La culture russe du XXe siècle a acquis des tendances et des formes qui nécessitaient une compréhension des problèmes sociaux et moraux, ce qui a conduit à la nécessité de rechercher de nouvelles méthodes et techniques artistiques. La situation difficile qui s'est développée au début du XXe siècle a conduit à une variété de formes utilisées.
La Russie, au début du XXe siècle, restait un pays extrêmement niveau faible l'alphabétisation. Selon le recensement de 1913, le nombre de personnes alphabétisées ne dépassait pas 39 %. Dans le même temps, le degré d'alphabétisation n'était pas le même parmi les habitants des villes et des villages, ainsi que dans les différentes régions du pays. Le système éducatif russe comportait 3 niveaux. Les écoles primaires comprenaient des écoles populaires et paroissiales. Au secondaire - de vraies écoles et gymnases. Aux plus hauts instituts et universités.
Le développement de l'enseignement primaire en Russie est associé aux initiatives d'une partie active et démocratique de la société. Créé maisons folkloriques, sociétés éducatives, cours de travail. Le besoin du pays en spécialistes qualifiés conduit au développement de techniques l'enseignement supérieur. En 1912, ils étaient 16. Beaucoup d'attention prêté attention à l'éducation des femmes. Au cours des 10 années écoulées depuis 1908, 30 établissements d’enseignement supérieur ont ouvert leurs portes dans le pays. les établissements d'enseignement pour femme. La Russie se classe au premier rang mondial en termes de quantité de littérature publiée. Les périodiques revêtaient également une grande importance dans la vie culturelle du pays. En 1913, 1 263 magazines et 874 journaux étaient publiés. Tout un réseau de bibliothèques scientifiques, pédagogiques et commerciales a été créé.
Les disciplines scientifiques traditionnelles et nouvelles du pays se développent activement. Tsiolkovsky développe les fondements théoriques de l'aéronautique, Joukovski pose les bases de l'aérodynamique et de l'hydrodynamique. Cette période a donné à la Russie et au monde entier des scientifiques exceptionnels : Popov, Michurin, Timiryazev, Mechnikov. Berdiaev, Florensky, Solovyov et Klyuchevsky ont apporté une énorme contribution au développement de la pensée philosophique.
La culture de la Russie au début du XXe siècle se caractérise par la domination du réalisme dans la littérature. Tchekhov, Bounine, Gorki, Tolstoï et d’autres ont travaillé à cette époque. Dans l’histoire de la poésie russe, cette époque est connue sous le nom de « l’âge d’argent ». Merezhkovsky, Sologub, Bryusov, Mandelstam, Severyanin, Blok, Mayakovsky, Akhmatova ont reflété dans leurs œuvres remarquables la crise sociale la plus profonde dans laquelle se trouvait la Russie.
En 1898, Stanislavski et Nemirovitch-Danchenko fondent le Théâtre d'Art. Leur travail a ouvert au monde une nouvelle étape dans le développement des arts du spectacle. L'école vocale russe du début du XXe siècle perpétue les traditions musicales du Mariinsky et Théâtres Bolchoï. Les artistes suivants se sont produits sur leurs scènes : Sobinov, Nezhdanova, Chaliapine. Les compositeurs Stravinsky et Rimsky-Korsakov ont créé leurs chefs-d'œuvre.
La culture russe du début du XXe siècle a donné au monde de nombreux artistes talentueux. Peintres paysagistes célèbres de l'époque : Vereshchagin, Polenov, Kuindzhi. Les traditions du réalisme ont été développées par Surikov, Repin, Vasnetsov. Il convient de noter les œuvres de maîtres ultérieurs - les « itinérants » Korovin et Kasatkin.
L'Art Nouveau dominait l'architecture. En particulier grande importance a été donné objectif fonctionnel bâtiments. Il convient de noter la gare de Kazansky (Shchusev) et la gare de Yaroslavsky (Shekhtel).
La première moitié du XXe siècle dans l'histoire de l'Europe occidentale a exclusivement important. Durant cette période, la formation de la civilisation industrielle se termine et la transition vers la civilisation post-industrielle commence. Le capitalisme est en train de passer du monopole au monopole d’État. De profonds changements se produisent en lui, dont beaucoup peuvent être qualifiés de fatidiques, car ils ont affecté son existence même. Cela a été confirmé par la crise sans précédent de 1929-1933 par sa profondeur et son ampleur, qui a ébranlé la société occidentale jusque dans ses fondements. Le capitalisme n’aurait probablement pas survécu à une seconde crise de ce type. Pour éviter que cela ne se reproduise, le capitalisme a été soumis à de sérieuses réformes. Elle a été réalisée avec beaucoup de succès aux Etats-Unis.
Les réformes mises en œuvre n'ont pas débarrassé le capitalisme des contradictions et des crises, mais elles les ont considérablement atténuées, n'ont pas permis aux contradictions d'atteindre un antagonisme extrême et ont assuré minimum requiséquilibre social. Grâce aux réformes, les conditions nécessaires sont apparues pour l'émergence d'une société de consommation, qui aurait pu se développer dès les années 40, mais en raison de la Seconde Guerre mondiale, elle a pris forme aux États-Unis à la fin des années 50 et dans d'autres. pays européens- dans les années 60. En général, le capitalisme monopoliste d’État a réussi à trouver une sorte de « modus vivendi » dans lequel les loups seraient nourris et les moutons seraient en sécurité.
Les événements les plus importants de la première moitié du XXe siècle comprennent deux guerres mondiales, qui ont fait des dizaines de millions de morts, d'innombrables catastrophes, destructions et pertes. Ces guerres ont provoqué une crise profonde de l’humanisme et d’autres idéaux et valeurs des Lumières qui constituaient le fondement de la civilisation et de la culture occidentales. Après la Seconde Guerre mondiale, le monde s'est scindé en deux systèmes opposés - le capitalisme et le socialisme - dont la confrontation a compliqué l'existence de la culture mondiale dans son ensemble.
Ces facteurs, entre autres, ont déterminé les conditions dans lesquelles la culture occidentale s'est développée dans la première moitié du XXe siècle. La science a continué à le faire avec beaucoup de succès. Au cours de la période sous revue, a eu lieu la deuxième révolution scientifique, qui a commencé en fin XIX siècle. Des changements révolutionnaires se sont produits dans tous les domaines de la connaissance. En physique, la divisibilité de l'atome a été découverte, la mécanique quantique et la théorie de la relativité ont été créées. En chimie, les lois de nombreux processus chimiques ont été découvertes et la chimie quantique a été créée. La formation de la génétique commence en biologie. En cosmologie, le concept d'univers non stationnaire - en contraction ou en divergence - a été développé. La science doit ses réalisations exceptionnelles à de nombreux scientifiques, dont A. Einstein, M. Planck, A. Poincaré, N. Bohr, M. Born et les époux Irène et Frédéric Joliot-Curie.
Dans le domaine de la connaissance, avec sa différenciation en sciences distinctes, les mêmes processus se produisent au sein de chacune des sciences, elles-mêmes divisées en de nombreuses disciplines et écoles. Tout cela renforce la tendance au pluralisme. Il devient assez courant que des représentants de différentes écoles adhèrent à une science donnée. différents points de vueà propos du même phénomène.
Quant à la religion, sa situation continue de se dégrader. On peut dire que la première moitié du XXe siècle s’est avérée la plus irréligieuse d’Occident.
Contrairement à la religion, la philosophie était dans une meilleure position. Les principales directions philosophiques sont le néopositivisme et l'existentialisme. Le premier parle au nom de la science. Il a apporté une contribution significative au développement des problèmes de logique formelle, de langage et de théorie de la connaissance. Ses représentants sont B. Russell, R. Carnap, L. Wittgenstein. L'existentialisme s'opposait à la science et à la philosophie positiviste. Il a concentré son attention sur les problèmes humains et, surtout, sur les problèmes de liberté. Ses représentants les plus célèbres sont J.-P. Sartre et M. Heidegger.
