sztukę staroruską nazywa się zwykle okresem w historii sztuki rosyjskiej, który rozpoczął się wraz z pojawieniem się państwa kijowskiego i trwał aż do reform Piotra (od IX do XVII wieku). W tysiącletniej historii sztuki rosyjskiej okres ten obejmuje ponad siedem wieków.

Sztuka staroruska charakteryzuje pierwszy etap rozwoju artystycznego narodu rosyjskiego. Ale nie można tego uważać za próg, za prehistorię sztuki rosyjskiej. Najpierw zidentyfikowano cechy, które później stały się istotnymi cechami rosyjskiej twórczości artystycznej. Cechy te są na tyle wyraźne, że już na tym wczesnym etapie możemy mówić o jego oryginalności.

Sztuka staroruska rozwinęła się w okresie powstawania i rozkwitu feudalizmu w Rosji. Państwo feudalne niezmiennie opierało się na autorytecie Kościoła, postrzegając religię jako jeden ze sposobów umacniania istniejącego porządku społecznego. W związku z tym sztuka, podobnie jak cała kultura duchowa tamtych czasów, została powołana do służenia Kościołowi. Tematyka i tematyka sztuk pięknych była przeważnie religijna, główny cel malarstwa był kultowy, kościelny, a sam charakter wypowiedzi artystycznej naznaczony był cechami religijności średniowiecznej.

Jednak na starożytnej Rusi rozwinęła się także sztuka ludowa obca cerkwi. W społeczeństwie feudalnym jego przejawy ograniczały się do użytku dekoracyjnego i codziennego. Jednak motywy afirmującego życie święta, zdrowej radości, niczym echa pieśni ludowych i poezji ludowej, przeniknęły do ​​sztuki kościelnej, wypierając lub osłabiając charakterystyczny dla niej surowy, ascetyczny nastrój. Sztuka wykraczała poza wąskie zadania kościelne i odzwierciedlała różnorodne aspekty życia narodu rosyjskiego. Bajeczne, półfantastyczne obrazy starożytnej sztuki rosyjskiej zawierają głębokie znaczenie życiowe, filozoficzne i poetyckie.

Początkowy okres rozwoju starożytnej sztuki rosyjskiej wyznacza sztuka wschodnich Słowian. Zajmowali się rolnictwem, czcili bóstwa, które uosabiały siły natury i tworzyli wizerunki tych bogów - tak zwane bożki. Wiele motywów mitologicznych, takich jak wizerunki pramatki-patronki klanu, świętych koni i ognistego ptaka, na stałe wpisało się w świadomość powszechną i zostało pieczołowicie utrwalonych w chłopskich haftach i rzeźbieniach do dnia dzisiejszego. Straciły jednak swoje pierwotne znaczenie i zamieniły się w zabawną bajkę, motyw o skomplikowanym wzorze.

Haft słowiański pierwotnie służył jako talizman.
Każdy element ozdoby ma swoje magiczne znaczenie

Haft słowiański pierwotnie służył jako talizman.
Każdy element ozdoby ma swoje magiczne znaczenie

Najstarsza twórczość artystyczna Słowian najpełniej wyrażała się w wyrobie biżuterii i artykułów gospodarstwa domowego, zwłaszcza wyrobów metalowych: pierścionków, naszyjników, nadgarstków, kolczyków, często pokrytych drobnym wzorem niello i emalii. To rzemiosło artystyczne odznaczało się oryginalnością i nosiło znamiona wysokich umiejętności.