Au cours de la période considérée, la culture artistique s'est développée avec beaucoup de succès. Cette période s'est avérée être la dernière où la France occupait une position de leader dans la culture mondiale et Paris était considérée comme la capitale culturelle mondiale reconnue. La direction principale de l'art français est le réalisme. En littérature, il est représenté d'abord par trois grands noms : A. France, R. Rolland, R. Martin du Gard. Le premier a créé un certain nombre de romans historiques et philosophiques, dont « La soif de Dieu ». Le second a acquis une renommée mondiale grâce à son roman épique « Jean-Christophe », qui raconte la relation entre un musicien de génie et la société. Le troisième est l'auteur du roman en plusieurs volumes « La Famille Thibault », qui donne un large panorama de la France.
Un phénomène important dans la vie spirituelle fut l'œuvre des écrivains existentialistes - J.-P. Sartre et A. Camus. Les thèmes principaux de leurs œuvres sont la liberté et la responsabilité, l'absurdité de l'existence et la solitude. Les pièces de Sartre « Les Mouches », « Le Diable » et « Seigneur Dieu » sont devenues très célèbres, ainsi que les romans de Camus « L'Étranger », « La Peste » et « Le Mythe de Sisyphe ».
Parallèlement à la littérature, la sculpture française se développe avec succès. DANS cette période elle est représentée par les sculpteurs E. Bourdelle et A. Maillol. Les œuvres du premier - "Hercule", "Pénélope", "Sappho" - ont été créées à partir de sujets anciens dans l'esprit classique. Les statues féminines de la seconde - "Nuit", "Pomona", "Méditerranée" - sont marquées par une harmonie et un équilibre étonnants, remplis d'une féminité captivante.
La littérature allemande connaît un succès considérable. Elle le doit tout d'abord aux travaux de T. Mann, L. Feuchtwanger, E. M. Remarque. La figure principale de la littérature allemande est T. Mann, qui a créé des romans philosophiques« La Montagne Magique » et « Docteur Faustus », ainsi qu'une tétralogie sur l'histoire biblique « Joseph et ses frères ». Feuchtwanger est connu principalement pour ses romans historiques "Goya", "La sagesse d'un excentrique", etc. Dans les romans "Tout est calme sur le front occidental", "Trois camarades", etc. Remarque a exprimé la vision du monde de la "génération perdue ». L'œuvre de B. Brecht, créateur d'un théâtre épique intellectuel, mérite une mention particulière. Ses pièces « Mère Courage », « Le bon homme du Szechwan » et d'autres lui ont valu une renommée mondiale.
La littérature anglaise connaît un véritable essor. Parmi les nombreux grands noms, il convient de mentionner en premier J. Galsworthy, S. Maugham et B. Shaw. La trilogie "The Forsyte Saga" a apporté la première renommée mondiale. Le second est connu comme l’auteur du roman « Le fardeau des passions humaines ». B. Shaw est un classique reconnu de la littérature anglaise. Il a fait ses preuves dans tous les genres : drame, roman, nouvelle.
La littérature américaine reste à un niveau élevé. Elle le doit principalement à des écrivains tels que W. Faulkner, J. Steinbeck, E. Hemingway. Dans ses romans « Le son et la fureur », « La lumière en août » et d'autres, Faulkner combine un style de narration réaliste avec la recherche de nouvelles formes et techniques. Steinbeck est surtout connu pour son roman Les Raisins de la colère, qui est devenu une véritable épopée dans la vie du peuple américain. L'œuvre d'Hemingway est vaste et multiforme. Dans le roman Pour qui sonne le glas, il réfléchit sur la guerre et la violence comme une malédiction tragique de l'humanité. Dans la parabole « Le vieil homme et la mer », la vie et le destin de l’homme sont examinés à la lumière d’un stoïcisme tragique.
Même si l’art réaliste traditionnel occupait une place importante dans la vie spirituelle de la société occidentale, il n’était toujours pas au centre de l’attention du public. À cet égard, il était inférieur au modernisme et à l’avant-garde émergente, qui prenaient de plus en plus d’importance, bénéficiant d’une attention médiatique croissante. Dans le même temps, le modernisme se transforme de plus en plus en avant-garde.
L'avant-garde était une continuation directe du modernisme, avec lequel elle a beaucoup en commun, c'est pourquoi elles ne diffèrent souvent pas. Cependant, malgré les similitudes, il existe également des différences significatives entre eux. Il y a beaucoup de dualité, d’incohérence et de contradiction dans le modernisme. Il ne rompt pas complètement avec le passé, est en contradiction avec le présent et n'a pas beaucoup confiance en l'avenir. D'où son asocialité, se transformant parfois en antisocialité. Dans ses relations avec la science, il oscille entre une coopération étroite avec elle et son rejet total.
Le modernisme est plein de mélancolie, marqué par la décadence. Tout cela a affaibli son potentiel créatif. Par conséquent, de nombreux aspects du modernisme ont trouvé un développement ultérieur au sein de l’avant-garde, qui s’est révélée plus cohérente et plus intégrale. On peut dire que l’avant-garde est le modernisme, adressé à la société et à la science et tourné vers l’avenir.
Le style Art Nouveau (1880-1910) était un mouvement de transition entre le modernisme et l'avant-garde. Ses principaux représentants étaient H. Van de Velde en Belgique, J. Olbrich en Autriche, A. Gaudí en Espagne, C. Mackintosh en Écosse, F. Shekhtel en Russie. Il est le plus répandu dans l'architecture et les arts décoratifs et appliqués. « Moderne » perpétue en grande partie le symbolisme, mais il n'y a pratiquement aucune décadence, tandis que la composante avant-gardiste est sensiblement intensifiée. Après le romantisme, il recherche la synthèse.
Dans ses manifestes, il appelle à un « renouveau total de l’art ». Les représentants du « modernisme » ont largement utilisé les capacités techniques et de conception modernes, mais ils ont en même temps montré une certaine méfiance, voire une certaine peur, à l'égard de la machine. Ils ont essayé de combiner le calcul scientifique avec l’intuition et l’irrationalisme.
Le fauvisme (1905-1908) devient le premier mouvement de l’avant-garde proprement dite. Il poursuit la lignée du romantisme, de l'impressionnisme, du postimpressionnisme et de l'art nouveau, influencé par l'art oriental et africain. Ses partisans - A. Matisse, M. Vlaminck, A. Derain, A. Marquet - ont fait des déclarations sur la fin du réalisme. Ils ont donné pour tâche à l'art non pas de « copier », mais d'« inventer la réalité », de « recréer le monde », selon des désirs intérieurs. L'objectif principal pour eux devient l'expressivité, la recherche de moyens purs de survie. Le fauvisme a considérablement accru l'importance du principe personnel et subjectif dans l'art.
A. Matisse, le chef du mouvement, définit son œuvre comme « une expression de l'esprit personnel » ; il ne veut « rien d'autre que la couleur ». Matisse abandonne l'image au profit du signe, estimant que la première est surchargée de détails et de détails, tandis que la seconde permet d'atteindre une couleur pure et une simplicité absolue. Parmi ses œuvres se distinguent « Joie de vivre », « Danse », « Musique », « Pêcheurs rouges ». Le fauvisme était ouvert sur la société. Certains de ses participants avaient l'intention de révolutionner non seulement l'art, mais aussi la vie. Cependant, en général, il se caractérise par une vision lyrique du monde.