Wraz z umocnieniem państwa kijowskiego i przyjęciem chrześcijaństwa sztuka nabrała monumentalnego, majestatycznego charakteru, wzbogacona tradycjami kultury bizantyjskiej, jednak w dużej mierze utraciła swoją poetycką świeżość i bajeczną naiwność. Nowa sztuka monumentalna osiągnęła swój szczyt już w XI wieku. Charakterystycznym zabytkiem tego okresu jest sobór św. Zofii w Kijowie. Mozaiki i freski, najwyraźniej wykonane przez mistrzów bizantyjskich, zadziwiają wielkością całego projektu. W historii sztuki niewiele jest przykładów jedności projektu architektonicznego i malarstwa ściennego dorównującej katedrze św. Zofii. Tak jak na zewnątrz dwanaście małych kopuł zwieńczono kopułą główną, tak wewnątrz, nad licznymi wizerunkami poszczególnych postaci umieszczonymi na filarach, na ścianach i sklepieniach, królował surowy wizerunek Wszechmogącego. Wchodząc pod łuki katedry, widząc postacie w złotym blasku mozaiki, starożytni Kijowie zapoznali się z chrześcijańskim rozumieniem niebiańskiej hierarchii, która swoją nienaruszalnością miała wzmacniać autorytet hierarchii ziemskiej.

Kościół św. Sofii w Kijowie (Sobór św. Zofii). 1037

Kościół św. Sofii w Kijowie (Sobór św. Zofii). 1037

W XI wieku W Kijowie pracowali greccy mistrzowie - budowniczowie i malarze. Według ich planów świątynie budowano i dekorowano marmurowymi płytami, mozaikami, freskami i ikonami. W XII wieku. Do Kijowa sprowadzono z Konstantynopola słynną ikonę Matki Bożej Włodzimierskiej, jeden z najlepszych zabytków bizantyjskiego malarstwa ikonicznego.

Włodzimierza Ikona Matki Bożej
Kościół św. Mikołaja w Tolmachi

Włodzimierza Ikona Matki Bożej
Kościół św. Mikołaja w Tolmachi

Nie oznacza to jednak, że najstarsze zabytki Kijowa należy uznać za wypożyczone. Przyjezdni rzemieślnicy zastali w Kijowie inne środowisko społeczne niż to, które otaczało dwór cesarza bizantyjskiego. Bogate doświadczenie życiowe Słowian, ich zdrowa, wesoła postawa znalazły także odzwierciedlenie w obrazach artystycznych. Sztuka zatraciła piętno ponurej ascezy charakterystycznej dla sztuki bizantyjskiej XI-XII wieku.

Wśród miast rozległego państwa kijowskiego Kijów był głównym ośrodkiem artystycznym. Dopiero tutaj rozwinęła się subtelna sztuka mozaiki. Tworzą się tu także wspaniałe przykłady sztuki książkowej (słynna „Ewangelia Ostromirska”, ozdobiona luksusowymi miniaturami, 1056-1057) oraz sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Wpływ kijowskiej szkoły artystycznej jest odczuwalny we wszystkich rosyjskich miastach.

Już pod koniec XI wieku. Państwo kijowskie zaczyna się rozpadać na małe państwa książęce. W drugiej połowie XII w. Kijów traci wiodące znaczenie polityczne i kulturalne, przechodzi w ręce księstwa włodzimiersko-suzdalskiego.

Sztuka Rusi Włodzimiersko-Suzdalskiej rozwijała się przez niemal stulecie (połowa XII - początek XIII w.). W tym czasie wniósł znaczący wkład w historię nie tylko kultury rosyjskiej, ale także światowej. Najbardziej charakterystyczne cechy sztuki Władimira-Suzdala znalazły wyraz w architekturze. Mieszkańcy Włodzimierza byli doskonałymi budowniczymi. Oprócz budynków drewnianych istniało wiele konstrukcji kamiennych. Włodzimierscy rzeźbiarze biegle posługiwali się technikami obróbki kamienia i umiejętnie posługiwali się technikami rzeźbienia w płaskim drewnie.

Rozkwit architektury we Włodzimierzu przypadł na okres panowania Andrieja Bogolubskiego. W tym czasie zbudowano katedrę Wniebowzięcia i słynący ze swojej doskonałości kościół wstawienniczy nad Nerl (1165). Według starożytnego źródła książę zbudował świątynię „na łące”, aby upamiętnić swój smutek po śmierci ukochanego syna. Budynek ten uderza harmonią i wdziękiem, wyjątkowym bogactwem nowych, niespotykanych wcześniej relacji pomiędzy jego częściami. Biel kamienia, regularność i smukłość sylwetki sprawiają, że Świątynia Nerlińska wyróżnia się na tle otaczającego krajobrazu. Jest to dumna afirmacja piękna jego kreatywności. Ta świątynia nie jest w stanie odwrócić człowieka od prawdziwego świata. Całym swoim wyglądem wzywa człowieka, aby spojrzał wstecz na otaczający go świat, aby radował się faktem, że między dziełem jego rąk a naturą nie ma niezgody.

Kościół wstawienniczy na Nerl. XII wiek

Kościół wstawienniczy na Nerl. XII wiek

Specyficzną cechą kościołów Włodzimierza-Suzdala jest ich dekoracja rzeźbiarska. W katedrze Demetriusza we Włodzimierzu (1194-1197) cała górna część ścian zewnętrznych jest w całości pokryta dekoracjami rzeźbionymi. Tutaj można zobaczyć króla Dawida i Aleksandra Wielkiego, niesionych do nieba przez gryfy i myśliwych, a także fantastyczne zwierzęta, ptaki - wszystko to rozsiane wśród dziwnych traw i bujnych kwiatów. Każdy obraz umiejscowiony jest na osobnym kamieniu, jednak razem tworzą harmonijną całość i tworzą pozory wzorzystej tkaniny, jakby rzuconej na kamienną masę świątyni. Szczególnie wspaniałe są płaskorzeźby na ścianach katedry św. Jerzego w Jurjewie-Polskim (1230-1234).

Demetriusza we Włodzimierzu. 1194-1197.

Demetriusza we Włodzimierzu. 1194-1197.

Na wpół pogańskimi, na wpół baśniowymi motywami zdobniczymi ozdabiały jedynie zewnętrzne ściany świątyń, całą przestrzeń wewnątrz zajmowały freski i ikony, różniące się od płaskorzeźb tematyką i charakterem.

Biała kamienna rzeźba na fasadzie katedry Dmitriewskiego

Biała kamienna rzeźba na fasadzie katedry Dmitriewskiego

Wraz z miastami księstwa włodzimiersko-suzdalskiego największy ośrodek życia artystycznego w XII wieku. był Nowogród. Jeśli sztuka Włodzimierza-Suzdala odzwierciedlała rosnącą siłę władzy wielkiego księcia, to w sztuce nowogrodzkiej nosiła bardziej zauważalny ślad wpływów ludowych. Rozwinął swój własny, szczególny styl, przejawiający się w surowej prostocie i powściągliwej wielkości nowogrodzkich fresków i ikon.

Nowogródowie znajdowali się na obrzeżach ziem rosyjskich, stale spotykali inne ludy. Ich miłość do rodzinnego miasta i ziemi wzrosła wcześnie. Sztuka odegrała dużą rolę w utrwaleniu tego uczucia w powszechnej świadomości. Nowogrodzkie kościoły były wyraźnym ucieleśnieniem ich dumnej samoświadomości, w swoim malarstwie nowogrodzcy mistrzowie wyrazili ideały odwagi i siły charakteru, które w tych trudnych latach były główną miarą ludzkiej oceny. Te cechy sztuki nowogrodzkiej zostały najwyraźniej wyrażone w obrazach architektonicznych katedry św. Zofii i katedry św. Jerzego klasztoru Juryjewa w Nowogrodzie oraz w obrazach kościoła Zbawiciela na Neredicy.