L'expressionnisme (1905-1920) est né sous l'influence des mouvements antérieurs du modernisme et de l'avant-garde, ainsi que de l'art oriental. La première œuvre écrite dans l'esprit de l'expressionnisme peut être considérée comme le tableau de l'artiste norvégien E. Munch « Le Cri » (1893). L'expressionnisme apparaît comme un mouvement particulier simultanément avec la création du groupe « Bridge » (1905). Il a acquis une large diffusion internationale, bien qu'il s'agisse principalement d'un phénomène allemand. Ses principaux représentants étaient les artistes E. Kirchner, E. Nolde, M. Pechstein, F. Mark, P. Klee.
L'expressionnisme rompt de manière plus décisive avec l'art traditionnel, plus ouvertement, tourné vers l'avenir. Son nom même indique que l'essentiel est l'expression et l'expressivité. À cette fin, il viole hardiment les proportions et déforme l'objet représenté. L'expressionnisme fait preuve de maximalisme tant dans le choix des moyens d'expression que dans l'effort du principe subjectif. Les artistes expressionnistes ont créé des tensions internes et des formes explosives. Ils ont peint leurs toiles avec des couleurs rouges ou bleues vives et vénéneuses et avec des contours arc-en-ciel. L'expressionnisme s'appuyait principalement sur l'irrationalisme, la philosophie de la vie de V. Dilthey et F. Nietzsche, la théorie de l'inconscient de S. Freud et était sceptique à l'égard de la science. Il se caractérisait par une position sociale et anti-guerre aiguë.
Le cubisme (1908-1930) - l'un des principaux courants de l'avant-gardeisme - est né sous l'influence du post-impressionnisme et du fauvisme de P. Cézanne, ainsi que de la sculpture africaine. Ses représentants P. Picasso, J. Braque, F. Léger, R. Delaunay professent une véritable passion pour l'expérimentation, la recherche de nouveaux moyens et techniques d'expression. Ils aspirent à un renouvellement radical du langage artistique. L’art agit pour eux comme une créativité formes en plastique doté d'une existence et d'un sens indépendants.
Le cubisme est basé sur la science moderne - les théories de A. Einstein, A. Poincaré, G. Minkowski. P. Picasso, chef du mouvement, disait qu'il ne peint pas ce qu'il voit, mais ce qu'il sait. Avec sa créativité, il s’adresse à l’intellect humain, considérant ses peintures comme un « déni des sentiments ». Picasso a également souligné qu’en peinture « seules les découvertes comptent ». Ses œuvres les plus célèbres sont « Les Demoiselles d'Avignon », « Trois musiciens masqués », « Guernica », « Colombe de la paix ». Les signes de la civilisation moderne sont largement présents dans le cubisme : usines, pipes, bouteilles, parapluies, etc. Il intervient dans les questions sociales et politiques, étant un exemple d'art engagé.
Le futurisme (1909-1925) devient l’une des variantes les plus radicales de l’avant-gardeisme. C'est en Italie qu'elle s'est répandue le plus, où ses représentants étaient F. Marinetti, U. Boccioni, G. Balla, L. Russolo ; et en Russie - V. Mayakovsky et V. Khlebnikov. Les futuristes ont proclamé une rupture complète non seulement avec l’art, mais aussi avec toute la culture du passé. Ils ont glorifié la civilisation industrielle et la grande ville moderne.
Au lieu de l’esthétique précédente de la beauté, ils mettent en avant l’esthétique de l’énergie et de la vitesse, « l’esthétique des locomotives, des monoplans et des voitures ». L'auto leur paraissait plus belle que la Nike de Samothrace. Le futurisme était hautement socialisé et politisé. Certains de ses partisans (F. Marinetti) ont déclaré leur adhésion aux idées du fascisme. La majorité a adhéré aux positions de gauche.
Le surréalisme (1924-1940) - dernier mouvement significatif de l'avant-garde européenne - est né sous l'influence du symbolisme, de l'expressionnisme et du dadaïsme (M. Duchamp). Il a reçu une large diffusion internationale. Ses principaux représentants sont A. Breton en France, S. Dali en Espagne, R. Magritte en Belgique, G. Moore en Angleterre. Le surréalisme est basé sur l'irrationalisme et l'alogisme, le concept d'inconscient de S. Freud.
Il est devenu l’incarnation de formes extrêmes de subjectivisme. Les surréalistes trouvent leur source d'inspiration dans les rêves fantastiques et les hallucinations. La figure principale du surréalisme est S. Dali. Ses œuvres les plus célèbres sont « La Girafe ardente », « Prémonition » guerre civile", "Cannibalisme d'automne". Le surréalisme a déclaré que ses objectifs étaient la libération sociale, morale et intellectuelle de l'homme. Il n'a pas hésité à faire de la politique et s'est déclaré partisan de la révolution. Il s'est également opposé à la commercialisation de l'art.
D’une manière générale, la première moitié du XXe siècle a été marquée par un nouveau renforcement du principe civilisationnel. Dans le même temps, la situation de la culture spirituelle est devenue de plus en plus complexe.
Introduction
Histoire de la culture du XXe siècle. dès le début, elle a été marquée par des changements sociaux complexes. Malgré les événements révolutionnaires de 1918, la réaction parvient à renforcer son pouvoir. Cependant, les succès économiques ont vite été éclipsés par la crise économique mondiale. L’arrivée au pouvoir des nazis et la Seconde Guerre mondiale ont engendré de nombreux problèmes.
L'image de l'architecture des États reflète assez objectivement les réalités politiques. Se propageant après la Première Guerre mondiale en Europe, puis dans le monde entier, la tendance au rationalisme en architecture et au fonctionnalisme, ce qu'on appelle le mouvement moderne, s'oppose. Les tendances au déni d’une architecture fonctionnelle émotionnellement pauvre et à la recherche de formes architecturales inhabituelles, parfois oubliées et choquantes se sont incarnées dans l’architecture du postmodernisme au cours des dernières décennies.
Les principaux problèmes de l'art du XXe siècle. se situent bien sûr dans le domaine social. Par conséquent développement social, la croissance des besoins matériels et spirituels des personnes, aggravée par les grandes destructions de la Seconde Guerre mondiale, a entraîné une grave pénurie d'espace architectural organisé et bâti. La conséquence en fut une construction à une échelle sans précédent. Le désir des propriétaires fonciers, des clients et de l'industrie de la construction d'obtenir des profits excessifs est entré en conflit avec les projets des architectes. Les technologies développées pour la production de masse rationnelle de structures de bâtiments pour bâtiments résidentiels et industriels à partir d'éléments préfabriqués standardisés impliquent une standardisation et une typification et comportent le risque d'un développement environnemental monotone.
1. Le concept de modernisme et de postmodernisme
Modernisme(Modernismo italien « mouvement moderne » du latin modernus « moderne, récent ») - une direction de l'art et de la littérature du XXe siècle, caractérisée par une rupture avec l'expérience historique antérieure de la créativité artistique, le désir d'établir de nouveaux styles non traditionnels principes de l'art, renouvellement continu formes artistiques, ainsi que la conventionnalité (schématisation, abstraction) du style. Le paradigme moderniste était l’un des principaux paradigmes de la civilisation occidentale dans la première moitié du XXe siècle ; dans la seconde moitié du siècle, il fut l'objet de nombreuses critiques.
Le terme « modernisme » n'est inhérent qu'à l'école nationale d'histoire de l'art ; dans les sources occidentales, c'est le terme « moderne ». Puisque dans l’esthétique russe « moderne » désigne un style artistique précédant le modernisme, il est nécessaire de distinguer ces deux concepts afin d’éviter toute confusion.