Katedra św. Jerzego w klasztorze Yuryev w Nowogrodzie Wielkim.
1119-1130

Katedra św. Jerzego w klasztorze Yuryev w Nowogrodzie Wielkim.
1119-1130

Dzieła sztuki rosyjskiej tego okresu wyraźnie wykazują cechy wspólnej kultury. Budynki rosyjskie z XII wieku. Różnią się od kościołów bizantyjskich i romańskich prostotą, przejrzystością i integralnością kompozycji oraz miękkimi zaokrąglonymi formami. Wartość estetyczna dzieł sztuki staje się coraz ważniejsza. Kronikarze tamtych czasów z pewnością dostrzegali piękno kościołów, świątyń, ikon, obrazów, z wyczuciem odgadując doskonałość prawdziwej sztuki. Starożytna Ruś niestrudzenie posuwała się do przodu, rosyjscy mistrzowie wykazali się pomysłowością i odwagą w swoich poszukiwaniach. Oto było to zrozumienie wielkości zadań stojących przed sztuką, które mogły narodzić się wśród narodu o wielkiej przyszłości.

Najazd mongolsko-tatarski zadał ciężki cios błyskotliwemu rozkwitowi rosyjskiej kultury artystycznej. Miasta uległy bezlitosnej dewastacji, zerwana została komunikacja z Bałkanami, Bizancjum i Europą Zachodnią. Twórczość artystyczna na Rusi nie ustała w tych latach, ale większe przedsięwzięcia nie były możliwe.

W odróżnieniu od Kijowa, Włodzimierza i Moskwy Nowogród uniknął niewoli. Dzięki temu stał się ośrodkiem, w którym gromadziły się przede wszystkim siły twórcze narodu rosyjskiego.

Pod koniec XIV w. W Nowogrodzie pojawia się mistrz, który pozostawił zauważalny ślad w sztuce rosyjskiej - Grek Feofan. Opuszczając Bizancjum, gdzie kultura wkraczała w okres upadku, Teofanes znalazł na Rusi grunt sprzyjający kreatywności i szerokiemu uznaniu. Najbardziej niezawodnym dziełem Teofanesa są malowidła kościoła Przemienienia Pańskiego w Nowogrodzie. Najpotężniejsze wrażenie pozostawiają wizerunki starszych. Artysta wyraził w nich tragiczną złożoność przeżyć emocjonalnych, intensywność walki i wewnętrzną niezgodę.

Teofan Grek. Matka Boska. Ikona z rangi Deesis

Początek XV wieku

Teofan Grek. Matka Boska. Ikona z rangi Deesis
Sobór Zwiastowania na Kremlu moskiewskim.
Początek XV wieku

Feofan wprowadzony do malarstwa XIV wieku. pasja, ruch, swobodne modelowanie obrazkowe. Wpływ jego talentu odczuli mistrzowie nowogrodzcy i moskiewscy, co nie przeszkodziło im w poszukiwaniu własnych dróg i rozwiązań w sztuce. W tym okresie pracowała grupa rosyjskich mistrzów, tworząc najlepsze przykłady malarstwa ściennego w Nowogrodzie. Najbardziej znaczące pod względem artystycznym są malowidła kościoła Wniebowzięcia na Polu Wołotowskim i kościoła Fiodora. Stratilata (druga połowa XIV w.).

W kształtowaniu się rosyjskiej sztuki narodowej po obaleniu jarzma mongolsko-tatarskiego Moskwa odegrała decydującą rolę. Stąd rozpoczęła się uparta i skuteczna walka o zjednoczenie narodowe narodu rosyjskiego. Malarstwo staroruskie osiągnęło swój genialny szczyt w XV wieku. (patrz Ikonografia, Ikonografia staroruska). Malarstwo moskiewskie z XV wieku. rozwinął się pod wpływem błyskotliwej osobowości Andrieja Rublowa. Przez całe stulecie pozostaje wierna najlepszym tradycjom tego znamienitego mistrza.

Andriej Rublow (?). Anioł. Miniatura z „Ewangelii Chitrowa”.
lata 90 XIV wiek Rosyjska Biblioteka Państwowa. Moskwa.