Le modernisme est un ensemble de mouvements artistiques dans l'art de la seconde moitié du XIXe et du début du XXe siècle. Les tendances modernistes les plus significatives étaient Acméisme, impressionnisme, symbolisme, art nouveau, expressionnisme, néo- et post-impressionnisme, fauvisme, cubisme, futurisme. Et aussi des mouvements ultérieurs - art abstrait, dadaïsme, surréalisme.
Au sens étroit, le modernisme est considéré comme une première étape de l’avant-gardeisme, le début d’une révision des traditions classiques. La date de naissance du modernisme est souvent citée comme 1863, année de l’ouverture du « Salon des Rejetés » à Paris, où étaient acceptées les œuvres des artistes rejetées par le jury du Salon officiel. Au sens large, le modernisme est « un autre art » objectif principal qui est la création d'œuvres originales basées sur la liberté intérieure et une vision particulière du monde par l'auteur et porteuses de nouveaux moyens d'expression du langage figuratif.
Le credo du modernisme est inhérent à son nom même : la création de quelque chose de nouveau. C'est-à-dire un accent fondamental sur la nouveauté de l'architecture, à la fois sur les idées constructives et de planification, et formes externes, qui, selon les architectes modernistes, devrait procéder des réalisations des nouvelles technologies de construction.
L'expression figurative « prismes en béton et en verre » exprime bien caractère général bâtiments du modernisme. Les principes de base du modernisme architectural sont l'utilisation des matériaux de construction les plus modernes, une approche rationnelle de la conception des structures et des espaces intérieurs, l'absence de tendances décoratives, le rejet fondamental des réminiscences historiques dans l'apparence des bâtiments et leur « international » " personnage. Concernant attitudes sociales architectes modernistes, alors, en règle générale, ils se distinguaient par une démocratie évidente, et même un gauchisme - selon au moins, dans de nombreuses déclarations de ses théoriciens.
Les styles architecturaux qui ont précédé le modernisme, appelés « néostyles », sont l’Art nouveau russe, la Sécession autrichienne, l’Art nouveau en Allemagne, l’Art nouveau en France, ainsi que le néoclassicisme, qui s’est ensuite développé partout. Le style qui suit le modernisme est le postmodernisme. , qui se caractérise par un retour à l'utilisation d'éléments de styles historiques traditionnels, d'éléments d'irrationnel. Le modernisme en architecture est associé à des concepts (mouvements) tels que avant-garde, purisme, fonctionnalisme, constructivisme, « nouveau mouvement », style international, technicisme, minimalisme.
Les principaux représentants du modernisme, les pionniers de l'architecture moderne, qui jouent le rôle de pionniers, sont Frank Lloyd Wright, Walter Gropius, Richard Neutra, Mies van Der Rohe, Le Corbusier, Alvar Aalto, Oscar Niemeyer et quelques autres.
Exemples classiques de modernisme en architecture :
Bâtiment Bauhaus à Dessau, architecte. V. Gropius ;
Villa Savvoy à Poissy, 1930, architecte. Le Corbusier;
Complexes résidentiels "High Point 1" et "High Point 2" à Londres, 1936, architecte. B. Lyubetkine ;
Sanatorium de Paimio, 1933, architecte. A. Aalto ;
Architecture de la ville de Chandigarh, Inde. Cambre. Le Corbusier, P. Jeanneret et autres.
La nouvelle capitale du Brésil, Brasilia, arch. L. Costa, O. Niemeyer, années 50 ;
Seagram Building à New York, 1958, architectes Mies van Der Rohe, F. Johnson ;
Complexe résidentiel "Hebitet" à Expo 67 à Montréal, 1955, architecte. M. Safdie.
Mouvements modernistes dans l'art
· Art abstrait
· Expressionisme abstrait
· Dadaïsme
· Impressionnisme
· Post-impressionnisme
· Symbolisme
· Surréalisme
· Futurisme
· Expressionnisme
Postmodernisme(latin post – « après », français moderne – « plus récent », « moderne »), postmoderne est un terme désignant des phénomènes structurellement similaires dans vie publique et la culture des pays développés modernes, un mouvement artistique qui rassemble un certain nombre de mouvements artistiques post-non réalistes de la fin du 20e siècle. La mentalité postmoderne porte la marque de la déception face aux idéaux et aux valeurs de la Renaissance et des Lumières, avec leur foi dans le progrès, le triomphe de la raison et l’illimité des possibilités humaines. Ce qui est commun aux diverses variantes nationales du postmodernisme peut être considéré comme son identification avec le nom de l’ère de la culture « fatiguée », « entropique », marquée par des humeurs eschatologiques, des mutations esthétiques, la diffusion de grands styles et un mélange de langages artistiques. À l’accent avant-gardiste mis sur la nouveauté s’oppose ici le désir d’inclure art moderne toute l'expérience de la culture artistique mondiale en la citant ironiquement.
Le postmodernisme était le résultat de la négation. Ce terme apparaît pendant la Première Guerre mondiale dans l'ouvrage de R. Panwitz « La crise de la culture européenne » (1914). En 1934, dans son livre Anthologie de la poésie espagnole et latino-américaine, le critique littéraire F. de Onis l'utilise pour indiquer une réaction au modernisme. Cependant, ce terme ne prend pas racine dans l’esthétique. En 1947, A. Toynbee dans son livre « Comprehension of History » lui donne une signification culturelle : le postmodernisme symbolise la fin de la domination occidentale en matière religieuse et culturelle. Le théologien américain H. Cox, dans ses travaux du début des années 70 consacrés aux problèmes de religion en Amérique latine, utilise largement le concept de « théologie postmoderne ».
Cependant, le terme « postmodernisme » a gagné en popularité grâce à Charles Jencks. Dans son livre « The Language of Postmodern Architecture », il note que même si le mot lui-même a été utilisé dans la critique littéraire américaine des années 60 et 70 pour désigner des expériences littéraires ultramodernes, l’auteur lui a donné un sens fondamentalement différent. Le postmodernisme signifiait un abandon de l'extrémisme et du nihilisme de la néo-avant-garde, un retour partiel à la tradition et un accent mis sur le rôle communicatif de l'architecture. Justifiant son antirationalisme, son antifonctionnalisme et son anticonstructivisme dans son approche de l'architecture, Charles Jencks a insisté sur la primauté de la création d'un artefact esthétisé en elle.
Apparu comme phénomène artistique en 1914 aux États-Unis (d'abord dans les arts visuels - architecture, sculpture, peinture, puis dans le design, les clips vidéo), le postmodernisme s'est rapidement répandu dans la littérature et la musique. Sa compréhension théorique a été quelque peu tardive, mais avec le fondement du postmodernisme sur la philosophie des post-freudiens et des déconstructionnistes français, la justice a été rétablie.
Formé à l'ère de la prédominance des technologies de l'information et de la communication au début du XXe siècle, le postmodernisme porte le sceau du pluralisme et de la tolérance, qui, dans sa manifestation artistique, ont abouti à l'éclectisme. Son caractéristiqueétait l'unification au sein d'une même œuvre de styles, de motifs figuratifs et de techniques empruntés à l'arsenal de diverses époques, régions et sous-cultures.
Les artistes utilisent le langage allégorique des classiques, du baroque et le symbolisme des cultures anciennes qui n'avaient pas été utilisés auparavant. Les œuvres des postmodernistes représentent un espace ludique dans lequel se produit la libre circulation des significations. Mais après avoir inclus l’expérience de la culture artistique mondiale dans leur orbite, les postmodernistes l’ont fait à travers des blagues, des grotesques, des parodies et en utilisant largement les techniques de citation artistique, de collage et de répétition. Suivant la voie du libre emprunt à divers systèmes artistiques, le postmodernisme semble les égaliser, créant un espace culturel mondial unique.
Dans le postmodernisme, toute diversité ne semble pas être une valeur, mais seulement celle où, comme dans une poubelle, tout est égal en droits et d'égale valeur : « ce qui est volonté, ce qui ne veut pas ; ce qui est vrai, ce qui n'est pas vrai ; ce qui est bien et ce qui est mal est la même chose.
La culture russe au XXe siècle s'est développée dans des conditions générées par la complexité et les contradictions de l'ère moderne. C’était presque une image miroir et une répétition de ce qui se passait dans les sphères économique, sociale et politique de la société. La variété des changements sociaux et des grands bouleversements survenus en Russie au XXe siècle, ainsi que la nature particulière du patrimoine culturel national, les nouvelles quêtes créatives et idéologiques des personnalités culturelles russes ont joué un rôle important dans le développement de la vie culturelle du pays. . La culture nationale de cette période est caractérisée par de nombreux hauts et tragédies, réalisations et idées fausses. Mais, comme au cours des siècles précédents, de nombreuses réalisations de la science russe, des œuvres littéraires, musicales et des beaux-arts ont été reçues reconnaissance internationale et sont devenus des faits de la culture mondiale.
CULTURE RUSSE DANS LA PREMIÈRE MOITIÉ DU XXE SIÈCLE (de 1900 à la fin des années 30)
La fin du XIXe et le début du XXe siècle ont été appelés « l’âge d’argent » de la culture russe. Cependant, cela n'épuise pas le contenu de la vie culturelle de ces années-là. Au début du XXe siècle, deux courants culturels se sont rencontrés, qui différaient à bien des égards. D’une part, la culture était dominée par les traditions du réalisme, remontant au XXe siècle, lorsque la fonction sociale de la culture était primordiale. Dans le même temps, une nouvelle direction de la culture artistique russe est apparue et s'est renforcée - la décadence, qui désigne des phénomènes artistiques tels que le rejet des idéaux civils et la foi en la raison, l'immersion dans la sphère des expériences individualistes. Ces idées étaient l’expression de la position sociale d’une partie de l’intelligentsia artistique, qui tentait « d’échapper » aux complexités de la vie dans le monde du rêve, de l’irréalité et parfois du mysticisme. Mais c’est également ainsi qu’elle reflète dans son œuvre les phénomènes de crise de la vie sociale de l’époque.
Les ambiances décadentes ont capturé des figures de divers mouvements artistiques, y compris réalistes. Cependant, le plus souvent, ces idées étaient inhérentes aux mouvements modernistes.
Le concept de « modernisme » (modernes français - modernes) englobait de nombreux phénomènes littéraires et artistiques du XXe siècle, nés au début de ce siècle, nouveaux par rapport au réalisme du siècle précédent. Cependant, même dans le réalisme de cette époque, de nouvelles qualités artistiques et esthétiques apparaissent : le « cadre » d'une vision réaliste de la vie s'élargit, une recherche est en cours de moyens d'expression personnelle dans la littérature et l'art. Les traits caractéristiques de l'art sont la synthèse, reflet indirect de la vie, contrairement au réalisme critique du XIXe siècle avec son reflet concret inhérent de la réalité. Cette caractéristique de l'art est associée à la large diffusion du néo-romantisme dans la littérature, la peinture, la musique et à la naissance d'un nouveau réalisme scénique.
La littérature russe a continué à jouer un rôle extrêmement important dans la vie culturelle du pays. Au cours de ces années, L.N. Tolstoï a vécu et travaillé encore, créant des œuvres remarquables par leur expressivité artistique et leur pouvoir de dénonciation, dans lesquelles la protestation contre le mal social et l'injustice sociale sonnait avec acuité et colère. L.N. Tolstoï n'a ni accepté ni soutenu le modernisme dans l'art.
Au cours de la période considérée, A.P. Tchekhov a créé ses meilleures œuvres : romans et nouvelles (« Ma vie », « Les hommes », « Maison avec mezzanine », « La mariée », etc.), œuvres dramatiques mises en scène sur la scène du Théâtre d'art de Moscou (« La Mouette », « La Cerisaie », « Trois Sœurs »). Son travail reflétait vrai vie La Russie, « terriblement simple » et complexe. Et même si A.P. Tchekhov n'était pas partisan d'un certain système de vues socio-politiques, ses œuvres portaient l'attente d'une vie nouvelle et meilleure.
Au cours des années de « renouveau interne » qui ont commencé chemin créatif A. M. Gorki (Peshkova). Dans ses œuvres écrites à cette époque (« Vieille femme Izergil », « Chelkash », « Chanson du faucon », « Pétrel »), il chantait l'homme fier et libre, l'amour comme source de vie, l'intrépidité de ceux qui qui appelaient au combat et étaient prêts à donner ma vie pour la liberté. L'œuvre d'A.M. Gorki, ses activités sociales et culturelles sont associées à l'émergence d'un nouveau phénomène littéraire du XXe siècle - le « réalisme héroïque », qui visait non seulement à décrire la vie, mais serait « plus haut, meilleur, plus beau ». .» Le drame « Ennemis » et le roman « Mère », écrits par A. M. Gorky en 1906 sous l'influence des événements révolutionnaires de ces années, ont été particulièrement importants pour la formation de ces nouveaux principes de reproduction de la vie.
Mais le processus d'évolution des traditions du réalisme dans la nouvelle ère a continué à s'opposer au modernisme, en tant que direction la plus significative de la fiction du début du XXe siècle en termes de durée d'existence, ainsi qu'en termes de distribution et d'influence sur la société. une vie culturelle.
Le modernisme était un mouvement complexe, au sein duquel il est possible de distinguer des tendances individuelles qui ont prévalu à l'une ou l'autre étape de son développement (symbolisme, acméisme, futurisme, égofuturisme, etc.). Chacun d'eux a proposé son propre programme esthétique, mais ils étaient tous d'accord sur l'essentiel dans la négation des principes de l'art réaliste.
Le symbolisme était une étape naturelle du développement artistique par laquelle sont passés la littérature, les beaux-arts et le théâtre au cours de la première décennie du XXe siècle. Il a été développé dans les œuvres de poètes tels que V. Ya. Bryusov, K. D. Balmont, F. K. Sologub, D. S. Merezhkovsky, Z. N. Gippius, A. Bely. Le parcours créatif de A. A. Blok a commencé dans le cercle des symbolistes. Les poètes symbolistes étaient unis caractéristiques communes vision du monde et langage poétique. A côté des exigences de l'art « pur », « libre », les symbolistes mettent l'accent sur l'individualisme, allant jusqu'au narcissisme, glorifient le monde mystérieux, le thème du « génie spontané », du « surhomme » leur est proche.
Vers la fin de la première décennie du nouveau siècle, une controverse éclata au sein de l’intelligentsia artistique autour du symbolisme, révélant sa crise. Il a été remplacé par l'acméisme (du grec acme - le plus haut degré de quelque chose, une période d'épanouissement). Les fondateurs de l'Acmeism sont considérés comme N. S. Gumilyov et S. M. Gorodetsky. Le nouveau groupe poétique comprenait A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam, M. A. Zenkevich, M. A. Kuzmin et d'autres. Les Acmeists, contrairement à la nébulosité symboliste, proclamaient le culte de la véritable existence terrestre, courageusement ferme et regard clair pour la vie.
Une place particulière dans la poésie de l'Acméisme est occupée par l'œuvre de A. A. Akhmatova (A. A. Gorenko). Son premier recueil de poésie, Evening, est publié en 1912. Caractéristiques distinctives sa poésie : retenue de l'intonation, accentuation de l'intimité du thème, psychologisme, lyrisme et émotivité.