Andriej Rublow (?). Anioł. Miniatura z „Ewangelii Chitrowa”.
lata 90 XIV wiek Rosyjska Biblioteka Państwowa. Moskwa.

W okresie konsolidacji państwa moskiewskiego i powstania monarchii feudalnej (koniec XV w.) sztuka zaczęła służyć przede wszystkim władzy królewskiej. W tych krytycznych latach w Moskwie działał wspaniały mistrz Dionizjusz (ok. 1440 - ok. 1506), który twórczo kontynuował tradycje Andrieja Rublowa. Jednak w przeciwieństwie do niego Dionizjusz nie był mnichem, ale osobą świecką, co odcisnęło piętno na jego twórczości. W sztuce Dionizego dominuje nastrój uroczystego święta i zwycięskiej radości.

Na starość Dionizjusz wraz ze swoimi uczniami namalował świątynię w klasztorze Ferapontow (1500-1502). To jedyny znany nam pomnik jego monumentalnego malarstwa, należący do arcydzieł starożytnej sztuki rosyjskiej. Dionizjusz i jego szkoła są także właścicielami całej grupy znakomitych ikon, przechowywanych obecnie w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w katedrze Wniebowzięcia na Kremlu. Dionizjusz był ostatnim z wielkich malarzy starożytnej Rusi. Jego twórczość zamyka złoty wiek starożytnego malarstwa rosyjskiego.

Dionizjusz. Dymitr Prilutski ze swoim życiem.

i rezerwat-muzeum sztuki

Dionizjusz. Dymitr Prilutski ze swoim życiem.
Ikona z klasztoru Spaso-Prilutsky. OK. 1503
Państwowy Instytut Historyczno-Architektoniczny Wołogdy
i rezerwat-muzeum sztuki

Druga połowa XV-XVI w. naznaczony na Rusi dużymi sukcesami w budowaniu państwa. W Moskwie powstały wspaniałe kamienne kościoły namiotowe i rozpoczęto szeroko zakrojoną budowę miast i klasztorów. Wraz ze wzrostem władzy władcy Moskwy jednym z pierwszych zadań architektury stało się wzmocnienie i dekoracja stolicy i jej centrum - Kremla moskiewskiego.

Budowę katedr kremlowskich rozpoczęto od głównej, Katedry Wniebowzięcia. Jej konstrukcja tak bardzo przykuła uwagę współczesnych, że kronika poświęciła jej kilka wymownych stron. Do budowy głównej katedry w Moskwie zaproszono wspaniałego mistrza z Włoch, Arystotelesa Fioravanti. Kremlowską Sobór Zwiastowania i niewielki kościółek Złożenia Szat wznieśli rzemieślnicy rosyjscy, a Komnatę Fasetową i dzwonnicę Iwana Wielkiego – rzemieślnicy włoscy. Wszystkie te struktury zostały połączone w zaskakująco solidną kompozycję. Budynki Kremla moskiewskiego posłużyły za przykład dla całego kraju.

Panorama Kremla moskiewskiego

Panorama Kremla moskiewskiego

Wielkie osiągnięcia odnotowano w XVI wieku. sztuka miniatur książkowych. W wielu bogato ilustrowanych rękopisach odzwierciedlono zarówno wzmożone umiejętności graficzne, jak i artystyczną obserwację w odniesieniu do otaczającej rzeczywistości.

Bon Fryazina. Dzwonnica „Iwan Wielki”.
XVI wiek Kreml moskiewski.

Bon Fryazina. Dzwonnica „Iwan Wielki”.
XVI wiek Kreml moskiewski.

W XVII - początkach XVIII wieku. Produkcja artystyczna w Moskwie zyskuje szeroki zakres. Jego centrum stanowi Izba Zbrojowni na Kremlu. Zbierają się tu najlepsi rzemieślnicy, tu rozdzielane są zamówienia wśród malarzy. Masę królewskich malarzy ikon uważa się za armię rzemieślników wykonawczych. Wykorzystuje się je do różnorodnych potrzeb: malują wieże, malują ikony, a także wzory i herby.

Najlepsze dzieła, które wyszły z Komnaty Zbrojowni, to biżuteria, ramy, ramy, emalie, haftowane całuny itp. Obecnie są one starannie konserwowane i wystawiane w muzeach (patrz muzea Kremla Moskiewskiego, Sztuka jubilerska).

Chochla dla cara Michaiła Fiodorowicza.
Złoto, srebro, kamienie szlachetne, perły.
Warsztaty Kremla Moskiewskiego, około 1618 r

Chochla dla cara Michaiła Fiodorowicza.
Złoto, srebro, kamienie szlachetne, perły.
Tłoczenie, rzeźbienie, kucie, niello
Warsztaty Kremla Moskiewskiego, około 1618 r

Wśród malarzy królewskich najważniejsze miejsce zajmuje Szymon Uszakow (1626-1686). Jego twórczość była wszechstronna: malował ikony, próbował swoich sił w portretowaniu, wykonał kilka rycin. Twórczość tego artysty wyznacza zwrot malarstwa rosyjskiego na nowe ścieżki.

Szymon Fiodorowicz Uszakow. Matki Bożej Czułości.
1668

Szymon Fiodorowicz Uszakow. Matki Bożej Czułości.
1668

W wielokrotnie powtarzanych obrazach „Zbawiciela nie rękami uczynionego” Uszakow próbował zastosować miękkie modelowanie, aby przekazać ludzkie piękno, ziemską fizyczność, a nawet materialność typowi „łaskawego Chrystusa” zadomowionego na Rusi, co wywołało opór obrońców antyk.

Szymon Fiodorowicz Uszakow. Zbawiciel nie stworzony rękami
Napisane dla Ławry Trójcy Sergiusza w 1658 r

Szymon Fiodorowicz Uszakow. Zbawiciel nie stworzony rękami
Napisane dla Ławry Trójcy Sergiusza w 1658 r

W drugiej połowie XVII w. W Komnacie Zbrojowni obok malarzy ikon pracują malarze. Malują portrety, czyli jak ich wówczas nazywano, parsunowie. Wizytujący mistrzowie – Polacy, Niemcy, Holendrzy – wprowadzili nową technikę pisania na płótnie i rozpowszechnili ryciny w Moskwie. Jednak Parsunowie z XVII wieku. nawet jeśli przypominają portret, są na ogół bardzo statyczne.

Portret (parsun) księcia M. V. Skopina-Shuisky'ego.
I połowa XVII wieku Państwowe Muzeum Historyczne. Moskwa.

Portret (parsun) księcia M. V. Skopina-Shuisky'ego.
I połowa XVII wieku Państwowe Muzeum Historyczne. Moskwa.

W kulturze rosyjskiej XVII wieku. Umacnia się zasada świecka, rosną potrzeby wiedzy naukowej świata. S. Uszakow i mistrzowie jego kręgu byli bliscy zadania ukazywania wrażeń wizualnych w całej ich żywotności i kompletności. W tym czasie podejmowano próby przedstawienia na ikonie wnętrz budynków w perspektywie, wprowadzenia światłocienia i portretowania twarzy. Wszystko to odzwierciedlało oznaki rewolucji artystycznej, jaka dokonała się w sztuce na początku XVIII wieku. Tylko wraz ze zmianą życia społecznego, państwowości i kultury sztuka rosyjska w swoim dążeniu do realizmu wejdzie na nową owocną ścieżkę rozwoju historycznego.

Dla nas starożytna rosyjska sztuka piękna na zawsze pozostanie cenna, ponieważ centralne miejsce zajmował w niej wizerunek osoby, idealnej osobowości, naznaczonej piętnem szlachetności moralnej.