L'héritage littéraire de N. S. Gumilyov est important par sa valeur artistique. Son travail était dominé par des thèmes exotiques et historiques, et il était un chanteur à « forte personnalité ». Gumilev possède grand rôle dans le développement de la forme du vers, caractérisé par la précision et l'exactitude.
Simultanément à l'Acméisme en 1910-1912. Le futurisme est né. Comme d’autres mouvements modernistes, il était intérieurement contradictoire. Le plus important des groupes futuristes, qui reçut plus tard le nom de cubo-futurisme, réunissait des poètes tels que D. D. Burliuk, V. V. Khlebnikov, A. Kruchenykh, V. V. Kamensky, V. V. Mayakovsky et d'autres. Un type de futurisme était l'égofuturisme de I. Severyanina (I. V. Lotareva).
Le futurisme a proclamé une révolution de la forme, indépendante du contenu, une liberté absolue du discours poétique. Les futuristes ont rejeté les traditions littéraires.
Dans la poésie russe des années pré-révolutionnaires, il y avait des personnalités brillantes difficiles à attribuer à un mouvement littéraire spécifique. Parmi eux figurent M. A. Volochine et M. I. Tsvetaeva.
La révolution de 1905-1907 a eu une influence considérable sur le développement de la maturité sociale et créative des personnalités culturelles russes. C'est au cours de ces années que l'intérêt pour les grands problèmes sociaux s'est accru chez A. Blok, V. Bryusov et A. Bely.
Événements révolutionnaires de 1905-1907 a influencé le travail de nombreux écrivains, compositeurs et artistes russes. Le thème de la révolution, les impressions associées à sa perception sont présentes dans de nombreuses œuvres d'art de ces années.
C’est durant cette période que le rôle du théâtre s’accroît énormément. Les origines du nouveau théâtre étaient K. S. Stanislavsky et V. I. Nemirovich-Danchenko. Dans son discours adressé à la troupe lors de l'ouverture du Théâtre d'art de Moscou, K. S. Stanislavski a particulièrement souligné la nécessité de démocratiser le théâtre et de le rapprocher de la vie. « Nous avons repris une entreprise, dit-il, qui n'est pas de nature simple, privée, mais de nature publique. Nous nous efforçons de créer le premier théâtre public raisonnable et moral et nous consacrons notre vie à cet objectif élevé.
Le Théâtre d’Art est devenu l’un des centres du mouvement théâtral progressiste. La base de son répertoire était la dramaturgie moderne de A. P. Chekhov et A. M. Gorky. Les principes des arts du spectacle développés dans ses murs faisaient partie de lutte commune pour le nouveau réalisme, rendu grande influence pour l'ensemble du secteur du théâtre en Russie.
Au début du XXe siècle, des changements importants se produisent dans le domaine de la musique. L'ouverture de nouveaux conservatoires à Saratov, Odessa, Kiev, ainsi que les conservatoires déjà en activité à Moscou et Saint-Pétersbourg, ont témoigné du succès de l'enseignement musical dans le pays et du niveau croissant de compétences professionnelles des musiciens et compositeurs.
Dans les œuvres des compositeurs, il y avait une révision bien connue des traditions musicales, une rupture avec problèmes sociaux, l'intérêt pour le monde intérieur de l'homme et les problèmes philosophiques et éthiques augmentait de plus en plus.
Les nouveautés de la musique russe du début du XXe siècle ont trouvé leur plus grande expression dans les œuvres de S. V. Rachmaninov et A. N. Scriabine. Leur œuvre, comme celle d’autres compositeurs de la jeune génération, se reflétait dans l’atmosphère idéologique de l’époque pré-révolutionnaire ; leur musique exprimait un pathétique romantique, appelant à la lutte, au désir de s’élever au-dessus de « la banalité de la vie ».
Des processus complexes ont eu lieu dans les arts visuels. Les recherches dans la peinture russe, caractéristiques de cette époque, sont associées au travail d'artistes tels que M. A. Vrubel, K. A. Korovin, M. V. Nesterov, V. A. Serov. Leur recherche s'est poursuivie caractère différent. Un monde fantastique et féerique, gravitant vers le symbolisme, a été découvert par M. A. Vrubel (« Démon »). Impressionnisme (du français - impression) reçu le plus grand développement dans les œuvres de K. A. Korovine (« En hiver », « Au balcon »). Les quêtes religieuses et éthiques sont caractéristiques des peintures de M. V. Nesterov (« Vision du jeune Barthélemy »). L'hymne d'une belle personnalité humaine résonne dans les peintures de V. A. Serov.
Au début du XXe siècle, l'intérêt pour l'art populaire et la culture de la Rus antique augmentait (peintures de V. M. Vasnetsov, N. K. Roerich, illustrations de contes de fées russes de I. Ya. Bilibin, musique de I. F. Stravinsky). Grâce aux efforts de passionnés et de mécènes des arts, comme la princesse M.K. Tenisheva, des centres artistiques et culturels sont créés pour faire revivre l'artisanat populaire, et l'étude de l'histoire de la peinture d'icônes devient à la mode. L’intérêt pour l’art populaire reflétait la recherche des racines historiques et culturelles du peuple russe qui avait commencé à cette époque, ainsi qu’une réaction à « l’occidentalisme » de la noblesse et d’une partie de l’intelligentsia devenu monnaie courante.
Un trait caractéristique de la culture du début du XXe siècle était l'émergence et la propagation rapide de la culture de masse urbaine. L'exemple le plus frappant de ce phénomène est le succès sans précédent d'un nouveau type de spectacle : le cinéma. Les mélodrames, les romans policiers et les films pseudo-historiques constituaient l'essentiel du répertoire cinématographique de ces années-là.
Dans le domaine des sciences humaines, au début du XXe siècle, il existe le tournant le plus important. Malgré les restrictions imposées par les autorités, des recherches historiques, philosophiques, économiques et juridiques commencent à être activement menées dans les universités russes. Les recherches des historiens russes V. O. Klyuchevsky, S. F. Platonov, V. V. Struve et S. Oldenburg sont devenues largement connues non seulement en Russie, mais également dans les cercles scientifiques internationaux ; l'économiste M.I. Tugan-Baranovsky ; le critique littéraire S. A. Vengerov ; bibliographe N.A. Rubakin. Le phénomène le plus frappant est l'émergence de la pensée religieuse et philosophique russe, qui a apporté une renommée mondiale à la philosophie russe, dont les plus grands représentants étaient N. A. Berdiaev, S. N. Boulgakov, V. S. Solovyov, P. B. Struve, S. N. Trubetskoy, P. A. Florensky, S. Frank, L. Chestov et autres. Travaux scientifiques Ces philosophes, qui affirmaient la primauté de la spiritualité, un « nouveau consensus religieux », la recherche de moyens de combiner de manière unique le matériel et le spirituel et l'établissement d'une théocratie mondiale, étaient l'expression de la complexité de la vie intellectuelle et idéologique de l'époque. ce temps.
La modernisation du pays exigeait également un nouvel afflux de forces dans le domaine des connaissances en sciences naturelles, ce qui garantissait le progrès technique. De nouveaux instituts techniques ont été ouverts en Russie, formant des ingénieurs de différents profils.
Dans le domaine des sciences fondamentales, les scientifiques de classe mondiale étaient le physicien P. N. Lebedev, les mathématiciens et mécaniciens N. E. Zhukovsky et S. Chaplygin, le mathématicien V. Steklov, les chimistes N. D. Zelinsky, I. A. Kablukov. Les travaux des grands scientifiques russes V.I. Vernadsky, I.I. Mechnikov, I.P. Pavlov, K.E. Tsiolkovsky ont reçu une reconnaissance mondiale.
Au début du siècle, la « découverte » géographique de la Russie était toujours en cours. De vastes espaces inexplorés ont encouragé les courageux scientifiques et voyageurs à entreprendre des expéditions risquées. De nouvelles routes maritimes et de nouvelles terres nous attendaient. Les voyages de V. A. Obruchev, G. Ya. Sedov et A. V. Kolchak sont devenus largement connus. Ils ont été suivis par des milliers de personnes enthousiasmées par les nouvelles découvertes.
Le « tissu » vivant de la culture russe a pris forme dans de nombreuses sociétés scientifiques. Ils ont uni non seulement l’élite scientifique, mais aussi tous les amateurs altruistes prêts à servir la science de manière désintéressée. Les plus célèbres étaient les sociétés russes techniques, géographiques, historiques, archéologiques et autres.
Le réseau d'établissements d'enseignement s'est développé. Les allocations de l'État pour l'éducation publique et l'éducation ont augmenté de 1902 à 1912 de plus de 2 fois. En 1908, la loi sur l'alphabétisation universelle est adoptée. En 1914 seulement en écoles primaires Le ministère de l'Éducation publique a instruit 6 millions d'enfants. Il y avait 6 universités et 16 établissements d'enseignement technique supérieur dans le pays.
Les médias ont également continué à conserver leur importance dans la vie sociale et culturelle : journaux et magazines, ainsi que l'édition de livres. En 1912, plus d’un millier de journaux et magazines juridiques furent publiés en Russie. En termes de nombre de livres publiés, la Russie se classe au troisième rang mondial. Le plus grand monopoleur du secteur de l'édition à cette époque était I. D. Sytin. Sous l'influence de personnalités de la culture russe, il a commencé à publier de la littérature pédagogique destinée au peuple. Des millions de manuels, de manuels, de bibliothèques d'auto-éducation, de calendriers populaires et de livres pour enfants publiés par lui ont été distribués dans toute la Russie.
La diffusion de l'éducation était étroitement liée à la croissance de la conscience politique et culturelle générale des masses.
En général, la culture à la veille de la Révolution d’Octobre était le résultat d’un parcours complexe et immense. Le patrimoine culturel de l'époque pré-révolutionnaire constitue le fonds d'or de notre culture nationale.
Octobre 1917 est considéré comme le début de la période soviétique dans l’histoire de la culture russe. On sait que la révolution en Russie était dans une large mesure la conséquence de phénomènes de crise dans la vie spirituelle. Mais pendant les années de la révolution, non seulement cette crise n’a pas été surmontée, mais elle s’est encore aggravée. L'explosion révolutionnaire signifiait un déni irréconciliable des fondements traditionnels de la culture et de la vie spirituelle : la religion, l'art classique, les traditions de la vie populaire. Tous étaient considérés comme des manifestations de la culture « réactionnaire » de la société féodale et bourgeoise.
La plupart glisser a été appliqué après octobre 1917 à l'église. En janvier 1918, le Conseil des commissaires du peuple adopta un décret sur la séparation de l'Église et de l'État. Formellement, il s’agissait d’une mesure démocratique générale, mais en réalité, la privation de la propriété et des droits légaux de l’Église, contenue dans ce décret, mettait l’Église hors la loi et en faisait l’objet de persécutions étatiques. Le gouvernement soviétique, tentant de mener une « attaque de la Garde rouge » contre les sentiments des croyants, a commencé à fermer et à détruire des églises et des monastères, à confisquer des icônes et des reliques saintes. L’athéisme militant est devenu une politique d’État. La vraie liberté d'esprit, ce qui signifiait choix conscient la foi, a en fait été abolie.
La situation d’éminents écrivains, artistes, poètes et scientifiques russes s’est avérée tragique. La plupart des représentants intelligentsia créative Les autorités se méfiaient de leur adhésion aux principes de l'héritage classique de la culture russe. D'éminents scientifiques russes ont été tués sur la base de fausses accusations, dans une affaire inventée de toutes pièces de la soi-disant « Organisation de combat de Petrograd » : les professeurs M. Tikhvinsky, V. Tagantsev, le poète N. Gumilyov. L'intimidation de l'intelligentsia n'a pas été réalisée uniquement par des exécutions et des emprisonnements. Les indésirables ont été expulsés. À l’automne 1922, commence une période de déportations à l’étranger. Parmi les expulsés figurent la fleur des humanités russes : les philosophes N. Berdiaev, S. Frank, S. Boulgakov, le sociologue de renommée mondiale P. Sorokin, un économiste qui a anticipé la plupart des idées actuelles sur l'économie de marché, B. Brutskus. Ils ont refusé de soutenir le régime en place et ont quitté la Russie : I. A. Bounine, A. N. Tolstoï, A. I. Kuprin, M. I. Tsvetaeva, E. I. Zamyatin, F. I. Shalyapin, N. P. Pavlova, K. A. Korovin. Pour la Russie, cela représentait une énorme perte d’intellectuels et de talents exceptionnels. En bloquant les canaux de diffusion des idées bourgeoises, le gouvernement soviétique s'est débarrassé des opposants qui avaient des positions politiquement opposées mais patriotiques. La niche libérée était occupée par des représentants de « l’intelligentsia prolétarienne », spécialisés dans l’interprétation des citations de Marx et de ses partisans dans un esprit favorable aux autorités.
Cependant, dans les domaines scientifiques sur lesquels les autorités n'ont pas mis la main et qui, à leur avis, ne représentaient pas un danger pour le socialisme, des éléments de libre créativité scientifique ont été préservés. Cela s'applique également à la génétique (avant l'arrivée au pouvoir de I.V. Staline), dont les représentants en Russie ont fait des découvertes scientifiques majeures (tout d'abord, notre fierté nationale N.I. Vavilov), à la physique théorique, aux mathématiques et aux affaires militaires. Là où le personnel scientifique et les spécialistes de divers profils formés dans l'ancienne Russie pré-révolutionnaire ont été préservés, quoique pas complètement, la possibilité a été créée de sélectionner et de former des étudiants énergiques et talentueux. Beaucoup d’entre eux sont ensuite devenus la gloire de la science russe.
Comme dans la science, dans la vie artistique, la puissante inertie des processus qui se déroulaient dans le pays au tournant des années 20 et 30 s'est fait sentir. Cette période est caractérisée par l'instauration d'un régime totalitaire en Russie. Proclamé par lui " révolution culturelle« a contribué à la diffusion d'un style de leadership autoritaire dans les domaines de la science, de la littérature et de l'art, ce qui a affecté négativement le développement de la vie socioculturelle de la société russe.
Cependant, au début des années 30, de nouvelles tendances sont apparues dans le développement de la culture nationale. Dans la littérature et l'art, il y a eu un virage vers le réalisme. Les liens entre les groupes d'écrivains, les représentants des beaux-arts, de l'architecture et de la musique se sont renforcés. Au cours du débat qui s'est déroulé au début des années 30 sur la question de la méthode artistique de la littérature et de l'art soviétiques, le concept de réalisme socialiste s'est développé.
Le thème phare de la littérature des années 30 était le thème de la révolution et de la construction socialiste. L’effondrement inévitable du vieux monde, l’approche des bouleversements révolutionnaires sont l’idée principale du roman de M. Gorki « La vie de Klim Samgin ». Le problème de l'homme dans la révolution, son destin - c'est le sujet de l'épopée «Quiet Don» de M. Sholokhov. L’image de Pavel Korchagin, le héros du roman de N. Ostrovsky « Comment l’acier a été trempé », est devenue un symbole d’héroïsme et de pureté morale. Le thème du développement industriel du pays a été révélé dans les œuvres de L. Leonov « Sot », V. Kataev « Time, Forward », Y. Ehrenburg « Without Breathing ». Une place importante dans la fiction des années 30 était occupée par les ouvrages consacrés à histoire nationale et des personnalités culturelles marquantes du passé. Il s'agit de « Pierre le Grand » de A. Tolstoï, « La Mort de Vazir-Mukhtar » de Y. Tynyanov, les drames de M. Boulgakov « La Cabale du Saint » (« Molière ») et « Les Derniers Jours » (« Pouchkine »).
A. Akhmatova, O. Mandelstam, B. Pasternak, S. Yesenin ont créé de brillants exemples de poésie dans leur travail. M. Zoshchenko, I. Ilf et E. Petrov ont travaillé avec succès dans le genre de la satire. Les œuvres de S. Marshak, K. Chukovsky, B. Zhitkov, S. Mikhalkov sont devenues des classiques de la littérature jeunesse.
Depuis la fin des années 1920, les pièces soviétiques se sont imposées sur les scènes théâtrales. Parmi les premières théâtrales de cette époque, l'histoire du théâtre soviétique comprenait « La Tragédie optimiste » de V. Vishnevsky, mise en scène au Théâtre de Chambre sous la direction de A. Ya. Tairov, « Anna Karénine » de V. I. Nemirovich-Danchenko et V. G. Sakhnovsky au Théâtre d'Art de Moscou, pièces de M. Gorki sur la scène du Théâtre. E. Vakhtangova et autres.
Le cinéma national a franchi des étapes importantes dans son développement dans les années 1930. Sa propre base cinématographique a été créée : des studios de cinéma et des cinémas ont été ouverts, des systèmes d'équipement cinématographique ont été créés. La popularité croissante du cinéma a été facilitée par l'apparition de films sonores, dont les premiers furent « Le chemin de la vie » (réalisé par N. Eck) et « Les Montagnes d'Or » (réalisé par S. Yutkevich) en 1931. Meilleurs films Dans les années 1930, ils parlaient de leurs contemporains (« Sept braves », « Komsomolsk » de S. Gerasimov), des événements de la révolution et de la guerre civile (« Chapaev » de S. et G. Vasilyev, « Nous sommes de Kronstadt » par E. Dzigan, « Député de la Baltique "J. Heifetz et A. Zarkhi). Les comédies musicales de G. Alexandrov « Jolly Fellows » et « Circus » avec l'unique Lyubov Orlova dans les rôles principaux remontent à la même époque.
La vie musicale du pays au cours de ces années est associée aux noms de S. Prokofiev, D. Chostakovitch, A. Khachaturian, T. Khrennikov, D. Kabalevsky, Y. Dunaevsky. En 1932, l’Union des Compositeurs de l’URSS est créée.
Un trait caractéristique de la vie culturelle de la société dans les années 1930 était le processus d'unification des forces créatrices. Mais la formation d’unions créatives unies ne signifiait pas la fin de la lutte idéologique et esthétique ; elle était menée sous le slogan de la lutte contre le formalisme. En 1936 La presse centrale a publié des articles critiquant le formalisme dans les œuvres d'écrivains, d'artistes et de compositeurs célèbres. Le ton des critiques était grossier et dur. Le danger des tendances formalistes dans l'art soviétique était exagéré et la lutte contre le formalisme se résumait essentiellement à la persécution des écrivains et des artistes talentueux.
Les œuvres qui n'avaient pas de parti pris politique prononcé dans l'esprit des exigences de la littérature et de l'art étaient souvent considérées comme idéologiquement nuisibles. Il était très difficile pour des personnes talentueuses de travailler dans de telles conditions. De nombreuses œuvres exceptionnelles créées au cours de ces années n'ont pas atteint immédiatement le lecteur et le spectateur. Ce n’est qu’en 1986 que le roman de M. A. Boulgakov « Le Maître et Marguerite » fut publié ; en 1986-1988. "The Juvenile Sea", "The Pit" et "Chevengur" d'A.P. Platonov ont été publiés et "Requiem" d'A. Akhmatova a été publié en 1987. Au cours de ces mêmes années, les œuvres de Ya. Ya. Filonov, K. S. Malevitch et d’autres maîtres de l’avant-garde russe ont commencé à être exposées. Le tableau « Au départ de la Russie » de Ya D. Korin est resté inachevé. Les travaux de V. E. Meyerhold, B. A. Pilnyak, O. E. Mandelstam, S. A. Kolbasyev, innocemment réprimés, ont été étouffés.
Un contrôle strict étendu à la culture du passé. L’histoire de la société et de la culture a été traitée arbitrairement pour répondre aux objectifs politiques et idéologiques des dirigeants staliniens. Des noms et des couches historiques et culturelles entières qui ne correspondaient pas aux schémas créés ont été barrés. L'art russe du début du siècle est devenu pratiquement inaccessible ; les œuvres des philosophes et écrivains idéalistes russes en exil ont été confisquées dans les bibliothèques.
Les monuments architecturaux ont été particulièrement endommagés. C'est dans les années 30 à Moscou que la tour Soukharev et la cathédrale du Christ-Sauveur, construites grâce aux dons du public en l'honneur de la victoire de Guerre patriotique 1812, le Monastère des Miracles du Kremlin, la Porte Rouge et bien d'autres monuments créés par le talent et le travail du peuple.
Un problème aigu dans la vie socioculturelle du pays dans les années 20 et 30 était le retard culturel des masses. Et, bien qu'au cours de la première décennie Pouvoir soviétique De nombreux travaux ont été menés pour vaincre l'analphabétisme dans le pays, mais les tâches principales n'ont pas été résolues. En 1927 Union soviétique se classe au 19e rang en Europe en termes de niveau d'alphabétisation (en 1913, la Russie se classait au 11e rang). Ce n’est qu’à la fin des années 30 que l’analphabétisme de masse a été surmonté. Selon le recensement de 1939, le pourcentage d'alphabétisation parmi les personnes âgées de 9 à 49 ans en RSFSR était de 89 %. Cependant nombre significatif les gens sont restés analphabètes. La proportion de personnes ayant reçu une éducation supérieure et secondaire (complète et incomplète) n'était que de 109 personnes pour 1 000. Mais en général, le niveau culturel des masses a considérablement augmenté. Cela a été facilité, tout d'abord, par l'organisation de tous les niveaux d'enseignement.
Au milieu des années 30, un système d'enseignement scolaire et supérieur s'était essentiellement développé, prenant en compte l'expérience accumulée par l'école pré-révolutionnaire russe et les acquis de la science pédagogique. Un vaste réseau d'écoles du soir, de cours et de clubs existait dans le pays, couvrant des millions d'ouvriers et de paysans.
Depuis le début des années 1930, la formation du personnel technique, militaire, agricole et enseignant s'est développée particulièrement rapidement. Le nombre total d'établissements d'enseignement supérieur en RSFSR est passé de 90 en 1928 à 481 en 1940. En raison d'une forte expansion de la formation de spécialistes, le nombre d'intelligentsia a augmenté très rapidement, notamment parmi les ingénieurs et les techniciens.
Dans le même temps, dans les conditions du système de commandement administratif et du culte de la personnalité de Staline, le potentiel créatif de l'intelligentsia n'était pas tant utilisé dans l'intérêt de la société dans son ensemble que pour renforcer le système. Les opportunités de développement spirituel de l'intelligentsia étaient limitées.
En conclusion, il semble nécessaire de souligner une fois de plus que la culture nationale du début des années 40 du XXe siècle était le résultat d'un voyage complexe et long. Fondé sur les idéaux d'humanisme, de patriotisme et d'internationalisme, il a pris des positions de premier plan dans la culture mondiale et a acquis une autorité internationale, malgré des périodes de dures périodes. réaction politique lorsque la pensée progressiste et la culture avancée ont été supprimées de toutes les manières possibles.
